偉大な画家であり、華麗な外交官であるディエゴ・ロドリゲス・デ・シルバ・ベラスケスは、17世紀の芸術時代の最も明るいシンボルの1つになりました。才能のあるアーティスト、 フィリップ4世に愛撫され、 忙しい生活を送り、世界の絵画の素晴らしい傑作を作成しました。彼の仕事、 様々な批評家と呼ばれる、 時には活力と誠実さ、 時々寒くて神秘的、 何世紀にもわたって世界中の芸術愛好家の心を獲得してきました。
ベラスケスのすべての絵画初期の若者
ディエゴベラスケスの正確な生年月日、 貴族の息子、 ポルトガルからの移民、 スペインのセビリアに住んでいた人、 不明のままでした。私たちが持っているのは6月6日の記録だけです 1599、 地元の教会の将来の偉大なマスターのバプテスマを証言します。
ディエゴは最初から幸運でした、 彼の両親は少年の絵への情熱を支持し、早くから彼を最も有名な地元の画家であるフランシスコデエレーラエルダー（1576-1656）のスタジオに送りました。その時、私はそれを言わなければなりません、 セビリアは繁栄した港湾都市ではありませんでした、 それはその修道院でスペイン中で有名でした、 シルク生産、 詩人だけでなく、 作家や美しい画家。
若い芸術家は訓練に非常に熱心でした、 と、 初期の伝記作家によると、 彼は文字通り「オンザフライ」ですべてを把握しました。しかし、 わずか1年後、 彼はエレーラの工房を去りました それは由緒ある画家の非常に難しい性格によるものでした。
しかし、教師がいなければ、 ディエゴはとどまりませんでした。彼はすぐに別の才能のあるアーティストであり、非常に礼儀正しい人物であるフランシスコ・パチェコ（1564-1645）のスタジオに受け入れられました。教会絵画の異端審問の専門家およびアカデミックアーティストとして、 パチェコはヒューマニズムのアイデアが好きでした、 礼儀正しく、彼の反応で有名でした。多国間教育を受けた教師は、若者の芸術的能力を明らかにしただけでなく、 だけでなく、彼を社会のより高いサークルに紹介しました、 将来的に彼に後援を与える。ディエゴベラスケスが将来の有名な彫刻家で建築家のアロンソカーノと才能のある芸術家フランシスコデスルバランに会ったのは彼のワークショップでした。 Pachecoはあらゆる意味でVelazquezを信じていました。そしてアーティストとして、 そして人として。彼は1618年に彼のために彼の15歳の娘とさえ結婚しました。
ディエゴベラスケスは、セビリアのアーティストの会社に加わったとき、わずか17歳でした。 その後、彼の独立したキャリアが始まりました。後で、 ディエゴとパチェコの娘、 フアナミランダ、 イグナシアとフランシスコの2人の娘がいました。 しかし、 それらの最初のもの、 イグナシア、 非常に小さいうちに亡くなりました。しかし、若い芸術家は、 彼は家族の男性の生活を始めましたが、 少しの間彼のキャリアを忘れませんでした。
ベラスケスの夢は、スペイン王の宮廷画家になることでした。目標に近づくために、 アーティストはマドリードに行きます。三、 1622年に彼は「詩人ルイス・デ・ゴンゴリ・アルテの肖像」（美術館、 ボストン）、 法廷で重要な人々からますます注目を集めています。しかし、 この時、 君主フィリップ4世との画家のためのそのような歓迎会、 起こる運命ではありませんでした。ベラスケスは何もせずにセビリアに戻る、 彼は働き続けます。
家庭画
彼のキャリアの最初の頃、 ベラスケス、 非常に注意深いアーティストとして、 風俗画に興味を持つようになりました。当時のセビリアはとても活気のある街でした、 通りには多くの職人や貧困層がおり、多くの居酒屋で忙しい生活を送っています。
マスターの最初の作品、 名声を得た人、 多くの職人の日常生活に専念し、 会話に従事する料理人と見習い、 料理や掃除。このジャンルは「ボデゴン」と呼ばれていました（スペイン語で「ボデゴン」という言葉は「居酒屋」を意味します。 肩掛け"）。このシリーズのキャンバスは、暗い、 ほとんどの場合、従来の背景。庶民のいつもの食事は、アレンジされた水差しによって描かれました、 眼鏡、 プレートとわずかな規定、 テーブルまたは白いテーブルクロスのボードに直接レイアウトされています。
絵画「オールドクック」（1618年頃、 スコットランド国立美術館、 エジンバラ）は、このジャンルの代表的な例です。暗いキッチンで卵の朝食を準備する疲れた年配の女性。男の子が料理を待っています、 どうやら、 誰かの見習いまたはヒロイン自身の使用人。若い男は彼の手でワインの水差しを絞り、彼のもう一方の手で熟したメロンを持っています、 明らかに、すべてをテーブルで提供する準備をしています。居酒屋の無駄のない内部は、粗いブロックで表されます。 その上に陶器の皿が立っている状態で、 コックの後ろからぶら下がっている短いスクープと古い籐のバスケット。全体像は、この年配の女性がここで過ごす日々の単調さで飽和しています。
居酒屋の惨めな装飾が施された気のめいるような陰謀が、キャンバス「テーブルにいる二人の若者」（1618年頃、 ウェリントン博物館、 ロンドン）。ここでは、前景にきれいなプレートの山がどのようにあるかを確認します。 陶器の水差し、 逆さの鉄のコップ、 そして木製のプッシャーが乾きます。近くにはしわくちゃのぼろきれがあります、 どうやらタオルとして機能します。若い男性の一人が彼の飲み物を飲みました、 と、 テーブルの上で曲がって、 彼の友人と静かに何かについて話している。
