Edgar-Germain-Hilaire deGaまたはEdgarDegas、 全世界が彼を知っているように、 パリで裕福な貴族の家族に生まれました。未来の芸術家の子供時代は、愛と静けさの雰囲気の中で開催されました。幼い頃から、 エドガーは愛と描く能力を示しました、 そして彼の父が彼に弁護士になることを望んでいたという事実にもかかわらず、 若い男が絵画の芸術を勉強するのを止めることはできませんでした。パリ美術学校の若いドガの指導者は、当時有名な芸術家ラモットでした。 NS、 わずか1年の学校教育の後、 1856年、ドガは予期せずパリを離れ、イタリアに住むためにほぼ2年間離れました。
エドガー・ドガの絵画旅行の正式な理由は、彼の父方の親戚に会いたいという願望でした。しかし、彼をイタリアに惹きつけたのは彼らではありませんでした。 しかし、ルネサンスの偉大な芸術家の傑出した芸術作品と接触する機会。
アーティストはたくさん旅行しました、 彼は国のすべての主要な文化の中心地であるフィレンツェを訪れました。 ローマとナポリ。各都市では、 彼は過去の偉大な画家の作品に細心の注意を払って研究しました。ドガは、パオロ・ヴェロネーゼとアンドレア・マンテーニャの帆布に最も感銘を受けました。 それが彼の理想になりました。
最初の創造的な実験
二年後、 若い芸術家はギュスターヴ・モローと出会い、 後に彼のために同志だけでなく、 だけでなく、メンター。モローは熱心に絵画を学び、 彼のすべての時間を与えます。調和の本質を理解しようとして、 彼はティツィアーノの作品に情熱的に興味を持っていました、 レオナルド・ダ・ヴィンチ、 ラファエル、 カラヴァッジョとヴェロネーゼ、 色を作り出す彼らのシステムを感じようとしています。モローは、水彩画やパステルで彼自身のカラフルな作曲を行うことを好みました。若いドガは年上の同志の仕事にとても感銘を受けたので、彼もこれらの技術に注意を向けました。モローは若い芸術家に強い影響を与えたことに注意する必要があります、 しかし、ギュスターブが主な場所を色に割り当てた場合、 それからエドガー・ドガ（特に彼の仕事の始めに）は絵の優位性を主張しました、 それが「より実り多い活動分野」であったことを確信すること。
画家が芸術的表現の彼自身の個々の手段の探求を始めるのはイタリアです。彼自身のスタイルの基礎として、 ドガはフォームの建設的な構造を選択し、 その現実的な解釈を通して。したがって、 アーティストの初期の作品は、シャープで正確なパターンが特徴です。
この時代に関連したドガの作品の多くは、現実の正確な再現から生じる特別な表現力に恵まれています。これは彼の絵画「ローマの乞食」（1857年、 美術館、 バーミンガム）。この帆布に描かれたヒロイン自身のイメージは、信じられないほどリアルに描かれています。 そして厳しい解釈でさえ、 彼女の周りの空間はかなり恣意的に描かれています。疲れた老婆が古い家の敷居に座って、 考えを失った、 好奇心を持って遠くを覗き込みます。彼女の使い古した服だけでなく、 しかし、写真の前景に不注意に配置されたオブジェクトも、ヒロインの困難な生活を物語っています。パンと、端が欠けた食べかけの食べ物が入った古い鍋です。ドガは、古いマスターの原則に従って、キャンバスの構成構築を実行しました、 しかし、彼のモデルとして、彼は洗練された美しい女性ではなく、 しかし、そのイメージがまったく理想化されていない単純な女性。
写真は構図の特定のグラフィック構造によって特徴付けられるという事実にもかかわらず、 微妙なカラーモデリングと色調の精緻化が最も正確な方法で検証されています。実際には、 たった4色で アーティストは、驚くほど調和のとれた表現力豊かなタイプのイタリアの乞食を何とか作成しました。
作品では装飾に多くの注意が払われており、 まるで周囲の空間全体を「活性化」するかのように。この絵では、 ドガは、ルイ・ラモットのクラスでの研究中に画家が心配していた根本的な芸術的問題、つまり主人公の姿と周囲の空間の比率を非常に巧みに解決することができました。
1859年の春、 エドガー・ドガがパリに戻った。実家に少し住んでいたので、 アーティストは、Rue deLavalの9区にある大きなワークショップに移動します。そこで彼は創造し始めます、 まず、歴史的なテーマに目を向けます。ドガは彼女に新しい解釈を与えようとしています、 このジャンルの初期の作品の特徴ではありません。
