スペイン絵画学校の傑出した代表者、 フランシスコ・ホセ・デ・ゴヤ・イ・ルシエンテス、 スペインの人々の悲劇的な運命を彼の芸術に具現化することに成功したユニークなアーティストです、 彼の希望と数え切れないほどの苦しみ、 果てしない活力に耐え忍んだ。アーティストのインスピレーションは、彼の国で行われている実際のイベントでした。芸術の力以外の力はなく、 アーティストは絵画を通して、彼を取り巻く現実と彼の最愛の故郷で何が起こっているかに対する彼の個人的な態度を表現しました。
フランシスコ・デ・ゴヤ・イ・ルシエンテスの写真偉大なマスターの初期
未来の偉大な芸術家フランシスコ・ゴヤは、フエンデトドスの小さな村で生まれました。 スペイン北部のアラゴンの岩の間に位置し、 3月30日 マスターギルダーホセゴヤの家族の1746年。アーティストの父親は庶民ではありませんでした、 彼はサラゴサで彼の専門を受け取った裕福な公証人の家族から来ました。この状況により、彼はスペイン貴族の最下層の代表と結婚することができました。 ドン・ガルシア・ルシエンテス。ささやかな結婚式の後、 若い家族は不動産に引っ越しました、 継承され、フエンデトドスにあります。当時のスペインの法律によると、 貴族は彼らの所有物によってもたらされた収入でしか生きることができませんでした、 働く権利がありませんでした。
このような状況では、 ゴヤ家はほとんどやりくりできませんでした。これにより、家族の長は彼の家族をサラゴサに戻すことを余儀なくされました。 彼は自分の技術を取り入れることができました。 1759年に何が起こったのか。引っ越し後の彼の財政状況をわずかに改善した後、 家族の父は彼の3人の息子トーマスを送りました、 カミーロ、 フランシスコはホアキンの父の小学校へ。少年たちがそこで受けた教育は良いとは言い難い、と言わざるを得ない。 ホアキン神父は識字能力よりも神学を好みました。 それはアーティストのその後の人生全体に反映されました。彼の人生の終わりまで、 ゴヤはエラーで書いた、 そして彼の発音と語彙は間違いなく彼の庶民を裏切った。 NS、 スペインの18世紀の終わりには、少数のエリートだけが優れた教育を受けられたことに注意する必要があります。
学校を卒業した後、 フランシスコはサラゴサのイエズス会学校に入学します。彼のメンター、 ピグナテル神父、 すぐに少年の卓越した芸術的能力に気づき、彼の親戚のホセ・ルサナ・イ・マルティネスにそれを勧めました。 かつて宮廷画家だった人。フランシスコ神父は反対されず、息子に4年間の芸術の授業を支払いました。この間、 フランシスコ・ゴヤは、絵画とデッサンの基本を理解しただけでなく、 だけでなく、優れたスペインの巨匠の作品から多数の彫刻やエッチングを作成しました。すでにこの時点で、 フランシスコは信じられないほどの忍耐力と決意を示しました。人体のさまざまな動きのイメージを最大限に表現するために、 若い芸術家、 ルシアンのワークショップに加えて、 フアン・ラミレスの彫刻学校も訪れました。初期化、 彼は彫刻のコピーを作成し、学生の研究を作成しました。この時期のスペインでは、裸の体の画像にタブーがあったことに注意する必要があります。 特に女性、 したがって、ゴヤの彫刻教室は、人体解剖学を研究するほとんど唯一の機会でした。
彼の忍耐力のおかげで、 フランシスコはすぐに素晴らしい写字家としての地位を確立しました。 著名な画家の芸術的なマナーとスタイルの特徴を微妙に把握しています。これのおかげで、 1760年、 彼はフエンデトドスの教会で聖骨箱を描くための彼の最初の注文を受けました。不幸にも、 この作品は、スペイン内戦中の1936年に完全に破壊されました。しかし、その外観は生き残った写真から再構築することができます。木製の聖骨箱の翼の外側には、「聖ジェームズの前のピラールの聖母の姿」というイメージが飾られていました。 内側には「聖フランチェスコ・デ・ポーラ」と「マドンナとチャイルド」。生き残った証拠によると、 同時代の人々は芸術家の作品を賞賛し、 ゴヤですが 彼女を見た人、 すでに高齢であり、 憤慨しました：「私がそれを描いたと言わないでください！」。