普通の、 単純、 そして、これらの絵画の穏やかな陰謀は、ベラスケスの絵画に対するセビリアの聴衆のやや軽蔑的な態度の理由になりました。アート愛好家は、ハイネームの「アート」にはあまりにも「ありふれた」絵画だと考えています。
写真「朝食」（1618年頃、 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）、 同じシリーズに属する、 気分が少し違います。キャンバス上で、 画家は立派な年配の人と一緒に2人の陽気な若者を描いた。居酒屋でのこの三位一体のごちそうの少なくとも1つは高貴な起源を持っています。これは、壁の中央につばの短い帽子がぶら下がっていることによって証明されています。 剣、 そして決して真っ白な襟ではありません。これにもかかわらず、 テーブルの上の食べ物は非常に不足しています、 会社全体のムードを損なうことはありません。
若い人の一人、 にこにこして、 親指を立てて、 そして、幸せそうな表情の2番目は、満たされたワインのボトルを示しています。あごひげを生やした年配の男性だけが、友達をにっこりと見ています。ベラスケスのこのリアルな写真は、おそらく彼のシリーズ「ボデゴン」の中で唯一のものです。 どこ、 描かれた状況の鈍い背景と貧困にもかかわらず、 キャラクターは楽観的で気楽な若さで輝いています。
帆布「メアリーとマーサの家のキリスト」（1620年頃、 国立美術館、 ロンドン）は全く違う雰囲気で飽和しています。写真では、乳鉢で何かを押しつぶしている若い料理人が見えます。彼女の前のテーブルには、皿の上に2個の卵があります。 カップに入った魚とニンニクの頭。女性が食事を準備します（ここの魚はキリストの象徴です）、 そして、人生において賢明な彼女の古い対話者は、福音の物語について語っている絵を指しています。
構成に関しては、 私たちの前には、「絵画の絵画」の古典的なバージョンがあります。 2つのプロットの意味が密接に重なっている場合。姉妹のメアリーとマーサは、彼らの家に来たキリストのスピーチに耳を傾けます。 家事を残します。さらに、 神の子の祝福のしぐさは、描かれている両方の陰謀にまで及びます。 そしてメアリーとマーサの家に、 そして、メインの写真のプロットのわずかな食事に。それで、芸術家は聖書の執筆の準備の間に類似点を描きます、 先生の言葉のために中断され、 そして日常のシーンの現代のマスター、 年配の女性も商品を止めたところ、 彼女に永遠の価値観を思い出させる。
まったく異なる人生の寓話が「セビリアからの水の売り手」（1622年、 ウォレスコレクション、 ロンドン）。ここでは、日焼けしたしわのある顔をした庶民がいます。 思いやりのある小さな男の子にコップ一杯の水を差し出します。画家は、隣に立っている水差しの丸みを帯びた輪郭をキアロスクーロで特に強調し、透明な容器の優雅さを特に注意深く描きました。 イチジクの実が一番下にある、 水に心地よい味を与えるだけでなく、 当時はエロティックなシンボルでもありました。老人は、 まるで無防備な少年に「愛の杯」を試してみるようにさりげなく提供するかのように。バックグラウンドで、 キャンバス、 強い青年、 喜んでグラスを飲んだ。
すべての絵画は暗闇によって区別されます、 まるで空気のない背景のように、 深みがない。それぞれの静物の構造は厳格で簡潔です、 しかし、厳粛さなしではありません。アーティストが選んだすべての画像は活気に満ち、表現力豊かです。 絵の色はバランスが取れていて落ち着いています。
夢が実現する
それにもかかわらず、 若い画家の興味は一般市民のイメージに限定されていませんでした、 彼は有名な世俗的な人格のキャラクターにも同様に興味を持っていました。そう、 1623年の夏に、 ベラスケスはマドリードへの新しい旅行に乗り出します。
今回、 アーティストはフィリップ4世の宮廷でなんとか強い接触を確立することができました。アーティストPachecoの古くからの友人である王室の牧師ドンファンデフォンセカの後援の下で、 ベラスケスはオリヴァーレス伯爵から肖像画の注文を受けました。素晴らしいパフォーマンス、 高貴な起源と必要なつながりは、画家が最初に伯爵の人の常連客と友人を見つけるのに役立ちました、 そして君主自身の善意を与えました。若者、 教育を受けた多言語と美しい女性の恋人、 フィリップ4世、 Olivaresを完全に信頼した人、 ついに、あまり知られていないセビリアのアーティストに会うことに同意しました。
1734年の王宮での火災により、宮殿自体とそこに保管されていた膨大な芸術作品のコレクションの両方が破壊されました。失われた絵画の中には、オリヴァーレス公とフィリップ4世の最初の肖像画がすべて含まれていました。 Velasquezが所有しています。
しかし、同時代の人々の証拠は、芸術家が王が彼の作品に対して持つことができる最高の賞賛を授与されたというものでした。すぐに、 彼が首都に到着した最初の年に、 10月6日 1623年、 アーティストはスペイン王の宮廷画家に任命されました。彼のワークショップでは、 スペインの君主の宮殿の翼に位置し、 王立陛下のために特別な椅子が設置されました。 そしてフィリップ4世は彼にとって都合の良いときにいつでもそこにいました。 多くの場合、自分の鍵で部屋を開けます。
