Titian Vecellio da Cadoreは、史上最高の芸術家の1人です。 レオナルドのようなイタリアルネサンスの伝説とともに、 ミケランジェロとラファエル。ティツィアーノ、 彼の時代の認められた天才、 「画家の王と王の画家」と呼ばれていました。美術の分野におけるこの絵画の巨人の発見、 あれやこれやで、 その後のすべてのアーティストの作品に影響を与えました。ティツィアーノは神話のジャンルの発展に大きな役割を果たしました、 風景と肖像画。ところで、 マスターのブラシで捕らえられることは、彼の同時代の人々にとって最高の賞でした。
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アーティストは長生きしました、 彼の最後の日まで思考の明晰さを保ち、 知覚の感度、 視力と驚くべき作業能力。これにより、ティツィアーノは彼の日々の終わりまで彼の手からブラシを放さず、子孫に広範な芸術的遺産を残すことができました。彼の作品では、 もろさと厳粛さ、 精神性と現実の日常性、 人と世界の悲劇と美しさは驚くべき方法で組み合わされました。理由がないわけではありません、 画家の作品は何度もコピーされました。
アーティストの人生と作品は、ヴェネツィアの最高の繁栄の時代に落ちました、 その力と栄光の非常に素晴らしさ、 世界的な変化と歴史的な出来事の時。さまざまな情報源によると、 ティツィアーノは1477年または1480年に生まれました。彼の両親は、ピエーヴェディカロレの小さな町に住んでいた古い家族に属していました。 アルプスにあります。少年は早く絵を描く能力を示し、10歳のときに両親は彼をヴェネツィアに送って勉強させました。ジョヴァンニベッリーニのワークショップで理解された美術の若いティツィアーノの基礎、 若い芸術家の運命に重要な役割を果たした人、 すでに有名な画家ジョルジョーネを紹介します。この会議はティツィアーノの生活に大きな役割を果たしました。 彼女のおかげで、彼は早くから自分のスタイルを見つけ、認知を得ました。そして、2人の才能のあるアーティストは友達にはなりませんでしたが–習慣、 性格や人生観はあまりにも異なっていました。ジョルジョーネがティツィアーノの人生で果たした役割を過小評価することはできません。後者の彼の年長の同志への敬意は、ティツィアーノがジョルジョーネの予期せぬ死にどれほど苦しんだかという生き残った証拠によって判断することができます（偉大な芸術家は彼がわずか35歳のときに予期せず死にました）。
ジョルジョーネの才能とティツィアーノの運命において彼が果たした重要な役割への独特の賛辞は、ジョルジョーネの眠れるヴィーナスの芸術家による修復でした。 火事で燃えていました。ティツィアーノは、火事で取り返しのつかないほどの損傷を受けたキャンバスを完全に書き直しました。 ヒロインのポーズと優しい顔だけを残します。謙虚な画家は自分の名前で絵に署名し始めず、ジョルジョーネの筆に起因する傑作のほぼ完全な作者について言及することはありませんでした。おそらく、この作業はその後の混乱の最初のマイルストーンでした。 そのため、 何十年にもわたって、 ティツィアーノの絵画、 彼らのまれな実行の完璧さによって区別され、 多くの場合、ジョルジョーネのブラシが原因でした。
しかし、少し戻ってみましょう、 つまり、1508年に イタリア・ルネサンスの「黄金時代」の間、 有名な芸術家が若いティツィアーノをヴェネツィアのドイツの化合物を飾るのを手伝うように誘ったとき。ジョルジョーネは、彼の若い同志よりもはるかに早くドイツの化合物の彼の部分を設計し始めました、 より有利に見える建物のメインファサードを自分で選択します。ティツィアーノは狭い通りを見下ろす中庭の裏側に残されました、 いつも人でいっぱいでした。ジョルジョーネ、 才能のある画家だけでなく、 だけでなく、魅力的な男、 彼は常に多くの友人に囲まれ、アーティストを称賛し、彼の創造的な精神を高めるために時々仕事場にやって来ました。ティツィアーノ、 彼の沈黙と孤立によって区別され、 主に孤独で働いた。驚くことではないが、 熟練した自信のあるジョルジョーネは、若い同僚よりもずっと早く仕事を終えました。