例としては、「若いスパルタがスパルタに競争を呼びかける」（1860年、 国立博物館、 ロンドン）。ここでドガ、 美術の古典的な規範に従って、 実生活からの活発で正確な観察でそれらを更新しようとしました。マスターは、アンティークプロットの条件付き理想化を完全に無視しました。 彼が描いたキャラクターは、パリの街から取った現代のティーンエイジャーのようなものです。これは、彼が描いたキャラクターのいくつかの角のある動きで特に顕著です、 やや様式化された風景に配置されます。
若者の姿は、最初の計画の単一のスペースで、キャンバスの下端と平行に配置されます。 シーンに大きな説得力を与えます、 装飾的なリズムを失うことなく。若い男性の静的なポーズは、新古典主義の芸術の影響について話します。アーティストは、各キャラクターの顔の微妙な心理的解釈の助けを借りて、シーンのリアリズムを強調します。同時に、 キャンバス上の主な表現手段、 以前の作品のように、 エレガントなミュージカル–プラスチックラインです。写真の色、 限られた色の組み合わせで構築され、 キャンバスに厳密な明快さと落ち着きの感覚を与えます。
独特のポートレートスタイルの作成
彼のキャリアの初めに、 ドガはたくさんの肖像画を作成します。これは、アーティストの父親の影響もあり、 若い男に快適な生活を送ることができるのは、まさにポートレートペインターのスキルを巧みに持っていることだと信じていたのです。このジャンルの最初のキャンバスでは、 ドガは主に自画像や家族の肖像画を描いたが、 しかしすぐに彼の友人のイメージに目を向けました。これらの作品では、 画家の個々のスタイルの特徴がはっきりと現れました、 伝統的な作曲技法に固執し、 昔の巨匠の作品とのつながりを簡単に見つけることができます。
一例は、1855年の「自画像」（オルセー美術館、 パリ）、アーティストはスペインの絵画学校の特徴である暗い背景を使用しました、 ディエゴベラスケスやフランシスコデゴヤなどの偉大な巨匠によって代表されます。自画像では、 彼は私たちの前に自然なポーズで現れます、 右手に木炭の鉛筆を持っている-彼の芸術への帰属の象徴。この作品は、 他の多くのドガの初期の肖像画のように、 モノクロの配色が特徴です。
徐々に、 彼の作品は光と色でより飽和状態になります。ソフトハットをかぶった自画像の絵（1857年、 スターリング芸術研究所とFrappsnClark、 William Sgown）、 アーティストはすでにニュートラルなミュートされた背景の使用を拒否しています。絵の背景は紺色ですが、 それは彼のキャンバスのフレームワークの外でマスターによって残された窓から来る安定した日光によって照らされます。ドガはカジュアルなスーツを着て自分自身を描いています、 彼の主な表現力豊かなアクセサリーは、首に巻いた赤オレンジ色のスカーフです。この明るいカラースポットは、ポートレートの色彩的な構成のための音叉の役割を果たします。
それにもかかわらず、 ここ、 以前のキャンバスのように、 例えば、 「ルネ・デ・ガの肖像」（1855年、 スミス美術館、 ノーザンプトン）、 顕著な静的姿勢が残ります。 NS、 ドガはすぐにこの欠陥に気づき、彼の肖像画の動きと角度を実験し始めました。 その結果、彼の作品を「復活」させ、彼らに活力を与えました。画家が感情だけでなく、彼のキャンバスに持ち込んだのは、異常に鋭い自然のビジョンと絵画の新しい構成構造のおかげでした。 だけでなく、顕著な深い心理学。
エドガー・ドガの初期のスタイルの真の頂点、 ポートレートペインターとして、 作品「ベレッリ一家」（1858-1867、 オルセー美術館、 パリ）。この帆布のモデルは、アーティストのジェンナーロのおじさんでした。 彼の妻オーラ、 そして彼らの2人の娘–ジョバンナとジュリア。絵の構成は、特定の風俗画の原則に基づいて構築されています。帆布の中央には男爵夫人の姿があります。 アクセサリーのない喪服を着た黒のドレス。アーティストのおじさん、 ジェンナーロ、 後ろから描かれています。彼は暖炉のそばの肘掛け椅子に座っています。両方の配偶者の姿と顔は、周りで起こっていることに無関心を表しています。ジョバンナ、 彼女の母親の隣に立って、 それどころか、 ビューアを注意深く見ます。若いジュリア、 椅子にゆったりと腰を下ろし、 彼女、 のんびりと会話をしているように、 彼女の父親の方を向いた。