当然、 新しい芸術家のそのような急速な成功は、多くの嫉妬深いそして悪意のある人々の出現につながりました。ベラスケスの芸術的能力は常に疑問視されていましたが、 そして宮廷貴族はしばしば彼の傲慢さと傲慢さに不満を表明した。しかし、芸術家には破壊不可能な後援者がいました。 「GasparddeGuzmánの肖像」では、 オリヴァーレス公爵」（1624年、 美術館、 サンパウロ）、 主人公は手ごわくて力強い紳士に見えます。彼は雄大なポーズで立っています、 ベルベットのテーブルクロスで覆われたテーブルに手を少しだけ寄りかかった。
スペインで最も影響力のある2人の支持を得て、 その芸術家、 彼の時代のほとんどの宮廷画家とは異なり、 現役の貴族でもありました そのため、彼は芸術に完全に屈服することができませんでした。
法廷のエチケットと絶え間ない宮殿の陰謀の最も厳しい規則にもかかわらず、 ベラスケスと若い君主の間で非常に温かい友好関係が築かれました。フィリップ4世は、彼のお気に入りの画家が不在の場合、誰のためにもポーズをとることさえ望んでいませんでした。
アーティストは彼の特別なアレンジを使用しました、 これは、キャンバス「フィリップ4世の肖像」（1631-1632、 国立美術館、 ロンドン）。王はここに銀でいっぱいのローブで描かれています。彼の片方の手は、剣の柄に静かに寄りかかっています。 これは伝統的に権力と権力の象徴であり、 しかし一方で、王はベラスケスの署名がはっきりと読まれている文書を持っています。君主の帽子は写真の奥のテーブルにあります。 フィリップ4世が重要な聴衆の前でそれを脱いだかのように、 1分前。
壮大な芸術作品で豪華に装飾され、 王宮の廊下と暗い部屋の多数の迷路、 マスターの芸術的視野を大幅に拡大しました。ルーベンスとティツィアーノの絵画に精通し、 彼に強い印象を与えた、 ベラスケスは、フィリップ4世と彼の妻の馬の肖像画を描いた王に依頼しました。
君主とは異なり、 イザベラ女王は芸術家のためにポーズをとるのが好きではありませんでした、 そのため、彼女の画像のほんの一部が今日まで生き残っています。 ブルボンのイザベラ女王の馬術肖像画（1634-1635、 プラド、 マドリッド）。この絵は、堂々としたポーズで座っているマリア・メディチの娘を描いています。 壮大な刺繡の毛布で飾られた真っ白な馬に。当時のほとんどの肖像画のように、 これは明らかにワークショップで描かれました、 そして背景にあるスペインの自然は、準備された「背景」にすぎません。フラットで、 空気のない空間、 女王は優雅に馬の手綱を握っています。この作品は、当時のスペインの伝統的な儀式の肖像画の鮮やかな例です。
しかし、 彼のキャンバス上のキャラクターの硬くて冷たい外観は徐々に変化しました。長年にわたって、 描かれている心理的特徴はより複雑になり始めました、 これは、王室や貴族のカスタムポートレートでは特に明らかではありませんでした。 しかし、道化師と小人の画像では、 どれの、 明らかに、 フィリップ4世の法廷には多くの人がいました。
いくつかの報告によると、 百人以上の道化師がいました、 当時の宮廷でのフリークとドワーフ。これらの人々のしかめっ面とさまざまな身体的ハンディキャップは、王宮の住民の単調で悲惨な生活の中で唯一の娯楽でした。小人と道化師は、宮廷の確立された秩序の不可欠な部分でした、 彼らは同情や同情を示すのに適していませんでした、 彼らは笑うことしかできませんでした、 けれど、 エチケットの範囲内。法廷には、フリークやドワーフを描く伝統がありました。 16世紀のすべてのスペインの画家が働いた単一およびグループの肖像画の上に。
絵画のこのジャンルには、独自の別の名前、Lostruhanesさえありました。多くの場合、道化師は主人の隣の儀式用の肖像画で描かれていました。ベラスケスもこのジャンルの作品を数多く持っています。
例えば、 ドワーフとのインファンタバルタサールカルロスの肖像（1631年） ボストン美術館、 ボストン）、 小さな王子の隣に、 美しい服を着て、 肩越しにカラーリングを施したゴールド刺繍のスーツ、 白いエプロンに矮星がいます。小人は左手にガラガラを持って、 そして彼の権利で彼は自分自身にリンゴを持っています。肖像画は、芸術家によって定められた隠された心理的意味について多くの疑問を投げかけます。そう、 小人、 間違いなく王位継承者のおもちゃだけである、 何らかの理由で力と笏に非常に似ているオブジェクトを手に持っています。そしてそれは彼です、 王位継承者ではなく、 写真では本物の子供のように見える人、 美しくドレスアップしたバルタサールカルロスは、空の人形のように見えます。
ベラスケスの小人のすべての肖像画は、表現力と深い同情によって区別されます。 「ドワーフエルプリモの肖像」（1644年、 プラド、 マドリッド）、 彼の顔の封印と知恵に気づかないのは難しい。通常、小人は高貴な服で描かれていませんでした、 そして、写真では主人公が貴族の衣装を着ているという事実は、おそらく彼の貴族の起源を意味します。エルプリモが良い教育を受けたことは確かに知られており、 彼のひょうきんの義務に加えて、 王室に仕え、 それで芸術家は彼を本で描いた。
NS、 道化師やフリークの飾られていない肖像画は、彼の依頼された作品よりもアーティストについてはるかに多くを語っています。ロストルハネスの絵画の別の例は、フランシスコレスカーノの肖像（1643-1645、 プラド、 マドリッド）。キャンバスの構成は、正面の肖像画の古典的な設定と非常によく似ています。アーティストは道化師をとても親切で直接的なものとして描写したので、彼の明らかな精神的区別は愚かさではなく幼稚な素朴さに似ています。