1763年、 17歳のゴヤ、 ついに彼の人生をアートと結びつけることを決心したのは、 サラゴサを出てマドリッドに行きました。アーティストがスペインの首都に滞在した最初の数年間は、秘密と伝説に包まれています。私たちに届いた信頼できる情報から、 1763年の終わりに、 彼がマドリードに到着した直後、 フランシスコは、サンフェルナンドの王立芸術アカデミーに奨学金を申請しました。 しかし拒否されました。ゴヤが次の2年間マドリードで何をしたかは完全に不明です。 1766年、 フランシスコは、スペインの歴史をテーマにアカデミーが発表したコンテストに参加しました。タスクは次のように定式化されました。「マーサ、 ビザンチウムの皇后、 ブルゴスに到着し、賢明なアルフォンソ王に、スルタンが夫を身代金として指定した金額の一部を要求します。 ボールドウィン皇帝の捕虜、 そしてスペインの君主は彼女にその金額を与えるように命じました。」ラモンバイエルは競争の金メダルを受け取りました、 そしてゴヤは失敗しました、 それは彼の仕事の最初の期間に彼を追いかけた一連の失敗の1つにすぎませんでした。
しかし、競争への参加はゴヤにいくらかの利益をもたらしました、 彼がラモーン・バイユーと彼の兄弟フランシスコに会ったとき、 学術陪審員、 彼はすぐに学生に入った。約3年間、 若い画家は新しいメンターの家に住み、勉強しました。 その間、彼は妹のヨーゼフと情熱的に恋に落ちました。ゴヤルの愛情は、ゴヤが1769年にローマに向けて出発することを妨げませんでした。 ここで彼は教育を続けました。
不幸にも、 イタリアでのフランシスコデゴヤの2年間の生活に関する信頼できる情報は保存されていません。残っている唯一のデータは、パルマ美術アカデミーが開催するコンテストへのアーティストの参加について言及しています。競争の一環として、 彼は「ハンニバル、 アルプスの高さからイタリアの野原を見つめています。」キャンバスは陪審員とある程度の成功を収めました。 しかし、 ゴヤはまた運が悪かった。わずか1票のマージンで、 競争の金メダルは再び別のものに行きました。
才能の認識
1771年、 フランシスコ・ゴヤがサラゴサに戻った、 失望し、失敗にうんざりしていました。数ヶ月後、 アーティストはついに運を微笑んだ、 彼は最初の注文を受けました。地元のガバルドソブラディエル伯爵の宮殿の礼拝堂で一連の宗教画を完成させる必要がありました。ゴヤは頑張って、 結果として、 フレスコ画は非常に高品質で、顧客に好かれていることがわかりました。これは、プロの分野で画家の最初の重要な成功でした。
後で、 アーティストは、サラゴサのマドンナデルピラール大聖堂のドームのフレスコ画の一連のスケッチを完成させるよう依頼されました。 1か月の作業で、 ゴヤは、大聖堂の再建のための委員会のメンバーを襲った作品を何とか作成しました。これは、素晴らしい壁画を作成するフランシスコの能力を証明する2番目の成功でした。それでも、 Goyeが注文を受けたという事実における重要な役割は、作品の価格によって果たされたことに言及する必要があります。 アーティスト自身が他の出場者より1万レアル少ない展示をしました。とにかく、 1772年の半ばまでに、芸術家はドームの絵の仕事を終えました。フレスコ画、 「主の名による天使の崇拝」と題された、 バロック様式で作られました。美しい女性をイメージして描かれた数多くの天使の姿で彩られ、 そのさまざまな角度が構成のダイナミクスを強調し、 継続的な動きに基づいて構築され、 それはアーティストに待望のそして当然の成功をもたらしました。
マドンナデルピラール大聖堂の絵のように美しい装飾の作成への参加は、芸術家のキャリアのターニングポイントでした。仲間の市民と物質的な幸福を尊重することに加えて、 ゴヤはまた、絶え間ない注文の流れを受けました、 これはどのアーティストにとってもとても重要です。彼の次の作品は、デ・オール・デイ修道院とディ・メヌエル教会のためのフレスコ画の全サイクルの作成でした。これにより、フランシスコは社会で適切な地位を獲得し、サラゴサで最も成功したアーティストになることができました。ゴヤがついに結婚する余裕ができた時が来ました。
1773年の初春、 アーティストは、教師のフランシスコ・バイユーと一緒にマドリードに行き、妹のホセファの手を求めました。すべてがうまくいった、 そして幸せな恋人たちは壮大な式典の間に結婚しました、 その年の7月25日に開催されました。結婚式の直後、 新婚夫婦はサラゴサに行きました、 フランシスコは多くの未完成の注文を待っていました。奇妙に思えるかもしれませんが、 偉大な画家の人生の伴侶についての情報は事実上私たちに届いていません、 彼女の私的なアーカイブにも州のアーカイブにも、彼女の同時代の人々の手紙やレビューはありません。 ほぼ40年の間に一緒に生まれた子供の数についての情報すらありません。アーティストの子供たちはすべて幼い頃に亡くなったと一般に認められていますが、 そして彼の息子の一人だけ、 フランシスコハビエルペドロ、 彼の父と彼の仕事の後継者への本当のサポートになりました。伝記作家や美術史家は、ホセファが献身的な妻であり、炉床の思いやりのある守護者であったとしか考えられません。 しかし、明らかに彼女は社会生活にほとんど興味がありませんでした。彼女の死の日だけ、 1812年、 確実に知られています。彼の長い家族生活の中で、 フランシスコ・ゴヤは妻の肖像画を1枚だけ描いた。