ドイツの化合物の修復がようやく完了したとき、 ヴェネツィアのすべてがこの奇跡を見に走りました。聴衆の喜びは際限がなく、そして、 多くの証言によると、 ティツィアーノの絵は最もセンセーショナルでした。壁画を評価するには、 特別委員会が設立され、 ベリーニが率いる。その日そこにいた目撃者の一人の思い出–ドルチェは生き残った：「ティツィアーノは壮大なジュディスを描いた、 彼女は何よりも賞賛している。色とデザインはとても完璧だったので、彼女が観客の前に現れるとすぐに、 ジョルジョーネのすべての友達、 これが彼の仕事であると満場一致で決定した人、 すぐにアーティストを祝福し始めました、 これが彼のすべての創造物の中で最高であったことを彼に保証しました。 " 不幸にも、 現在、2人のマスターの仕事を判断することはできません。 たった30年か40年後に フレスコ画は非常に湿っていたため、ほぼ完全に失われました。 海塩で飽和、 ベネチアンエア、 錆びたペンキ。しかし、生き残った個々の断片からでさえ、 ティツィアーノがこの難しいテストに見事に合格したことは明らかです、 深く個性的なスタイルを持つ才能のあるアーティストとして自分自身を宣言します。
そして重量、 このプロジェクトへの参加のおかげで、 非常に早くティツィアーノの作品について話し始めました、 マスターの最初の作品は、その珍しいリアリズムと細部の注意深い転送で注目に値するので、 これは若い画家にとってはめったに不可能でした。アーティストの早期の認識における少なくとも役割は、国の創造的な人々にとって非常に有利な状況によって果たされました。この期間中、 ヴェネツィアは平和と繁栄の中で暮らしました、 強力な艦隊のおかげで、 発展した貿易と強力な経済的地位。
ユニークなスタイルを作成する
詩人たちが 作家、 ミュージシャンやアーティストは、穏やかな自然を背景に幸せな人々を描いた、 芸術作品の主なテーマは愛でした、 人間関係の美しさと詩。そのような環境では、 若いティツィアーノの創造的な道が始まりました。
当初、 アーティストは自然のイメージに夢中になり、 そして日没前の魔法の時間、 空が明るくなったとき、 彩度、 彼の好きな時間になりました。ティツィアーノの好きな季節は秋だったと推測できますが、 その暴動と多色の色で。 NS、 風景への愛は長くは続かなかった、 時間とともに、 マスターは別のジャンルを優先し始めました、 つまり、ポートレート。
人々は芸術家を引き付け始めました、 彼らの豊かで複雑な内なる世界で。アーティストの初期の作品の中で、 「青い袖のドレスを着た男の肖像」、 アーティストの親友の一人を描いた、 詩人ルドヴィーコ・アリオスト、 イニシャル「TV」で欄干に寄りかかって、 特別なスキルとして際立っています。 NS、 ティツィアーノ自身が写真に描かれているバージョンがあります、 現在、ロンドンのナショナルギャラリーに保管されています。質問は物議を醸すままです、 基本的ではありませんが、 この作品の主なものはその目的ではないので、 しかし、若い芸術家の書き方と彼女が演じられたスキル。絵の優雅な色、 ストロークの軽さ、 シンプルで調和のとれた構成、 男の服の美しく描かれた生地、 視聴者を少し上から見下ろし、 これらすべてが、ティツィアーノのすでに卓越した才能を特徴づけています。
時間とともに、 ティツィアーノの作品は、これまで以上に大きな物語で満たされ始めました。 ダイナミクス、 緊張とドラマ。それらの性質はもはや静かで静的ではありませんでした、 それは生命に満ちていました、 そして、その背景にいる人々は感情と動きに満ちていました。例えば、 絵画「男性の3つの時代」（1512年、 スコットランド国立美術館、 エディンバラ）、 時間の経過と人間の年齢の簡潔さが表示されます。写真のプロット、 日当たりの良い風景を背景に展開し、 右から左に読む必要があります。二人の赤ちゃん、 右手前の甘い眠りで眠る、 人が将来どんな喜びと悲しみを待っているのかまだわからないときの穏やかな人生の始まりを描いてください。小さな天使は子供たちの平和と安全を守ります、 その周りで若い草はかろうじて道を進んでいます。構成の左側では、 前景に、 木の厚い樹冠の下で、 恋をしている若いカップルです。写真のこの部分は、私たちが若いときの人生の真ん中を表しています。 力に満ちて、 欲望、 健康とエネルギー。そして背景には、2つの頭蓋骨を手にした老人が座っています。頭蓋骨は、人生が終わったときに一人一人を待っている死の必然性を象徴しています。老人の頭を胸まで下げ、 老後の悲しみと絶望を表現する。絵の意味は単純です-私たちは皆、後で死ぬために生まれています。このトピックは、彼の仕事を通してティツィアーノを興奮させました、 他のキャンバスに反映されて、 例えば、 「時間と心の寓話、 」については後で検討します。