一部の批評家は、「ドンファンカラバサスの肖像」（1643-1644年頃、 プラド、 マドリッド）あいまい。後弯は、愚かさの伝統的な属性で描かれています-乾燥したカボチャのガラガラ、 スペイン語で「カラバサス」と呼ばれる（したがって道化師の名前）。作品の別名は「エルボボ」、 それは「ばか」を意味します。それにもかかわらず、 肖像画の主人公はプロの芸術家のようなものです、 愚か者を高貴な貴族に楽しみのために描いて、 精神的に遅れている人ではなく。
「ドン・セバスチャン・デル・モラの肖像」（1645年、 プラド、 マドリッド）は特に強い印象を与えます。大きな頭と不釣り合いに短い脚を持つ小人は、教育を受けた、 皮肉でパワフルな男。王室の岬、 小人の狭い肩に掛けて、 この男に対する運命の嘲笑のように見えます。明らかに、 その芸術家、 勤務中、 宮廷のすべての住民と多くのことを伝え、彼らの性格をよく知っていました。
ベラスケスが法廷で彼のキャリアを作った間、 最初に宮廷画家から店員まで、 その後、ワードローブから王宮全体の管理者まで、 彼はたくさん見ました。ある喪は別の喪に置き換えられました。最初はイザベラ女王が亡くなりました。 それからフィリップ4世の妹、 マリア、 死亡しました、 そして王位継承者、 バルタサールカルロス王子、 突然亡くなりました。疲れた画家は王宮を去ることを決心し、そして 君主の恩恵を受けて、 イタリアに向けて出発、 風景に取り組むことを決意した。
マスターの作品の自然
風景はベラスケスの作品の中でかなり重要でない場所を占めていました、 しかし、 それにもかかわらず、 ローマ郊外の有名なメディチ公園の絵のように美しいコーナーを描いた、アーティストの有名なスケッチがいくつかあります。
そのような風景の例は、絵画「ローマのヴィラメディチ。洞窟ログジップのファサード」または「ローマのヴィラメディチ。アリアドネパビリオン」（両方とも1630年、 プラド、 マドリッド）。作品は、生命の直接的な知覚によって区別されます、 フォームの明確さと自由な書き方。廃墟となった場所の独特の雰囲気は、強調されたスタッフの姿とは対照的です。 鈍い公園を復活させるために、作曲に主人が特別に刻んだかのように。両方のスケッチのキアロスクーロのわずかに鋭い遷移は、絵画にわずかなロマンチックな悲しみを与えます。長い間、 仕事は1650- 1651年にさかのぼります、 あれは、 ベラスケスのイタリアへの2回目の旅行の期間。しかし、最近の研究のおかげで、 両方のスケッチがはるかに早くマスターによって書かれたことが明らかになりました、 彼の最初の旅行で。
絵画「フィリップ4世の乗馬の肖像」（1634-1635年頃、 プラド、 マドリッド）は、ベラスケスが背景としてかなり現実的な風景を使用した作品の例として機能します、 フラットを持っている多くの同様の作品とは異なり、 空気のない空間。
アーティストの作品は、肖像画や風景のジャンルに限定されていませんでした。偉大な画家は、神話や歴史をテーマにした多くの絵画を作成しました。 彼はいつも自分のやり方で解釈しようとしていましたが、 他の有名な絵画の巨匠の確立された伝統や業績と同等ではありません。
宗教画
当時の一般的な伝統に従い、 ベラスケス、 彼のキャリアの最初の段階でさえ、 しばしば宗教的な主題に目を向けました。アーティストの作品は、元の解釈が異なっていましたが、 彼が伝統的な主題を独立した作品として描いたかどうかに関係なく、 例えば、 絵画「無原罪の御宿り」（1618年、 国立美術館、 ロンドン）、 または「東方の三博士」（1819年、 プラド、 マドリッド）、 または、聖書の筋書きを通常の風俗画に挿入しました。 例えば、 「メアリーとマーサの家のキリスト」（1620年頃、 国立美術館、 ロンドン）。
マドリッドに引っ越した後、 画家は主に肖像画を作成し、実際には宗教的なジャンルに訴えませんでした。例外は、スペインの君主の命令によって異なる年に作成されたいくつかの作品でした。
伝説によると、 フィリップ4世はかつて、マドリッドのベネディクト修道院の1人の若い尼僧に対する悪質な情熱に火をつけました。 サンプラシド。この冒涜的な罪の贖いにおいて、 君主は、首都の最も有名な芸術家であるディエゴベラスケスの筆に属する壮大な芸術作品を修道院に提示することを約束しました。
マスターはいくつかの絵を作成しました、 その中で最も有名なのは「十字架につけられたキリスト」（1632年頃、 プラド、 マドリッド）。アーティストのほとんどの宗教的な作品のように、 写真は、プロットの元の解釈が異なります。画家は意図的にキリストのイメージに最も現実的で心理的な色を与えました。イエスは非常に穏やかに十字架に描かれています、 涙のないポーズ。おそらくベラスケスは耐え難い苦しみを表現することを避けようとしました、 ですから、救い主の顔の半分は、ぶら下がっている髪の毛によって隠されています。彼の全体像は暖かい輝きを放っているようです、 暗い透明な背景とはっきりと対照的です。この技法は、イエスの体が私たちの世界をすべてを消費する暗闇から隔てる壁であるという印象を与えます。
作品「聖母戴冠」（1645年、 プラド、 マドリッド）は完全に異なるトーンを運びます。初期化、 ベラスケスは新約聖書の三位一体を描いた、 メアリーの頭に美しい花と絡み合った王冠を置く。イエスの顔は厳粛で集中しています。力と経験によって賢く、 白髪の神の父は片手で水晶の魔法の球を持っています。そして真ん中で、 鳩が羽ばたき、 輝くハローでそれから凍りついた、 そこから金色の光線がメアリーの頭に注がれました。グループのよく考えられた色彩的決定とその構成構造は、神聖な精神と血で満たされた人間の心に似ています。これらの帆布は当然のことながら世界最高の美術館の宝物であり、その素晴らしさは偉大な画家の少数の宗教的作品を補っています。