宮廷での地位を見つける
1774年の初めに、 サンタバーバラの王立工場のタペストリーの再建に関する大規模な作業が始まりました。修復委員会には、アントワーヌ・ラファエル・メンスとフランシスコ・バイユーが含まれていました。 2つ目は、将来のタペストリーのスケッチを作成するための注文のふりをしているアーティストの間での配布を担当しました。これのおかげで、 ゴヤとラモン・バイユーは大量の注文を受けました、 それは彼らに恒久的で高給の仕事を提供しました。この命令により、アーティストは家族全員でマドリードに移動することができました。
画家から依頼された最初のスケッチの主題は、狩猟と釣りでした。ゴヤはすぐに段ボールのテーマシーンのスケッチを完成させました。かなりドライで抑制されたスケッチのスタイルにもかかわらず、 キャラクターの周りに手の込んだスペースはほとんどありません。 彼らは王の承認を受けました、 そして、アーティストは新しい注文を授与されました、 テーマは普通のスペイン人の生活のシーンでした。
ここで画家の真の才能が明らかになりました。これらのスケッチは、何世紀にもわたって芸術家を称賛した一連の独創的な作品の基礎を築きました。彼は段ボールのヒーローとして、明るい服を着た若い女性（mahi）とそのカラフルな仲間（maho）を選びました。作曲は人々の生活からの物語に基づいています：ゲーム、 休日、 ストリートシーン。絵画の豊かな音色は、普遍的な楽しみののんきなムードをリアルに伝えます。彼の作品では、 よく観察された芸術家は、さまざまな民族の種類と活気に満ちた民族衣装を示しました、 都会の若者の余暇やマナーも同様です。彼の時代の好みによると、 マスターは彼のキャラクターの形をわずかに理想化しました。しかし、アーティストのカラーパレットは、そのすべての栄光でここに示されています。さまざまな色調の多数の色のニュアンスが、ゴヤを同時代の人々の間ですぐに区別しました。
この時期の最も印象的な作品には、「料理の売り手」（1779年、 プラド美術館、 マドリッド）、 「聖イシドールの日の祝祭」（1788年、 プラド美術館、 マドリッド）、 「マハと彼女のファン」（1777）、 プラド美術館、 マドリッド）など。しかし、その中で最高の作品は、傘のタペストリーの段ボールです（プラド美術館、 マドリッド）、 1776年に書かれました。スケッチは単純なジャンルのスケッチです。手前にエレガントなポーズで素敵な女の子が座っています、 まるで視聴者に自分自身を示すかのように、 彼女の唇に魅惑的な笑顔。少女の若い仲間が彼女の左に立っている、 開いた傘で若い女性を太陽光線から遮断します。段ボールの構成には、人生の喜びと不注意が浸透しています。写真のハイライトは複雑でした、 ほとんど素晴らしい照明、 ゴヤが調和のとれた音楽の味を作り出すのに、 パステルカラーで作られています。
宮廷でのこの作品の啓蒙は、フランスの啓蒙主義者の心の啓蒙によって影響を受けました。 厳格な規範からの逸脱とともに、 スペインでは早くから尊敬されていました。貴族の間でのこの成功のおかげで、 5月7日 1780年、 フランシスコ・ゴヤは、サンフェルナンド王立芸術アカデミーの新会員に満場一致で選出されました。すでに1785年に、 彼はその副所長になりました、 さらに10年後–アカデミーの絵画部門のディレクター。
1786年から1791年の間、 イントネーションの変更は、マスターの段ボールで計画されています。彼の作品でますます、 プロットの外部の魅力を伝えたくないという願望、 しかし、キャラクターの感情的な状態、 外部の光沢と美しさを失い、より「地上」になった人、 アーティストの初期の作品の特徴であり、 現れます。これは、The Blindfold Game（1788-1790年頃、 プラド美術館、 マドリッド）と傷ついたメイソン（1786年プラド美術館、 マドリッド）、 これは、この時期の重要な作品の1つになりました。