アーティストはモデルにモデルがどの位置にあるべきかを決して口述しませんでした。彼の時代の多くの画家とは異なり、 ドガは、「人々の典型的な自然なポーズの肖像画を描くことを好みました。 通常、彼らに絶対的な自由を与えます、 体の位置と表情の両方で。」
すべてのモデルのポーズが落ち着いているにもかかわらず、 図形の非対称な配置は、構図にある種の予期しないシャープさを生み出します。キャンバスの色は非常に絶妙に選ばれています、 青の組み合わせ、 銀、 黒と白のトーン、 完璧なカラーシステムを構築します。 NS、 それにもかかわらず、 アーティストが見せたシーンは理想化とは言えませんでした。ドガは家族の肖像画をドラマで満たしました：彼はカップルを描いた、 お互いの会社にかなりうんざりしています。彼らのポーズは、配偶者の性格や感情的な経験の違いを強調しています。子供たちが彼らを結びつける唯一のユニットであり続けることが視聴者に明らかになります。この帆布、 深い心理学が特徴で、 光の透過と描画の正確さの習得、 19世紀半ばに作成されたそのジャンルで最高の作品の1つです。
アーティストの個々のスタイルは絶えず進化していました、 彼のその後の作品では、画家は、構図のダイナミクスを強化することによって、構図の定常性とモデルの正面配置を回避することを好みました。この目的を達成するために、 ドガは、対角線上の構成の構造を非常に頻繁に使用しました、 シフトと予期しない角度、 そのおかげで彼は新しいことを成し遂げることができました、 より表現力豊かな効果。
例えば、 非常に大胆な構成ソリューション、 「花瓶に座っている女性」（1865年、 メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）、 一見奇妙になりますが、 不穏な印象。絵のほとんどは、さまざまな色の菊で構成された壮大な花束で占められています。ヒロインは花のあるテーブルの隣に座って、 しかし、彼女の顔は彼らから少し背を向けています、 彼女は目をそらします。ヒロインが偶然静物画に陥ったようです。それにもかかわらず、 このような解決策は、モデルの心理的特性を悪化させることはありません。 しかし、 それどころか、 その個性を強調し、強調します。女性の遠い、 物思いにふける顔は、悲しい思い出のかすみによって引き裂かれたように見えた。アーティストが彼女のキャラクターの特徴を伝えるすべての特徴を描く驚くべき才能は印象的です。この絵の研究、 近年実施、 マーガレットクレアブルンカン（後にバロネスバルピンソンになった）がキャンバスに描かれていることを示します。
肖像画を描くとき、 ドガには、主人公の職業や社会的地位を明らかにする属性が含まれていることがよくありました。このようなイメージの解釈の鮮明な例は、絵画「ジェームズ・ティソの肖像」（1867年、 メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）、 その中でドガ、 フランスの芸術家、 彼のワークショップに描かれています。
1869年、 アーティストは、彼の傑作のもう1つ、マドモアゼルホルテンスヴァルピンソン（美術研究所、 ミネアポリス）、 画家は友人のポール・バルピンソンの9歳の娘を捕まえました。少女は、色付きの刺繡模様の暗いテーブルクロスで覆われたテーブルに寄りかかって描かれています。テーブルの反対側には、未完成の工芸品のバスケットがあります。若いホルテンスは視聴者を注意深く見ています、 驚いたかのように。
この作曲技法は、アーティストが活気のあることを強調するのに役立ちました。 子供の直接的な性質。写真の背景、 広い音のストロークで書かれ、 この印象をさらに高めます。作品の色は、温かみのある黄土色と金色の組み合わせに基づいています。 黒と白のトーンだけでなく、 作品全体に非常に大きな音を与えます。