神話のプロットの元の解釈
ベラスケスの絵画の神話のプロットも、かなり独創的な解釈を持っています。アーティストのこのジャンルのすべての絵画では、 計画自体の神話的な側面はまったく興味がなかったようです。歴史上の人物や神々は、彼の中で高揚して英雄的にではなく解決されました、 むしろ平凡です。例えば、 絵画「バッカスの勝利」（2番目の名前は「Drunkards」、 1629年、 プラド、 マドリッド）は神々とサテュロスの饗宴を示していません、 しかし、普通のスペインのトランプの饗宴、 現場にあります。その中には古代の神バッカスがいます。 彼の牧神と一緒に。
若い神はすでに参加者の一人にブドウの花輪を授けており、今では彼の前でお辞儀をしている兵士の頭に同じ花輪を無意識のうちに置いています。しかし、絵の構成の中心はバッカスではありません、 しかし、黒いつばの広い帽子をかぶった笑う乞食は、 ワインで満たされたグラスを持っています。一見楽しいように見えますが、 参加者全員がかなり疲れているように見えますが、 または悲しい。浮浪者、 若い神の肩越しに曲がって、 酔って過酷に見えます。すべてのキャラクターは現実そのものから取られているようです。バッカスの顔には古代の完璧さと限界が欠けています、 彼の体と同じように、 突き出た腹で。同時に、 すべての英雄は、下品さのヒントさえ完全に欠いています。独創的なアーティストは、おなじみの日常の写真をバクシックな要素で非常にうまく囲むことができました。
別の著者の解釈には、神話の陰謀に捧げられた別の作品があります-「火山の鍛冶場」（1630年、 プラド、 マドリッド）。古代のエピソードのシーンは、アポロがバルカンに到着することです、 鍛冶の神、 見習いにサイクロプスを持っていた人、 そして、恐ろしい神に、美しい金星という不快なニュースを伝えます。 バルカンの妻、 彼を裏切った。神の反応は憤慨の嵐であるべきだと思われるでしょう、 火と鉄で噴火。
しかし、ベラスケスは古典的なプロットをまったく異なる方法で解釈しました。中世の鍛造では、サイクロプスは見られませんが、 しかしふんどしを着た強い男たち。すべての鍛冶屋は、月桂樹の花輪が頭に付いた金色の光輪と、戸惑いのあるアンティークのトーガに突然現れた金色の髪のアポロを見ています。バルカンの顔には恨みや恨みはありません。疑いと驚きだけです。
輝く古代の神の存在がなければ、 私たちは私たちの前に典型的な日常の写真を持っているでしょう。帆布にも寓話があります-燃える山の上の棚に、真っ白な光沢のある水差しが見えます。もちろん、 この明るい垂直スポットは、絵の色構成のバランスをとるために画家が必要としていました。 彼は白いアポロ作品のちょうど反対側にいるからです。しかし、水差しには意味的な負荷も含まれています。美しい金星のように、 この完全に白い船は火山に属しています、 真っ赤な山の真上に立っていても、 すすけた鉄の隣にあり、汗をかいた男性の体に囲まれています。 それは手付かずのままです。したがって、すべての真に愛する男性は、彼らの配偶者は非の打ちどころがなく、彼らに忠実であると信じています。
2つの帆布-「Aesop」と「GodofWar Mars」（どちらも約1640年、 プラド、 マドリッド）は、マドリッドのトーレデラパラダの近くにある王室の狩猟城を飾るために設計された大規模なシリーズの一部でした。これらの有名なキャラクターも哀愁を奪われ、完全に普通に見えます、 あれは、 アーティストのマナーと完全に一致しています。戦争の神がただ疲れて物思いにふける兵士のように見えるなら、 そうすれば、Aesopは完全に捨てられた人のように見えます。隠された悲しみが両方のヒーローを包み込み、 どれの、 明らかに、 命令の実行中の作者自身の特徴でもありました。フィリップ4世の市民は、国の衰退に対応せざるを得ませんでした。
ベラスケスは古典的なカトリック教育を受け、聖なる異端審問官とさえ関係がありました。 しかし、 これは、イタリアの古典の作品の巨匠が作った最も強い印象を上回ることはできませんでした。そう、 イタリアへの2回目の訪問の後、 アーティストはヌードのイメージに興味を持つようになりました。彼が当時のスペイン絵画の特徴ではなかった多くの同様の画像を作成したという情報があります。どうやら、 若い君主は彼の最愛の画家の利益を共有しました、 したがって、 これらの絵画はすべて、すぐに宮殿の部屋を飾りました。しかし、私たちの時代まで、 彼ら、 不幸にも、 生き残っていません。 1つの例外を除いて、 鏡を見るヴィーナス（1648年頃、 国立美術館、 ロンドン）は、ベラスケスによる官能的な女性の肖像画のユニークな例になりました。
著者によって考案されたように、 写真は国内シーンの要素を取り入れたジャンルの帆布です。裸の女神、 彼女を視聴者に背負って、 シルクのシーツの上にあります。彼女は翼のあるキューピッドが彼女のために保持している鏡で自分自身を見ています、 赤いベルベットのカーテンが背景になっています。金星のシルクベッドの美しく描かれたすべてのひだ、 彼女のビロードのような肌、 彼女の体の滑らかな魅惑的な曲がり、 鏡に華やかに投げられたリボン、 描かれた赤いカーテンの方向が完璧な構図を作り出し、 その美しさと調和が印象的です。