絵は本当に劇的な陰謀によって区別されます：若い労働者は高さから引き裂かれた彼らの同志の腕を運びます。彼らのポーズとアーティストが彼らの体のボリュームをどのように解釈するかで、 古典主義の伝統に対するマスターの一定のコミットメントが伝わってきます。組成物の冷たい色は、青の色合いの組み合わせに基づいています、 灰色と黄土色。作品にはまだその鋭い悲劇的な音はありませんが、 ゴヤのその後の絵画の多くに非常に特徴的で、 それはすでにマスターの成熟した作品の基本的なイントネーションを完全に反映しています。
王立工場での彼の仕事の終わりに、 ゴヤは彼自身の別の傑作「人形」（「ペレのゲーム」、 1791-1792、 プラド美術館、 マドリッド）。サンタバーバラの工場で約18年間働いた後、 アーティストは60枚以上の段ボールを作成しました。長年にわたって、 マスターは影響力のある友人や常連客だけでなく、 だけでなく、多くの嫉妬と悪意のある人。
アーティストの肖像画の進化
タペストリーのスケッチに取り組んでいます、 ゴヤは同時にたくさんのカスタムポートレートを描きました。このジャンルの彼の初期の作品は、どんな犠牲を払っても成功したいというアーティストの大きな願望を物語っています。 これは、画家が彼の高貴なモデルを喜ばせた方法で特に顕著です。
例としては、儀式用の「フロリダブランカ伯爵の肖像」（1783年、 ウルキホ銀行、 マドリッド）、 全能の首相が全身に立って描かれている、 権力と権力のすべてのレガリアに身を包んだ彼のオフィスで。カウントを取り巻く私物は彼の趣味を証明しています、 写真の彼の姿は明るい明るい色で強調されています、 そして彼の周囲とはっきりと対照的です。描かれているのは首相だけではありません。彼の秘書は部屋の後ろに立っています。 ゴヤ伯爵の左側には、彼の作品の1つから自分自身が描かれています。写真の中の、 フロリダブランは他人に気づかず、静かに彼の前を見る。 それは人生でも起こりました。伯爵は芸術家の作品に冷たく反応し、そのような影響力のある人物に会うことを強く望んでいた画家にさえ支払いませんでした、 彼の顔に常連客を見ることを期待しています。
アーティストは苦い教訓を学び、その後、 同じ年に、 スペイン王の兄弟、インファンタドンルイスドブルボンの別荘を訪れている間、 彼が家族の肖像画を描いた場所、 彼はもはやそのような高位の人々をお世辞しようとはしなかった。この絵に関する彼の作品では、 キャラクターの奥深さや各モデルの個性を伝えたいという想いがはっきりと伝わってきます。
「インファンタドンルイスドブルボンの家族の肖像」（1783年、 マグナニロックファンドマミアノ財団、 パルマ）は、日常の風俗画の原則に基づいて構築されました。ドンルイスの家族全員が、幼児がソリティアを配置する小さなテーブルの周りに集まりました。しかし、作曲の本当の中心は彼ではありません、 しかし、彼の妻マリアテレサ、 光に身を包んだ、 まるで服を輝かせているかのように。彼女の髪は彼女の後ろに立っている美容師によってとかされます。キャンバスの左側に、 ゴヤは再びこの絵に取り組んでいる自分を描いた。かなり大きな帆布（248 x 330 cm）は、アーティストのスキルの向上をよく表しています。アーティストは、ヒーローのキャラクターを巧みに、同時に非常にリアルな方法で伝えることができました。作品の色は、青と緑のわずかなアクセントを加えた、濃い温かみのある色の混合に基づいています。 キャンバスに響き渡る音楽的な音を与えます。
このポートレートを作成した後、 ゴヤはついに彼が夢見ていたものを見つけました–影響力のある強力な愛国者との知り合い、 公爵夫人アラメダオスナとアルバになりました。アーティストはなんとか彼らの両方とうまくやっていくことができました、 彼らが常にそしてすべてにおいて誓ったライバルであったという事実にもかかわらず。彼の人生に新しい段階が始まりました、 彼のキャリアは今や急上昇する運命にありました。
後で、 アーティストはフロリダブランカ伯爵の花嫁の肖像画の制作を始めました。 「ポンテホス・イ・サンドヴァル侯爵の肖像、 ポンテホス公爵夫人」（1786年、 ナショナルポートレートギャラリー、 ワシントン）は、パレードの肖像画の厳格な枠組みで作られています。作品のスタイルは、このジャンルの初期の作品に非常に近いものです。侯爵の姿は理想的な風景を背景に描かれています（ゴヤは18世紀の終わりまで女性の肖像画にこの技法を使用します）、 彼女の全体像は自然で穏やかです。ヒロインの美しいシルクドレス、 優れた技能を持った芸術家によって描かれた、 彼女の顔の悲しい表情から視聴者の気をそらします。