別の作品、 その表現力豊かな構成で驚くべき、 は「子爵レピックと娘たちの肖像」（別名「コンコードスクエア」）です。 1876年、 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）。ダイナミックな構図は、キャンバスのすべての側面がシャープにトリミングされた写真に似ています。 それは当時の絵画の特徴ではありません。地平線は大幅に過大評価されていますが、 コンコルド広場を回します、 子爵ルイナポレオンレピックが急速に交差し、 写真のキャラクターの背景にのみ。
まるで貴族の娘たちに迎えられたかのようでした。 停止、 彼の父の動きに関して反対の方向に向きを変えた。帆布は面白い味がします。ドガの絵の主人公は軽い衣装を着ていますが、 ほぼ背景と融合し、 作曲の他の参加者の服は暗闇で作られています、 ほとんど黒い色。これらの「黒い」数字は、 数学的精度でキャンバス上に配置され、 作品全体の驚くべき「音楽的」リズムを作成します。
高貴な家族から来て、お金の必要性を感じていない、 エドガー・ドガは、高貴なモデルの要件を満たさない余裕がありました、 カスタムポートレートの作成。ポーズをとる人の中には、高等社会のキャラクターがたくさんいました。 しかし、芸術家が豪華な衣装の輝かしい素晴らしさでそれらを描写し始めたことは一度もありませんでした。彼の絵の英雄の地位に関係なく、 ドガは常に、それぞれの特徴を可能な限り正確に伝えようとしました。お世辞に慣れて、 世俗的なライオンとライオネスはしばしば彼を去りました、 気分を害する。
人生経験と旅行
エドガー・ドガの人生における重要な出来事は、エドワード・マネとの知り合いでした。 それは1862年に起こりました。すぐに、 アーティストは、若いアーティストに人気の待ち合わせ場所であるカフェゲルボワを定期的に訪れ始めました。そこで彼らは芸術の新しい主題の探求について話し合った、 独自の表現手段と彼ら自身の現実のビジョン。カフェの常連客の中には、クロード・モネなどの偉大な芸術家がいました。 アルフレッドシスレー、 オーギュストルノワールと他の多く。
この印象派のコミュニティの影響を受けて、 1860年代後半、ドガは大規模なシリーズの作成に目を向けました– Laundresses、 競馬、 バレエシーン、 とModistiki。彼のすべての絵画は、彼らのヒーローの内面の深さと複雑さの非常に正確な開示によって区別されました。ほとんどの印象派の芸術家とは異なり、 ドガは自然界でインスピレーションを求めたことはありません、 彼は現実を動的な要素として認識しました、 そして彼の作品の中心を占めたのはこの継続的な動きでした。彼の理想は近代都市の忙しい生活でした。本質的に非常に注意深く、 ドガ、 パリの騒々しい通りを歩いて、 すべての特徴的な表現の特徴に気づき、長い間彼が見たものを彼の記憶に残しました。続いて、 都市生活のリズムを伝え、 アーティストは写真的に正確で公平な画像を作成しました。
初期の物質的な幸福により、エドガー・ドガはすべての時間を創造的な実験に費やすことができました。彼はすべての規範を大胆に破棄する余裕がありました、 コンポジションを構築するためのすべてのハックニートリック、 彼自身の予想外の視点を見つけるために、 新しいビジョン、 そのおかげで、作品の新鮮さと自発性の印象を得ることができました。
創造的な検索の結果、 アーティストは、絵画の構成の正確な調整を達成することができました、 偶然ではなく、すべての要素がプロットの一般的な意味を強調するように設計されていました。画家自身が彼の作品を次のように特徴づけました。 患者の観察、 インスピレーション、 キャラクターと偉大な巨匠の研究。」ドガはすべてのヒーローを自然でのんびりとしたポーズで捕らえました。 彼らの性格と気分を伝えるために最善を尽くしています。
いつ、 1870年、 普仏戦争が勃発し、 アーティストは、歩兵連隊に参加することを志願しました。突然、 最初の射撃場では、 彼の右目がよく見えないことが明らかになった。医師の診断はこれでした：糖尿病によって引き起こされた網膜剥離。後で判明したように、 これはドガ病の始まりに過ぎませんでした、 最終的に彼はほぼ完全に失明しました。それにもかかわらず、 彼はフランス軍の仲間入りをしました、 砲兵連隊に移籍。 1871年、 戦争はもう終わった、 そしてドガはロンドンに短い旅行をしました、 その後、彼はニューオーリンズのアメリカ人の親戚に行きました。 彼は1872年から1873年の冬を過ごしました。