ベラスケスの他の神話の帆布のように、 写真はかなり神聖です、 すべてがやや平凡で平凡です。キューピッドの灰色、 まるで不自然な翼が彼の栄養豊富な体とはっきりと対照的であるかのように、 不明瞭な鏡の黒い広いフレームは、観客の興味をそそるように設計されています。美しい金星の外観は何ですか？鏡の反射は曖昧で不明瞭です、 しかし、女神の顔が 何らかの理由で、 美しさで輝きません、 彼女の優雅なシルエットを見れば期待通り。
この仕事で、 マスターは彼自身に忠実であり続けました-彼は再び伝統的に期待された神のイメージではなく描写しました、 しかし、単純な人。その写真に関しては、 それによると、伝説があります、 イタリア人アーティスト、フラミニア・トリヴィオがベラスケスのためにポーズをとった。当時は、 女性はめったに描かれませんでした。多分、 トリビオとアーティストの間でロマンスが勃発し、 その後、ベラスケスは故郷に戻り、 そしてフラミニアは彼から息子を産んだ。したがって、 「鏡を見るヴィーナス」は、通常のマスターのイメージとは非常に官能的で、著しく異なります。実際には、 アーティストは自分のために彼の最愛の人の本当の肖像画を作成しました。
2世紀半の間、 キャンバスはいくつかの所有者を変更しました、 そして1914年にそれは完全に攻撃されました。メアリーリチャードソン、 女性の権利の最も熱心な擁護者の一人、 抗議して鍬で帆布を切り刻んだ、 その後、彼は非常に長い間修復されていました。驚いたことに、 偉大な芸術家のほとんどすべての作品は困難な運命をたどっています。
スペイン君主制の軍事的勝利
ベラスケスのとき、 彼がまだ彼の王室のホフマイスターだったとき、 次の王宮の内部の装飾に従事していた、 ブエンレティーロ、 彼はスペインの君主の軍事的勝利を歌うために設計された一連の歴史画の仕事を始めました。すべての作品は1630年代に関連しています。
作品「ブレダの開城」（1634-1635、 プラド、 マドリッド）はおそらく生き残っているすべての中で最大です。これは、6月2日のスペイン軍の勝利の戦いの包囲されたオランダの都市に鍵を渡すという厳粛な行為を描いています。 1625年、 スペインが反抗的な北部の領土を鎮圧したとき。
キー転送エピソード自体は、画像の構成の中心です。 偉大な肖像画家が2人の有名な軍の指導者の心理的な説明を信じられないほど正確に与えました。強制的な奴隷制では、 オランダ駐屯軍の司令官、 ユスギブナッソー、 背の高い人に暗い鍵を手に持って頭を下げた、 薄いアンブロジオスピノラ、 スペインの司令官。勝利した高貴なジェスチャーの後ろは、敗北した相手の肩をなでます。両方の司令官は彼らの軍隊に囲まれています。
ナッソーの後ろに残った戦士はほんの数人でしたが、 そして彼らは落胆して頭を下げた。孤独な葦のカップルだけがそれらの上に上がります。そしてその背後に、 大火から黒い煙が空に昇る、 右に残して、 したがって、視聴者の視線をスペイン軍に向けます。スピノラの将校のグループの上には、細いコピーの森全体が立っています。彼らの明確なリズムは、勝利した軍隊の力と強さの印象を強化します。キャンバス全体が非常にリアルに見えますが、 注意深く書かれた空間の深さのおかげで、 戦士のグループのイメージと風景の背景の両方で。
画家は、キャンバスの参加者のほぼすべての衣装の質感に素晴らしく取り組みました。 フォアグラウンドに立っています。これは当時のスペイン貴族の肖像画のギャラリー全体です、 司令官アンブロジオスピノラの画像から、 アーティストが高貴な騎士道的な心理的説明をした人、 そして馬の頭の近くで彼自身の悲しい自画像で終わります。勝利の冷たい尊厳とは対照的に、 敗北したオランダ人はシンプルかつ大きく描かれています。彼らの自然な姿勢は非常に真実で人間的です。ここ、 奇妙なことに、 著者は敗者に同情することを許した。オランダの州は独立のために必死に戦いました、 ベラスケスが絵を作ったとき、 ブレナはすでにオランダ人に撃退されました。この作品でさえ、いくつかの隠された皮肉が読まれています、 それはスペイン君主制の勝利と勇気を称賛することを目的としていましたが。
写真の右の「スペイン語」の部分に描かれているベラスケスは、完璧に描かれた馬の群れ、 どれの、 もちろん、 スペインの利点と力の象徴です。だからアーティストは彼女を視聴者に引き返したのですか？フィリップ4世への彼のすべての献身にもかかわらず、 絵描き、 賢い人として、そして政治に精通している、 彼が利用できる唯一の方法で、写真を通して彼の意見を微妙に表現した。私は認めなければなりません、 このベラスケスでは、彼の時代の画家の間で平等ではありませんでした。
教皇の肖像
1640年代後半、 ベラスケスは2度目のイタリア旅行をしました。彼の訪問の公式の口実は、フィリップIVのコレクションのためのアンティーク彫刻とイタリア絵画のいくつかの傑作の取得でした。しかし、私たちは芸術家が同時に彼の君主の高官であったことを忘れてはなりません、 その任務には、イタリアの高官との外交関係の確立が含まれていました。画家は両方のタスクにうまく対処しました、 he was favorably received by the new Pope Innocent X in the Vatican, who immediately ordered his portrait for him. The result of the three-month work of the artist stunned the whole of Rome, not to mention the customer.