絵画「カントリーコンサート」（1510年頃、 ルーヴル美術館、 パリ）も芸術家の創造性の初期に属しています、 ティツィアーノは、美しく静かな夜の時間に、驚くほど調和のとれた人間と自然の融合を伝えることができました。ここで私たちの前にいるのは、淡い緑色で明るい美しい服を着た2人の若い男性です。 赤オレンジ色。そのうちの一人はミュージシャンです、 彼はリュートの弦に触れようとしています、 もう一人は村人です、 彼は注意深く耳を傾ける準備ができています。手前には裸の女性がいて、 彼女の手にフルート、 おそらくこれはミューズです。彼女は視聴者に背を向け、ミュージシャンを注意深く見ています。構図の左側には別の裸の処女がいます、 彼女の手には水が入った器があり、 アートとのコミュニケーションを通じてすべての生き物を浄化するというアイデアを象徴しています。自然を背景にした乙女のヌードはとても調和が取れており、貞淑な気持ちを表現する重要な寓話です。
作曲はバックグラウンドで完成し、 この驚くべき詩的な雰囲気から人生の流れに私たちを戻し、 どこからも隠すことは不可能です。羊飼い、 密集した樹冠の下で彼の群れとさまよって、 写真の地球の擬人化になりました。写真の奥には、シンプルな農民の家の屋根が見えます。 彼らに住む人々は、この天国の自然の片隅の存在を疑うことさえしません。写真を見ると、 主人公はリュートを弾き始める時間がなかったのに、 妖艶な音楽の音はすでに空間全体を埋め尽くしています。当初、 この絵はジョルジョーネの筆によるもので、 それは彼の方法に非常に強く影響するので-夢と幻想に満ちた理想的な世界のイメージ、 リアルタイムと空間の外に存在します。
高尚なものと地上のものを対比するというトピックは、ティツィアーノによる別の作品に反映されていました。 同じ期間に属します。絵画「中断されたコンサート」（1510年頃、 ピッティ宮殿、 フィレンツェ）、 若い僧侶が熱心にスピネットで遊んでいるのが見えます。彼の後ろには、若い男の肩に触れてゲームを止めようとしている老人がいます。僧侶はしぶしぶ彼の職業から離れます：彼の細い指は鍵の上で羽ばたき続けます、 彼の頭はすでに横向きになっていますが。先輩同志の顔は厳しい、 その理由は、左側に立っている若い男です。 傲慢で空っぽな表情の貴族の服を着て、 ミュージシャンを通り過ぎて、 皮肉な笑顔を唇に固定した。
写真の主なアイデアは、芸術の崇高な世界、 調和、 美と愛は、残忍な現実が最も予想外の方法に侵入することによって常に破壊される可能性があります。だから写真では、 貴族の無関心、 音楽の世界から遠く離れて、 と、 実際には、 それに無関心、 リュートを手にした男に、魅了された同志を止めさせ、 それを理解できない人に力とインスピレーションを無駄にしないように。
おそらく、絵のプロットは哲学者プラトンの作品に影響を受けました、 当時ヴェネツィアで出版された、 彼の「法律」の中で、「最も美しい芸術は、選民によってのみ知覚される芸術である」という考えを表現した人。
ティツィアーノの最初の聖書の絵画の1つは、「私に触れないでください」というタイトルの絵画です（1512年頃、 国立美術館、 ロンドン）。キャンバスの中心には、イエス・キリストがメアリー・マグダレンに現れる福音書のエピソードがあります。 そして彼女は、 彼が本当に生きていて夢ではないことを確認するために、 彼に手を差し伸べます。しかし、イエスは恥ずかしそうに裸を覆いで覆い、 彼は言います：「私に触れないでください、 なぜなら、私はまだ父に上っていないからです。」プロットの背景は風景です。キャンバスの中央に描かれた背の高い木です。 家々は丘の上を右に上がり、 遠くに海が見えます。手前のメアリーとキリストの姿は文字通り輝き、 金色の厳選された色、 長い間茶色と黄土色の色調で、美術史家はこの絵がジョルジョーネの筆に属していると考えさせました。
権力者の愛と嫉妬
ティツィアーノ、 権力者に親切に扱われた幼い頃から、 彼の最愛のヴェネツィアを去り、一人または別の常連客の翼の下に定住するために何度も提供されました。しかし、芸術家はこの街が好きすぎて、ここで彼の人生とキャリアを築くことを期待していました。したがって、 ある程度の認識を達成したことで、 画家は市の支配者に訴えの手紙を書いた、 その中で彼は、大評議会のホールをスケジュールするという最も難しい仕事を引き受けることを提案しました。これに伴い、 彼はその時までにドイツの化合物で塩供給仲介者の空いている位置のための彼の立候補を考慮するように頼んだ。一目見ただけで、 変ですね、 しかし、ヴェネツィアのこの管理職は占領されていました、 原則として、 アーティストによる。これは彼らの仕事の詳細によるものでした、 鉱物の知識が必要です、 それが塩であろうと塗料であろうと。中間的な立場は、当時のどのアーティストにとってもちょっとしたことでした。彼女は、年俸とサンマルコ共和国の公式画家の名誉称号を受け取る権利を与えました。この、 順番に、 アーティストに作品を提供しました–彼は自動的に州の命令のほとんどを受け取りました、 グレートカウンシルホールのすべての新しい犬の肖像画を含みます。加えて、 財務省はアーティストの費用の多くを支払いました：ワークショップのレンタル、 帆布や絵の具の購入、 だけでなく、他のいくつかのニーズ。