二年後、 ゴヤは彼の有名なグループの肖像画のもう一つを書くでしょう-「オスン公爵の家族」（1788年、 プラド美術館、 マドリッド）。この仕事で、 アーティストの新しいマナーはすでに現れています、 これは将来、彼の個々のスタイルの最も印象的な現れになるでしょう。彼の作品の主な特徴は、彼のヒーローの心理状態に焦点を当てていることです。同時に、 著名な顧客の厳しい視線の注意を彼らの個性の彼自身の評価からそらすために、 ゴヤは、彼らの絶妙な服やジュエリーの細部を注意深く巧みに描きます。肖像画の背景はモノフォニックになり、 モデルの熟考から視聴者の気を散らすものが何もないように。この時代の肖像画の最も印象的な例には、「ドン・マヌエル・オソリオ・デ・ズーニッヒの肖像画」（1788年、 メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）。
後で、 ついに、 アーティストの夢は実現しました– 1789年4月に ゴヤは彼が望んでいた宮廷画家のポストを受け取りました。私は言わなければならない、 成功は彼の頭を大きく変えたので、彼はタペストリー用の段ボールの製造を無視し始めました。これは芸術家に工場のディレクターの怒りをもたらしました、 すぐに王に苦情を書いた。画家フランシスコ・バイユーの古い指導者は、彼の親戚を償い、スキャンダルを黙らせるために一生懸命働かなければなりませんでした。ゴヤにとって幸いなことに、 すべてがうまくいった、 そして彼は法廷で静かに働き始めました、 権力者の肖像画をやっています。そう、 1795年に彼は彼の有名な「マリアテレサカイエタンデシルバの肖像画、 アルバ公爵夫人」（プラド美術館、 マドリッド）。公爵夫人のイメージは非常に効果的です、 黒い巻き毛の衝撃と幅広のサテンベルトの形をした赤いアクセントがはっきりと対照的な白いドレス、 ヒロインの細い腰を締めて、 胸と髪に赤いリボンが付いています。この対照的な色の組み合わせは、キャンバス全体に大きな音を与えます。
聖アンソニー教会の絵画
エッチングとポートレートの一定の注文に加えて、 宮廷画家のフランシスコ・デ・ゴヤは、記念碑的な絵画の作成について非常に立派で有益な注文を受けました。それで1798年に カルロス4世は、完成したばかりのサンアントニオデラフロリダ寺院のドームと壁の塗装をアーティストに依頼しました。
教会は当時のフォンタナの有名な建築家による王の命令によって建てられました。 たった6年で仕事を終えることができた人、 1792年から1798年まで。寺院のフレスコ画は、パドヴァの聖アントニオの生涯を物語っています。 13世紀に住んでいたフランシスコ会の僧侶。彼に割り当てられた36年間、 聖アンソニーは傑出した演説家として名声を得ました。物語と伝説と彼の高潔な人生、 奇跡と魂のこもった説教は全国的に知られていました、 彼は「秩序のランプ」とさえ呼ばれていました。
フレスコ画の作業では、 アーティストは完全な行動の自由を与えられました、 そしてゴヤはこの機会を利用して、教会の絵画の伝統的な規範を再考しました。
伝統によれば、 フレスコ画を作成するときのクーポンスペース全体は、天使の画像で占められていなければなりませんでした。 十字架またはキリスト。ゴヤは、聖アンソニーによる死者の復活の奇跡に捧げられた陰謀をそこに置くことに決めました、 驚いた群衆の前で演奏。このジェスチャーで、 アーティストは、寺院が捧げられた聖人を高く評価しました。画家は天使と大天使を壁に置き、アーチを支え、 そして小さな天使たちが帆を占領しました。
ゴヤの復活シーンは完全に現実的な解釈を獲得しました。聖アントニオは彼の仲間と一緒に描かれています、 多様な聴衆に囲まれ、 彼の行動を注意深く見守っています。フレスコ画に最大のリアリズムを与えるために、 普通の人のイメージを伝えることに焦点を当てたアーティスト、 マドリッドの通りから直接ここに来たかのように群衆を描いた。円形の構図解は、作品に継続的な動きとダイナミズムの効果を与えます。中央のフレスコ画のリアルな画像とは対照的に、 ゴヤは、天国の軍隊の代表を理想化され、洗練されたものとして描写しました。この寺院の絵は、今でもゴヤの最高の記念碑的で装飾的な作品の1つと見なされています。
人間の悪徳の画像