彼の米国滞在の初めに、 ドガは多くのスケッチや絵画を作成し、 彼の家族の肖像画の数を含みます。しかし、すぐに彼はヒューズを失います。この理由は、「パリの芸術は、区別なくルイジアナの芸術と同じにすることはできません。そうでなければ、それは図解された世界にすぎないからです。 " この瞬間から、 アーティストはスケッチやスケッチをやめ、 彼は以前、彼の多くの放浪の間に膨大な数を作成しました。
ドガは、特定の国での生活を長期間観察することによってのみ、「人々の習慣を学び、彼らの魅力を感じる機会を提供できる」ことを確認しました。それにもかかわらず、 彼自身の論文に反して、 アーティストは、「ニューオーリンズの綿の販売のためのオフィス」（1873年、 ボストン美術館、 ポー）。作品のマルチフィギュア構成は、黒と白の対照的な色のコントラストに基づいています。 その交代により、キャンバス全体の明確なリズムが作成されます。
1873年の春、 ドガはパリに戻った、 彼はすぐに一連の損失とトラブルを待ちました。 1年足らずで、 アーティストの父親が亡くなり、 巨額の借金を残します。結局のところ、 故人は完全に混乱していた。 Auguste deGaが管理する銀行 天文学的な金額は債権者に負っています。彼の家族の評判を維持するために、 アーティストは彼から受け継いだ資金から彼の借金の一部を支払いました、 しかし、これは十分ではありませんでした。目的を達成するために、 画家は、家族の財産と偉大な巨匠による絵画のコレクションを販売しています。 彼の父によって集められた。
これらすべてが、画家が人生で初めて自分の絵を売ることを考えたような状況につながりました。バイヤーを引き付ける効果的な方法の1つ、 アーティストは印象派の展覧会を検討しました、 彼はしばしばそれを整理するのを手伝いました。 1874年から1886年までの期間、 そのような展示会が8回開催されました。 そのうちの7つにドガが参加しました。彼の作品が成功し、非常によく売れたことは注目に値します、 他の印象派の作品とは異なります。
1870年代、 ドガは彼の芸術的なスタイルをさらに洗練させました。彼の作品の空間構成は前例のない鋭さを獲得しました、 さらに大きな自由とダイナミズム。彼の絵画の色は独立した意味を獲得しました、 非常に複雑になり、 まるで光で満たされているかのように。
ドガは彼の絵を非常に単純化してきれいにしたので、たった1つの回路の助けを借りて動いている人体の筋肉のゲームを伝えることができました。徐々に、 彼の作品はますます彫刻的な性格を獲得しました。彼は太いカーボンラインで人物やオブジェクトの輪郭を強調し始めました、 ピンク、 紫と緑がかった色合いが絵画の色で優勢になり始めました、 作品に音の響きを与えた、 そして、すべての詳細が最小化されました。
ドガは実質的に油絵をやめます、 パステルは彼のお気に入りの素材です。最後の肖像画、 マスターによって作成された、 「父親のオフィスにいるヘレン・ロワール」（1886年、 国立美術館、 ロンドン）、 アーティストのアンリ・ルーアンの友人の娘、ヘレンを描いています。
ドガの作品の70年代半ば以来、 日本の彫刻の影響、 印象派の動き全体に大きな影響を与えた、 ますます追跡されています。アーティストはこの芸術の多くの技術を使い始めました、 例えば、 オリジナルの空間構造、 予想外の角度の使用と、構図の中央に二次的なキャラクターを頻繁に配置すること。
競馬への愛
アーティストの最大の情熱の1つは馬でした。エドガー・ドガは、イタリア滞在中にこれらの優雅な動物に興味を示しました。彼はコルサ通りでの伝統的なローマの競馬に魅了されました。 その間に彼は多くのスケッチをしました。 1860年代のフランス自体では、 ルイフィリップとナポレオン3世の両方の支配下で、 乗馬スポーツも非常に人気がありました。さらに、 ドガは、天然のプラスチックと馬の優雅さだけでなく、 彼は彼らのライダーのプロのジェスチャーや動きにもっと興味を持っていました。