など、 1513年、 ティツィアーノは信じられないほど幸運でした–政府評議会は彼の提案を受け入れました。幸せな芸術家は新しい場所に定住し始めました。多くの学生が彼のワークショップに来ました、 若い芸術家たちは、そのような有名で有名なマスターと一緒に仕事をすることを夢見ていました。 より成熟した画家は彼の有利で立派な立場をうらやましかった。しかし、 不幸にも、 ティツィアーノの喜びは長くは続かなかった。別の由緒ある芸術家、 ジョヴァンニベッリーニ、 そのワークショップで若いティツィアーノが働いた、 この任命に憤慨した、 そして彼は、評議会の決定に異議を唱えるよう要請して、彼の常連客である影響力のあるヴェネツィアの犬の一人に目を向けました。結果として、 スキャンダルが勃発し、 そして、ティツィアーノを任命するという決定はすぐに取り消されました。これはまた、大評議会の構成の変更によって促進されました、 それは若い芸術家にとって間違った時期に起こったのです。ティツィアーノは激怒しました、 しかし、彼の野心的な計画を放棄しませんでした。彼の闘争の結果は、塩の仲介者のポストへの彼の新しい任命でした、 たった4年後に起こった 1517年に。
ティツィアーノは、彼の作品「シーザーのダイナリウム」で権力者に対する怒りを部分的に表明しました。 1516年に作成されました（現在、絵画はドレスデンアートギャラリーにあります）。キャンバスは非常に豊かで豊かなパレットで描かれています、 そのおかげで、画像は非常にエンボス加工されているように見えます。絵の構成はシンプルで表現力豊かです。二人の人物、 腰の高さを示しています、 キャンバスに衝突しているようです。これらは2つの反対です-中央に立っているキリストのイメージの美徳とパリサイ人のイメージの貪欲、 右から写真に侵入しているかのように。偽善者はデナリウスをキリストにまで広げます、 彼の全体的な外観は挑発的で不快です。キリスト、 それどころか、 純粋さと誠実さの具現化であり、 暗い背景に彼の姿、 いわば、 キャンバス全体を照らします。彼は静かにパリサイ人を見ます、 彼の目には自信と愚かな質問があります：「なぜあなたは私を誘惑するのですか？」絵の意味は単純で理解しやすいです-主は私たちの考えをすべて知っています、 彼は万能だから、 彼の答えは簡単です、 しかし深い：「シーザーにシーザーとは何かを与えなさい、 しかし、神は神です。」伝統的な聖書の陰謀をとって、 アーティストは、善と悪についての彼の最も内側の考えをそれに反映しました。写真の全体的な色は憂慮すべきです。明るい、 まるで光で満たされているかのように、 キリストのローブ、 彼の非の打ちどころのない悟りを開いた顔と相まって、 パリサイ人を描いた茶色と金色の色合いとははっきりと対照的です。 世界のすべての悪と不公正を体現しています。その外観はカラフルです–こぶのある荒い鼻、 高い額、 耳のイヤリング、 日焼けした皮膚、 しなやかな手がコインを差し出します。 2つの数字が偶然ではありません。 そのうちの1つは、善と貴族を表しています。 そして他の–人ができるすべての基本性と卑劣さ、 キャンバス上のそのような異なるスペースを占めます。ティツィアーノがパリサイ人の姿を切り取ったのは偶然ではありません。 彼を絵の端に押し付け、 それによって善と悪の間の闘争の問題に対する彼の態度を示し、 すべての人に保存されている神の原則が世界のすべての悪徳を打ち負かすことができるという彼の果てしない信念。
個人的な幸せを探す
アーティストの私生活はすぐにはうまくいきませんでした。長い間、彼は自分の好みに合った最愛の人を見つけることができませんでした。初めて、 ティツィアーノが友人の娘、ヴィオラナという非常に若い女の子に会ったとき、結婚の考えが訪れました。不幸にも、 彼の愛が相互であったという証拠はありませんでした、 しかし、ヴィオラナがしばしばアーティストのスタジオを訪れ、彼のために多くの作品のポーズをとったという事実から判断すると、 ティツィアーノは彼女に無関心ではありませんでした。 NS、 これにもかかわらず、 結婚は起こりませんでした。ティツィアーノの伝記作家は、この結果の理由についてのみ推測することができます、 しかし、おそらく、 少女の両親は組合に反対した。