18世紀の90年代は、ゴヤの意識と仕事のターニングポイントになりました。深刻な病気がアーティストの人生と仕事を再考することを余儀なくされ、 よくあることですが。未知の病気の最初の攻撃は1792年の秋に画家を襲った。重度の片頭痛、 めまいと交互に、 部分的な麻痺で終わった。何よりも、 不幸な芸術家は視力を失うことを恐れていました。病気はゴヤの道徳的精神を損ないました、 彼は常に憂鬱な気分でした、 そして彼の愛する人たちは彼の人生を真剣に恐れていました。幸運にも、 これらの攻撃は比較的うまく終了しました、 すでに来年の春に、 画家はずっと気分が良くなった。
夏には、 アーティストは病気からほぼ完全に回復しました、 損失がないわけではありませんが。病気は彼の聴力を完全に奪いました、 しかし、これはマスターが回復直後に彼のブラシを取り上げることを妨げませんでした。経験豊富な苦しみと死への恐れは、芸術家に人間の精神的および社会的存在への情熱的で真の関心を引き起こしました。彼はスペイン社会の構造を別の目で見て、彼自身の価値観の体系を再考しました。長い間、人生の喜びと太陽の輝きがアーティストの作品を残しました。
このすべてが画家に「カプリチョス」（流行）と題された一連の作品を作成するよう促しました。 1797年から1799年の間に作成された80のエッチングが含まれていました。幻想的なグロテスクな形で、 アーティストは、緊張した社会的状況とスペインの封建秩序の不愉快な側面全体を反映していました。
すべての絵は人間の悪徳を嘲笑します：残酷さ、 無知、 臆病、 ふり、 わがまま、 だまされやすさ、 貪欲とはるかに。シリーズのすべてのエッチングは、光と影のコントラストに基づいています、 大きな黒と白の斑点で表されます。ゴヤは、驚くべき象徴主義の才能と素晴らしい創意工夫を示しました。すべてのカプリチョスのキャラクターは、彼らが表す悪を表現する非常に鮮やかな個性を持っています。ポーズ、 ジェスチャー、 主人公の表情は非常に表現力豊かで、真実がどこにあり、フィクションがどこにあるのかを判断することが不可能になります。
Capricciosシリーズの最初の作品は、主に女性の魂を消費する悪徳に捧げられています：陰湿さ、 不安定さと欺瞞。これらのシートでは、 若い親愛なる女性は彼らの紳士を卑劣に欺きます、 そして醜い老婆-調達者は経験の浅い女の子の腐敗に従事しています。
シート37から、 無知に捧げられた絵があります：それらは癒すロバの画像を示しています、 音楽を再生、 お互いに教え合う、 サルのためにスピーチとポーズをとる。グロテスクを通じたその後のすべてのエッチングは、人々の道徳的な醜さがどのように悪霊を生み出すかを私たちにはっきりと示しています。黒い夜には、 魔術師とブラウニーは儀式を行います、 笑う、 しかめっ面、 安息日に集まり、不幸な犠牲者を苦しめます。しかし、太陽が昇ると、 すべての獣が消えたり死んだりすることはありません、 彼らは彼らの外見を変えるだけです、 普通になり、 外見的に立派な人々。そして、そのように際限なく。
「理由の夢がモンスターを与える」と題された43枚のシートは、最も有名なものの1つになりました。ゴヤは彼に興味深い付随するコメントを提供しました：「心によって捨てられた想像力は前例のないモンスターを生み出します、 しかし、心と関連して、 それはすべての芸術の母となり、彼らが生み出す奇跡の源となります。 " 実際には、 そのようなコメントは、コレクションの各シートに対してアーティストによって行われました。 しかし、 同時代人によると、 プロットのそのような記述は彼の認識をさらに複雑にしました、 「手がかりがなかったすべての人に目を閉じます。 「「
画家の計画によると、 「カプリチョス」は、同胞を元気づけ、貴族によって課せられた彼らの立場に立ち向かうことを決心することでした。 1799年、 ゴヤは自費でシリーズの300部を印刷しました。 4部、 彼らが発売される前でさえ、 オスナ公爵夫人によって購入されました。今後数年間でさらに27台が販売されました。 NS、 その後しばらくして、 Capricciosはまだロマンチックな芸術家の間で人気を得ました。
スタイルと世界観の進化この間ずっと、 マスターは肖像画のジャンルで働くのをやめませんでした、 彼は常に法廷貴族から命じられました。以前から離れて、 キャラクターとプロットのやや表面的な解釈、 彼は厳格な知的リアリズムに移りました。 18世紀と19世紀の変わり目に作成された絵画は、芸術家がキャラクターの本質を完全に明らかにすることを可能にした芸術的技法の微妙な表現システムによって区別されます。これらの作品はすでに絵画の新しいトレンドを反映しています、 ロマン主義の時代の視覚的な理想に近い。