競馬に捧げられた一連の作品を作成し、 ドガはしばしば彼の帆布のために様々な型破りな構成構造を見つけました。彼のお気に入りのトリックは、さまざまな空間シフトでした。 鋭いエッジトリミングとさまざまな「鋭い」角度。すべてのテクニックの本質は、刻々と変化する現実の独特の感覚を伝えることができる活気に満ちたダイナミックな画像を作成することでした。これらの作品の重要な場所は色です。特定の組織化された形に騎手の人物の雑多な混乱を与えることができたのは、色のドガの助けを借りてでした。
1860年、 アーティストは、競馬に捧げられたシリーズの最初の絵の1つを書きました。帆布「レースの紳士：スタート前」（フォッグ美術館、 ケンブリッジ）は、アーティストのスタイルとキャラクターを完全に特徴づけています。 それは彼の生涯を通して変わった。事実、ドガは20年後にこの作品の最初のバージョンを書き直し、 ライダーのぼやけたぼやけた人物が完全に平らな風景に対して描かれています。この遅いキャンバスでは、 絵の背景は、煙突が黒い煙を発している丘と郊外の工場でした。
1862年の作品「スタート前のライダー」（オルセー美術館、 パリ）、 スタート前に人々が体験するエキサイティングな感情と馬の緊張を非常に正確かつ誠実に伝えます。写真の前景では、 緊張に満ちて、 内なる焦点とダイナミズム、 レース開始の準備をしている騎手が示されています。真ん中の計画は騒々しい世俗社会で忙しい、 眼鏡に熱心。騎手のジェスチャーと植え付けの驚くべき信憑性、 画像の詩がない、 素晴らしいです。このレセプションのおかげで、 視聴者は、キャンバスの鋭い断片化に驚かされません。 写真の端がライダーの一人の姿の半分を切り取っています。
ドガシリーズ、 競馬に専念し、 美しい作品がいっぱいです、 ほぼレポーターの精度で解決しました。そのようなキャンバスの例は「開始前」（1878年、 E. G. Bgorl博物館、 チューリッヒ）、 「州での競馬。レースでの乗組員」（1872年頃、 ボストン美術館、 ボストン）、 「競馬乗馬」（1894年、 Webbでのコレクション、 ニューヨーク）と「トリビューンの前の騎手」（1869-1872、 オルセー美術館、 パリ）最後のキャンバスで、 ドガはレースの前の瞬間を描写しました、 レースに参加している馬だけが一般に公開されたとき。アーティストは見事に絵を構成し、 落ち着きと落ち着きのある幻想を実現し、 英雄によって保存されます。レーストラックの砂を繊細に飾る長い影の助けを借りて、内面の体験が伝えられます。写真のすべての馬はほとんど静止しています、 1つを除いて、ドガはレース開始直前の落ち着いた状態を反映するという任務を自らに課しました。このイベントに特徴的な情熱や興奮はありません。
1873年のどこかで、 画家は、何の注意も払わずに一時的に馬と競馬の話題から離れました。 ほんの数年後に戻ってきて、 彼が歌手のジャン・バティスト・フェアに「競馬」の塗装を依頼したとき。騎手–アマチュア」（1876-1887、 オルセー美術館、 パリ）。その後、 ドガは定期的に競馬専用の帆布を書きましたが、 9年代の終わり頃まで。このシリーズの最後の作品の1つは、絵画「The Fallen Jockey」（1896-1898、 美術館、 Offlätscheコレクション、 バーゼル）。キャンバスの構成は、アーティストの以前の作品と似ていますが、 それは私たちに牧草地を駆け抜ける馬を示しています、 その後ろには、明らかに落とされた騎手が残っています。
パリのナイトライフの表現力
アーティストの病気は彼のライフスタイルに影響を与えました。ドガは明るい日光から目を保護し始めました、 そして一般的に試してみました、 可能な限りまれに、 昼間は路上にいること。大多数の印象派とは異なり、 画家は実際には戸外で働いていませんでした。ドガは彼の絵のほとんどをガス灯の下で描いた、 そのため、彼は「夜の第一印象派」というニックネームを受け取りました。これは、パリのカフェのテーマが 安いカフェ、 女優、 歌手と「ハーフライト」の女性は彼にとってとても魅力的でした。