アーティストは、フローラの絵の中でヴィオランタへの彼の愛と情熱を不滅にしました、 1515年頃に書かれました（現在、作品はフィレンツェのウフィツィ美術館に属しています）。この作品は若いティツィアーノの真の傑作になりました。写真は女性の美しさへの官能性と賞賛で飽和しています。美しい金色の髪の少女が右手に最初の春の花の束を持っています、 もう一方の手で、彼女は肩から滑り落ちるマントを持っています。 彼女の胸全体をほとんど露出させた。ヴィオラナのイメージは後にマスターの多くの作品に登場しました（「天の愛と地球の愛」、 「ソロメオ」、 「鏡を持った若い女性」、 「ヴィオラナ」他）、 真の美しさと女性らしさの具現化として。しかし、フローラはそれらの中で最も有名になりました、 キャンバスは他のアーティストによって何度もコピーされました。
アーティストの2番目の重要な作品、 同じ時期に書かれた、 「天の愛と地上の愛」（1515年頃、 ボルゲーゼ美術館、 ローマ）。この絵のイデオロギー的なインスピレーションは、ベンボの「アゾランニンフ」と小説「ポリフィラスの夢のラブバトル」でした。 ベネチアのサロンで活発に議論されました。両方のルーツはローマ神話にあります、 2つの金星が反対の団結を擬人化しました–崇高なプラトニックな感情と肉欲と情熱。
キャンバスは驚くほど明るく明るい色で描かれており、人生とその周りの世界の楽しい認識を伝えています。 それは寓話とシンボルでいっぱいです、 それは芸術に精通している人の命令によって作成されたからです。写真の前景には、源の近くに座っている2人の美しい女性の姿があります。左側は、地球の愛をイメージした美しいヴィオラナです。彼女のドレスは金属製のバックルが付いたベルトで遮られました。 結婚の象徴を描いた、 彼のエンブレムは彼女の頭にギンバイカの木の小枝の花輪です。写真の右側にある天の愛は、彼の上げられた手に厳粛に点灯したランプを持っています、 相互主義への地上の愛を祝福するかのように。気づかないのは難しいですが、 キャンバス上の2人の女性がいるという事実にもかかわらず、 いわば、 お互いの反対–実際には同じ顔をしています。違いはヒロインの衣装だけです。天の愛は裸です、 白い布だけが彼女の腰を覆っています-これは彼女の純粋さと無邪気さの象徴です、 彼女の赤いマントは、EarthlyLoveの服の控えめで控えめな色とはっきりと対照的です。
その時代の他のキャンバスのように、 背景は、絵の象徴的な意味において、主人公と同じくらい重要な役割を果たしました。官能的であると同時に異常に澄んだ風景は、強大な木によって2つの部分に分けられます。写真の「地上の」半分には、豊かな家とそれに近づくライダーが描かれています。 明らかに愛情深く忠実な妻が門の外で待っています。うさぎ、 地上の愛の姿を残したのは、出産することを意味します。写真の右側の風景には、山脈に囲まれた教会の鐘楼が含まれています。 湖と羊の群れと羊飼いが彼らを守っています。帆布の中央にあるキューピッドは、水から落ちたバラの花びらを捕まえるのに忙しい。
この異常に調和のとれた構図では、 マスターは非常にエレガントな方法で、高揚した感情と肉欲的な情熱との関係について、実際の倫理的なジレンマを自分自身で解決しようとします。叙情的な作品は、現在の作者のティツィアーノのスタイルを特徴付ける多くの非常に現実的な詳細で満たされています。 だけでなく、その豊富なパレット。キャンバスのお客様、 グランドカウンシルを愛する役人、 絵にとても満足していました、 それが世界の絵画の素晴らしい傑作になるとは思ってもいませんでした。
同時に、 「さくらんぼのマドンナ」の絵が描かれました（1515年、 美術史美術館、 ウィーン）。キャンバスは、色彩的なソリューションの明るさと、すべての図やオブジェクトの正確なディテールによって区別されます。 どれの、 間違いなく、 その作者の素晴らしい才能とスキルについて語っています。
ティツィアーノと若いヴィオラナの片思いの物語については、 彼女、 他人や親戚の反対に会ったこと、 それ自体は無に帰した。マスターは家に帰りました 運命が彼を待っていたのはそこにあったとさえ疑っていませんでした。アーティストの兄は、新しい家政婦を彼の家に連れてきました–シンプルな女の子、 チェキリア。彼女と、 アーティストの家は清潔さと快適さで満たされていました、 彼の炉床が生き返った、 キッチンは食欲をそそる香りでいっぱいでした。ティツィアーノはそのシンプルさに感銘を受けました、 自発性、 Chechiliaの謙虚さと貴族。しかし、それでも彼は、人生の伴侶となるのは彼女であるとは知りませんでした。 忠実な友人であり、3人の子供の母親。