マスターは心理学にますます注意を払い始めます、 彼は外部の状況のヨークの下で人格の悲劇的な圧縮を強調しようとします。ゴヤは個人の可能性を高く評価しているようですが、 彼の社会的地位に関係なく。頻繁、 これは苛性皮肉で表現されます、 強力な肖像画の数ではっきりと見えます。アーティストの作品の新時代のもう1つの特徴は、豊かなカラーパレットと強調されたプラスチックのボリュームでした。 シルバーグレー、 1790年代の風通しの良い色は過去に永遠でした。
19世紀の初めに、 ゴヤは、一連の肖像画の実行のために王室から大量の注文を受けました。この時期の最も注目すべき作品の1つは、「カルロス4世の家族の肖像」（1800年、 プラド美術館、 マドリッド）。この大規模な帆布（寸法は280 x 336 cm）の実行中に、 アーティストは、戴冠した家族の各メンバーの別々の肖像画を作成することができました。家族の肖像画自体の作業は約1年続きました。
この写真を見て最初に注目されるのは、王室のすべてのメンバーの衣装の素晴らしさです。 優れたスキルで書かれています。豪華な生地、 無重力のベール、 虹色の宝石と力のレガリアは、ヒーロー自身のイメージを覆い隠します。この効果は芸術家によって求められました。なぜなら、 家族の凍った華やかな顔をよく見ると、 ゴヤがそれぞれに与えた微妙な心理的特徴に気付くでしょう。
例えば、 メアリールイーズ女王の画像は、写真のように鮮明に描かれています。画家は鉤鼻をリアルに描きました。 二重あごと薄い、 笑顔で唇を伸ばした。マリア・ルイーズはキャンバスの中央に立っています、 年少の子供たちが彼女の周りに立っています、 カルロス4世は左側に示されていますが、 青い絹のキャミソールを着た長男は女王の右側にいます。続いて、 彼は暴君フェルナンド7世になります（彼の邪悪な顔を見てください）。フェルディナンドの隣には彼の花嫁がいます、 彼女は視聴者から目をそらし、 絵を書いている時点から、 彼らの結婚についての合意には至らなかった。写真の左隅に、 深い影の中で、 ゴヤは自分で絵を描いた。
肖像画は家族内の関係を非常に微妙に伝えています。絵のキャラクターがどのように立っているかに注意を払うと、 それらが断片化されたように見えるのは印象的です、 キャンバス全体を埋め尽くした凍った群衆。アーティストは意図的に彼らの見解とジェスチャーの矛盾を強調しています。そして、絵自体の色は、異常にカラフルなスポットの散在する組み合わせに基づいています。
戴冠した家族の誰もが完成した作品に憤慨の影さえ示さなかったという事実にもかかわらず（女王は彼女の「失敗した」外観をからかった）、 帆布は、王室から芸術家が受け取った最後の注文でした。
しかし、この時代（1800 – 1803）の芸術家の最も重要な作品は、キャンバス「ドレスドスウィング」と「ネイキッドスウィング」（プラド美術館、 マドリッド）。おそらく、 これらの2つの作品は、マヌエル・ゴドイ首相の命令によって作成されました。情報筋によると、 絵の元の名前は「ジプシードレス」と「ジプシーヌード」でした。これらのキャンバスにアーティストが作成した女性のイメージは、生き生きとした官能的な美しさを体現しています。 アカデミズムの冷たい規範とははっきりと対照的です。これらの作品のモデルとなった少女の身元に関する信頼できる情報は保存されていませんでした。あるバージョンによると、 それはゴドイの愛人でした、 他の人によると–アルバ公爵夫人、 誰、 噂によると、 アーティスト自身とはかなり長い関係がありました。 NS、 これの本当の証拠は見つかりませんでした。
次の2年間で、 1804年から1806年まで、 アーティストは、興味深い女性の画像を数多く作成しています。これらには、フランシスコ・サバス・イ・ガルシアの肖像（1804、 国立美術館、 ワシントン）、 Dona Teresa Sured（1804-1806、 ナショナルポートレートギャラリー、 ワシントン）とドナイザベルカボスデポルセルの肖像（1805年頃、 国立美術館、 ロンドン）。すべてのキャンバスは自由な方法で書かれています、 彼の初期の控えめな作品とは異なります。マスター、 関連する多くの色合いを繊細に混ぜ合わせることで、 モデルの非常に現実的な解釈を達成することができます。若い女性の顔はロマンチックな衝動に満ちています、 そしてポーズとルックスは決意に満ちています。ダークキャンバスは、当時の確立された伝統へのオマージュです。 しかし、 これにもかかわらず、 アーティストは、すべての色の豊かなサウンドと若い女の子の信じられないほどリアルな伝達を達成することに成功しました。肖像画のもう一つの特徴は、画家が衣装やアクセサリーを選択しないことです。 彼の以前の作品の場合のように、 and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）。 The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony.バックグラウンドで、 in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War.合計で、 the series includes about eighty works. In them, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, first of all, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question.バックグラウンドで、 chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, 実際には、 its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, women. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician.実際には、 the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, つまり、 the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
This year, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Prado Museum, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
現時点では、 Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
何年か後、 in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, 動物、 living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Prado Museum, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, 塔、 家、 barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman.アーティスト自身、 in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”.現在、 this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips.バックグラウンドで、 in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house.そう、 例えば、 on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Prado Museum, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Prado Museum, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, fear, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Prado Museum, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, それから、 それどころか、 envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with.その芸術家、 who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter.今ごろは、 the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