The canvas “Portrait of Pope Innocent X” (1650, Loria Pamphili Gallery, Rome) instantly gained the widest fame. Although this was not characteristic of that time, many copies were made from the painting. Such success was primarily associated with the achievement of an unusually high correspondence of the psychological portrait of the hero of the canvas.
Against the backdrop of a heavy raspberry curtain, in a red satin cap, an imperious pontiff sits on a gilded throne. The snow-white folds of the cassock, the silk of his scarlet mantle, and even the golden ring with a large dark stone adorning his right hand are very materially and necessarily.
Despite the comfortable position in the chair, the pose of Innocent X carries internal tension. This is noticeable in the slightly bent fingers on the arm of the throne and barely noticeable drops of sweat on the pope’s nose and forehead. Reflexes here are transmitted with great conviction. But the pontiff’s face is especially striking. His tightly compressed curved thin lips and a wide heavy chin with a liquid beard eloquently show secrecy and cruelty of character. A long nose indicates its noble origin. Deep-set eyes carefully and coldly look directly at the viewer. The glance of the head of the church reads arrogance, intelligence, insight and cunning.
As if by chance, the artist emphasizes the big ear of the pontiff, on which light falls. This insignificant detail unexpectedly tells the whole image of Innocent X the ordinary and prosaic. An authoritative, strong, and not without vicious passions, an elderly man in the clothes of the most senior dignitary of the church looks from the portrait. The most important thing that Velazquez conveyed to the viewer is that, for all its strengths and weaknesses, the Pope does not have the main thing - neither Christian mercy nor holiness.
Evidence of eyewitnesses has been preserved, which says that the pontiff, when he first saw his portrait, exclaimed:“Too true!” An educated, endowed with a sharp mind Innocent X could not help but recognize how brilliantly created this masterpiece. He solemnly awarded the artist a papal medal and a gold chain.
Velazquez himself immediately received many orders for portraits from other high-ranking dignitaries of the Vatican:from Monsignor Camillo Massimi to Cardinal Letali Pamfili. But the king urged the diplomat and painter to return.したがって、 Velazquez hastened to return to Madrid, where he already had many creative plans.
Allegory of an unfair lifestyle
One of the most amazing and symbolic paintings of Velazquez was the painting “Spinners” (the second name is “The Myth of Arachne”, circa 1657, Prado, マドリッド）。 The canvas is divided into two compositional parts. In the foreground, in the gloom of a weaving workshop, spinners engaged in their hard work are depicted.真ん中に、 a young worker, kneeling down on one knee, picks up skeins of wool from the floor. On the right side, the artist realistically and coarsely wrote out another spin, winding a woolen thread into a dense ball. Her broad back and large arms with rolled up sleeves express accuracy and confidence of movements. Nearby, another young woman watches her work. To their left, in a carelessly thrown shawl, a tired weaver sits near her wooden loom, talking to her assistant. At her bare feet a cat comfortably settled down. Behind the weaver’s helper, thanks to the heavy red curtain pushed back, we can see the finished tapestries folded in a stack. The whole scene is depicted in a manner characteristic of the artist - ordinary and unvarnished. The necessary dynamism to the picture is given by individual details - such as a rotating wheel of a machine tool or a spin of a leg thrown forward, as well as a rich color of the scene.
The second compositional part of the canvas is the background.三、 as if on a stage flooded by the sun, two court ladies are pictured, carefully examining the carpets hanging on the wall. Probably the lady on the left is the mistress of the workshop, patiently awaiting the decision of a potential buyer. The bright patterned edging of the carpet, the solemn mythological scene depicted on it and its pure sonorous colors seem to turn the entire far part of the room into a fabulous solemn performance, in sharp contrast to the routine of the front of the picture.
Two different plans of the work are in a complex and at the same time direct interaction with each other. This is not just a contrast between hard work and its excellent result. Details are important here, namely the theme depicted on the finished tapestry being inspected by the customer. There we can see the ending of the ancient Roman legend about Arachne, which sets the correct interpretation of the whole work.
The mythological heroine was famous for the skill of the skilled spinner, who was proud of her abilities and for this was turned by the goddess Minerva into a terrible spider. Here lies not even irony, but rather the bitter regret of the great painter. That is why the face of the court lady has an undeniable portrait resemblance to a young worker standing in the right corner of the picture. The now-leading vertical staircase located on the left side of the picture, above the head of a weaver sitting behind a wooden loom, is designed to compositionally direct the viewer’s eyes from the bright distant plan back into the twilight of the workshop.
A round dull hood crowning the whole composition is very eloquent - despite the fact that, judging by the stream of bright light pouring from the left, there is already a large window in the back room. The meaning of the fringed black sphere placed by the painter above the whole picture is to symbolize the irreversible circle of human life. Neither hard work, nor outstanding talent can fix the situation once and for all:the skill of the simple girl Arachne cannot surpass the elite art of the goddess Minerva. It was not for nothing that Velazquez depicted on the tapestry not the moment of divine anger and the transformation of Arachne into an insect, but the triumph of the divine warrior.