サンマルコ共和国の公式画家
1517年、 ティツィアーノ、 ついにサンマルコ共和国の公式アーティストとして承認され、 聖母の被昇天（1516-1518、 ヴェネツィアのサンタマリアグロリオサデイフラーリ教会）。初日は、 教会は著名な客や一般の人々でにぎわっていました。カバーが祭壇から厳粛に取り外されたとき、 存在する人々は、それが染み出したまばゆいばかりの光から文字通りあえぎました。感情的な強さは、喜びと憤慨の叫びで表現されたピークに達しました、 そのような驚くべき効果は、アーティストの新しい創造を生み出しました。それはベネチアと世界の絵画の歴史の中で新しいマイルストーンになりました、 同じ強力な感情的な影響によって区別される作品を見つけるのは難しいでしょう。当時有名なベリーニとカルパッチョの芸術は、そのような高さに達することはありませんでした、 当時の世界の絵画には、このような大規模で記念碑的な絵の例は他にありませんでした。
作品の構成は3つの部分に分かれています。下部には、11人の使徒の3メートルの数字があります。 処女を護衛し、 天国に昇る。マスターは緊張して彼らの感情を完璧に伝えました、 彼らの顔の興奮した表情。使徒たちは非常に現実的に処刑されているので、視聴者には彼らの絶望的なうめき声と叫び声が聞こえるようになります。フレスコ画の中央には、神の母の雄大な姿が描かれています。 この世界に別れを告げ、天使たちによって神に護衛されました。彼女の顔の表情は落ち着いていて、 彼女の視線には、天の御父との次の集会からの平和と静かな喜びがあります。そして最後に、 構図の上部には主が描かれています、 二人の天使と一緒に聖母マリアを待っています。不幸にも、 写真は保存されませんでした。時間は彼女に大きな影響を与えました、 色が薄くなり、シャワーを浴びました。 更に、 多くの理由で、 巨大な帆布が絶えずある場所から別の場所に運ばれ、 これもその安全性に影響を与えざるを得ませんでした。しかし、 この傑作で、ティツィアーノが同胞に、サンマルコ共和国のチーフアーティストとしての地位をどれほどふさわしく受けたかを証明したことは間違いありません。
アーティストの傑作が次々と生まれました。 1520年、 壮大な「手袋をした男の肖像」が描かれました（ルーヴル美術館、 パリ）、 当時のインテリの典型的な代表を描いた、 精神的にはティティアン自身に近かった。描かれた男は彼自身の考えに没頭しています、 彼は夢のようで思慮深く、 彼の手には手袋があり、 しかし、彼はそれらを忘れているようです。明らかな分離にもかかわらず、 彼の顔は、人生に対する積極的な立場を明確に表現しています。彼は非常に自給自足の人の印象を与えます、 自信があり、人生に精通している。この画像では、 ティツィアーノは彼の時代の特定の英雄を提示しました、 彼がベネチア社会で会いたい人：教育を受けた、 薄い、 尊厳と精神的な高潔さを保持した知的で深い男、 非常に困難な時期にもかかわらず、 嘘がいたるところに君臨するとき、 偽善と怒り。
肖像画や宗教画に加えて、 1520年から1523年まで、 ティツィアーノは、神話のプロットでいくつかの絵画を作成します。神話と寓話はマスターの誰もが認めるスケートでした、 しかし、 絵画「バッカスとアリアドネ」と「アンドロス島のバッカス祭」の作成後、 アーティストは長い間神話の陰謀から逸脱していました。ティツィアーノの伝記作家は、画家が社会の生活に積極的に参加したという事実にこれを帰しています。 その問題は常に彼を心配していました。神話の英雄たちの盲目的な喜びと無制限の楽しさは、その悪徳と問題で芸術家を取り巻く現実からかけ離れていました。
絵画「バッカスとアリアドネ」（1520-1523、 国立美術館、 ロンドン）は、インドからナクソス島へのバッカス（ディオニュソスの古代ギリシャ神話）の勝利の帰還を示しています。 アリアドネは一人で憧れます。バッカスの戦車、 2匹のヒョウが利用し、 すでに静かに岸に立っている、 そして神ご自身がすぐに彼女から彼の最愛のアリアドネにジャンプします。適切なバッカスの護衛は、サテュロスとバッカス祭の楽しい会社です。彼らはリーダーを追いかけます、 誰、 ふくらはぎの脚を頭上に持ち上げた後、 ボアコンストリクターの不満から抜け出そうとしている人。未満、 小さなサテュロス、 まだ子供、 子牛の頭を引きずり、 犬が吠えるところ、 地面に。少年は、ずるい笑顔でいたずらっぽい表情で視聴者を見ています。 まるで大衆から彼のベンチャーへの返答を待っているかのように。