This peculiar allegory, perhaps, has political notes. The plot can also be interpreted as the sad triumph of the Spanish monarchy, which can easily grind both an individual person and entire states, imagining himself above them. The work was not only the highest achievement of the artist’s art, but also an expression of his deep understanding of the injustice of the world order and an expression of sympathy for those lower in the hierarchy.
Mysterious Menin
In 1656, the renowned painter creates a picture considered the crown of his work and one of the most mysterious paintings in the history of art - “Menins” (Prado, マドリッド）。
Translated from Spanish, “menin” is a young girl of noble birth, who is the constant maid of honor of the princess and always accompanies her in her retinue. According to the inventory of the royal palace, the canvas was listed as “Family Portrait”, but it is very difficult to call it “family”, なので、 indeed, “Menins” is a surprisingly inappropriate name for it.
The compositional center of the painting is the fragile little figure of the Infanta Margarita in a light beautiful dress. The girl stands with her head slightly turned and looks as if expectantly at the viewer. The young maid of honor Maria Sarmiento sank down on one knee in front of her, according to the requirements of etiquette, and serves a vessel with a drink. The maid of honor Isabella de Velasco froze in curtsy on the other hand. To the right of the wall are the permanent members of the suite of the Infanta Margarita - her jesters:dwarf Maria Barbola and young Nicholas Pertusato. The first - presses a toy to his chest, the second - pushes a large dog lying with his foot.
In the middle plan, we see a woman protruding from the twilight in a monastic robe - the mentor of Princess Marcelo de Ulloa, and the Guardamas - a permanent guard and accompanying infantry. In the open doorway in the background, Jose Nieto, a court nobleman, rises up the stairs. And on the left side of the canvas, near a huge canvas stretched on a stretcher, the artist portrayed himself. He holds a long brush in one hand and a palette in the other. The eyes of the painter, the princess, crouching in the curtsy of maid of honor, and dwarfs are fixed on the viewer.より正確に、 on a couple of people reflected in a mirror on the opposite wall, which seems to be standing on this side of the picture - the royal couple of Philip IV and his wife Marianne of Austria.
For more than three centuries, art historians and biographers of the great painter have been trying to unravel the meaning of this strange multi-figure painting, in which the artist again used his favorite construction of the composition - “painting in painting”.もう一度、 the master reliably showed the life of the royal family and her courtiers. There is no official greatness, no ceremoniality, only a certain immediacy and sincerity in the guise of a princess gives the picture its sound. What did the artist want to say with this work? Why is the royal couple depicted only in obscure spots?
There are different versions, in their own way interpreting the plot of the work. According to one of them, Velazquez depicted the moment of a break during the creation of the portrait of the infant, when the royal couple looked into the studio and all the maids of honor rushed to his mistress.
According to another version, the artist created a portrait of precisely Philip IV and Marianne of Austria, interrupting his work due to the unexpectedly arrived princess and her retinue. There are hundreds of explanations and interpretations of the unusual composition of this amazing picture, but all of them, 不幸にも、 contradict each other and individual details on the canvas of the great master.
One of the mysterious moments is that Velazquez, standing in the picture in his own workshop, depicted all the windows of the room tightly curtained. On the ceiling, fixtures for chandeliers are clearly visible, but there are no chandeliers themselves, like no other light sources. From this, a large spacious room, hung with paintings by great masters, is plunged into darkness. But not a single painter will work in the dark. Judging by the location of the shadows on the canvas, the light comes from the conditional arrangement of the royal couple, and even the doorway in the background is flooded with sunbeams.
It turns out that in this way Velazquez shows us that he paints his brilliant paintings "in the darkness" of the royal palace. And despite his noble birth and the title of knight of the Order of Santiago, which is eloquently testified by the golden symbolism in the form of a cross on the jacket of his suit, he does not have the opportunity to "come out into the light." That is, the artist could only create “in the rays” of his monarch, or he would be forced to leave the royal palace and go nowhere. Perhaps it was this idea that the artist wanted to convey, portraying himself along with the retinue of the princess in the “Family Portrait” or “Meninas”.
Another eloquent symbol is a dog lying in the foreground of the picture. The image of a dog is an image of a faithful friend who will endure everything - you can kick him with a boot, he will still protect his master. Her image symbolizes the unsweetened fate of the court painter, a brilliant creator who could be something more than just a devoted servant of his master.
Unexpected death
The art of Velazquez most deeply expressed the rapid flowering of realistic painting of the XVII century in Europe. True images created by a brilliant painter still serve as an unsurpassed example of perfection for true connoisseurs of art and artists of different generations.
In 1660, Velazquez went to the court of the French monarch to settle issues regarding the conclusion between the Spain and France of the "Iberian Peace", which ended the long-standing confrontation between the two countries. The essence of the artist’s mission, chosen by the trustee of the King of Spain, Philip IV, was to settle all the issues regarding the marriage between the eldest daughter of the king Maria Theresa and Louis XIV.
According to tradition, an event of this magnitude was required to be fixed with "blood ties." The artist not only wrote and delivered to Versailles the magnificent “Portrait of the Infanta Maria Theresa” (1652, Vienna Museum of Art and History), he also organized all the celebrations and receptions on this occasion, and even accompanied the royal motorcade to the wedding ceremony, which took place on the island Pheasants on the French-Spanish border.
And although Velazquez received many praises from Philip IV for his hard work, his strength and health were undermined. Returning to Madrid, the sixty-year-old painter felt a fit of fever. All the best court doctors gathered to save the beloved royal dignitary, but none of them could cure the master. On August 6, 1660, Diego Rodriguez de Silva Velazquez passed away.