裸のバッカスの紫色のマントが風になびく、 彼の全体像は非常にダイナミックで、 それは彼の焦りを反映しています。アリアドネの姿、 それどころか、 視聴者から目をそらし、 まるで彼から閉じられたかのように。バッカス、 彼の迅速さで、 彼女を怖がらせる。アリアドネ、 起こるすべてにショックを受けて、 彼女の手の後ろに隠れて、 次に何をすべきかわからない。アクションの背景は、強大な木々を描いた風景です。 遠い村、 地平線と海の山。
この時代の2番目の神話の絵は「アンドロス島のバッカス祭」（1523年、 プラド美術館、 マドリッド）。キャンバスは島の住民の乱交を描いています、 彼らの多数の体は、絵のほぼ全体の空間を埋めています。ここ、 飲む男性と女性、 楽しさと残虐行為があります。丘の右側の背景には、酔っ払った裸のセレンが横たわっていた。 帆布の右前部には裸の女の子が描かれています、 彼女はすでにかなりワインを飲み、ここで眠りに落ちました、 白い毛布の上に、 どうやら彼女の裸を忘れている。真ん中に、 眠っている人の隣に、 小さな子供が自分を和らげています。
今年の終わりに、 アーティストは悲しいニュースを学びました–才能のあるイタリアの画家、 古典的なヴェネツィア派のヴィットーレ・カルパッチョの代表、 死亡しました。ティツィアーノが彼の新しい絵を捧げたのは彼でした、 「墓所での位置」（1523年、 ルーブル美術館、 パリ）。
絵の構図は豊かで、 赤オレンジと黒の色調で作られた、 ダイナミックなプロットのドラマと不安を伝えます。背景はほとんどありません、 灰色の空と暗いだけ、 右隅にあるほぼ黒い森。左側には、神の母とマグダラのマリアが彼女を慰めている悲しげな姿があります。 肩で彼女を支えている人。三人の弟子が死んだキリストの体を運んで墓に葬られるのを、二人とも恐怖で見守っています。写真の前景は、キリストの体から発せられる輝きで満たされています。 まるで内側から輝いているかのように。内側から光っているようですが、 キャンバスの前景を輝きで満たします。写真は赤と黒の色の組み合わせで構築されています、 驚異的でダイナミックなドラマチックなエピソードを送信します。
大評議会のホールの犬の肖像画は、宮廷芸術家としてのティツィアーノの作品で大きなシェアを占めました、 しかし、 不幸にも、 それらのほとんどすべてが多数の火災の間に燃やされました。ティツィアーノの筆に属する保存された宮廷肖像画のギャラリーの名誉ある場所は、「フェデリコ2世ゴンザガの肖像画」（1525-1529年頃、 プラド美術館、 マドリッド）、 ドージは彼の最愛のラップドッグで捕らえられます。ゴンザガはほぼ全高で描かれています。彼の紺色の服、 素晴らしい装飾品で飾られ、 画像に豪華さと特定の厳粛さを与えます。繊細な貴族の特徴と手入れの行き届いたあごひげを備えた総督の顔は、自尊心に満ちています。彼は視聴者を遠くから見ています。ゴンザグの優雅な手入れの行き届いた指が犬を撫でます。 全身で飼い主に押し付けられます。
Series of losses
In the heyday of his public recognition and relevance, the artist suffered a personal tragedy. During the birth of their second son with Titian, Cecilia suddenly began to bleed heavily. This news greatly shocked the painter and, fearing the worst, he decided to immediately get married. Titian invited the best doctors to Cecilia, with whose efforts she finally got better, but the artist did not change his mind about getting married. This news quickly spread all over Venice, because Titian was a very famous artist and public figure.しかし、 he and Cecilia arranged a very modest wedding ceremony at home in the circle of only the closest and dearest people.
It was in 1525, Titian stayed with his family for a little while, and when Cecilia became strong enough, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Once, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, それどころか、 was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, 初めに、 is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. And yet, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor.もちろん、 it never occurred to anyone to reproach the painter, それどころか、 the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, それから、 from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. In both cases, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. After all, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, 特に、 he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. True, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person.後で、 the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us.実際には、 these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, easily, naturally, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, それから、 under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death.それどころか、 we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. But, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years.後で、 this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, ティツィアーノ、 already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
近年では、 the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, アーティスト、 collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries.それにもかかわらず、 prone to melancholy and meditation, ティツィアーノ、 実際には、 remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, あれは、 counterclockwise, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work.そう、 around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically.したがって、 he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills.ここ、 Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, who, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
その間、 a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