ドガは、そのような機関とその住民のトピックに捧げられた多くの作品を作成しました、 最も有名なものの1つは、キャンバス「アブサン」（または「アブサンの恋人」）です。 1875年、 Mray d’Orsay、 パリ）。 Nouvelle-Athenn施設の内部を描いています。 パリのアート界で人気があります。写真の構成は、カフェの住民の日常生活からのシンプルな風俗画の原則に基づいています。彼女の登場人物である男性と女性は、毎日の心配事の後でテーブルで休んでいるように見えます。しかし、前景の空のテーブルは、2人の人によって圧迫されて隅に追いやられているような印象を与えます。 また、彼らの空虚さと相互の無関心を強調します。この気取らないストーリーは、エイリアンの世界からの人間の興奮と彼の避けられない孤独のテーマを強調しています。 これが作品全体の主なアイデアです。アーティストのモデルは、彫刻家でアーティストのマルセル・デブテンと女優のエレン・アンドレでした。色を通して、 アーティストはなんとか彼らの姿に内面の緊張とドラマを与えることができます、 実質的に動きがない。
たった1つのジェスチャーでモデルのキャラクターを伝える画家の微妙なスキルが、さまざまなカフェシャンタンの歌手を描いたキャンバスに完全に現れました。鮮やかな例は、絵画「キャプテンアンバサダー」（1876年、 ボストン美術館、 リヨン）、 歌手のジェスチャーは、舞台でのパフォーマンスと講堂の2つの部分を組み合わせたものです。
この作品に関しては、 有名な評論家のJ.リビエラは次のように書いています。 彼らのモスリンドレスとファンと一緒に、 と観客は、 頭を上げて文字通り首を伸ばし、 挑発的なダンスや狡猾に書かれた連句を熱心に見てください！私が間違っていなければ、 それからこの歌手はブランデーで完全に飽和したコントラルトを持っています…歌手の珍しいジェスチャー、 聴衆に寄りかかって、 確かに彼女のパフォーマンスの成功を確認します。記憶された役割を持つ俳優として自分自身を繰り返すことはありません、 彼女は聴衆に訴えます、 彼らに尋ねます、 彼らが彼女が聞きたいことを正確に答えることを前もって知っていて、 暴君を支配しているのは彼女だからです その悪徳は和らぐ。 」
1878年に書かれ、 キャンバス「Cafesantanの歌手」（または「手袋をした歌手」 」Vogt美術館、 ケンブリッジ）、 このシリーズの非常に鮮やかな代表でもあります。エリス・デグランジュ、 このキャンバスのモデルを務めたのは誰ですか 実際には歌手ではありませんが、 しかし、デガスのためにポーズをとることに喜んで同意したパリのサークルで非常に有名なピアニスト。ピアニストの姿、 視聴者に非常に近い、 まだキャンバスの構成の中心ではありません。この役割は彼女の手によって演じられます、 黒い手袋をはめた。ジェスチャーにさらに大きな音を与えるために、 ドガは明るい背景に対してそれを描写しました。アーティストは作品の空間を非常に巧みに整理することができました。歌手の手の鋭いジェスチャー、 彼女の開いた口とやや歪んだ顔の特徴は、実際に画像を似顔絵に近づけます。この影響を軽減するには、 マスターは色に柔らかな明るい色を導入しました：ヒロインのドレスと顔の柔らかいピンクのハイライト、 そして彼女の髪に花。
カフェシャンタンとその住民に捧げられたシリーズは、非常に明るく独特であることが判明しました。サイクルのすべての作品は、非常に大胆な構成構造によって区別されます、 これは、キャンバスの主なアイデアを明らかにすることを目的としています。色と光の輝き、 ドガの絵画では、 現実を特別なタルトの魅力に満ちたファンタジー世界に変えます。
バレエ
エドガー・ドガの2番目に好きなテーマは、ダンスの流動的でダイナミックな要素でした。ほぼ20年間、アーティストがパリオペラ座の定期購読を定期的に取得したことは確かに知られています。彼はバレエのテーマに没頭し、 劇場やダンスクラスに参加する。バレリーナのハードワークを見て、 アーティストは魅惑的なダンスの世界を再現しました。彼は彼らのリハーサルに捧げられた多くの絵を書きました、 その間にダンサーの各動きが完成しました、 スポットライトのお祝いの輝きで観客に提示されたパフォーマンス、 そして、リラックスのまれな瞬間に。ほとんどの作業はパステルワークショップのドガで行われました。 彼はモデルを招待しました。わずか15年後、 パリオペラ座の監督は、芸術家が劇場のカーテンのすぐ後ろで作業することを許可しました。
ドガが劇場で最初に書いた作品の1つは、「オペラ座のオーケストラ」（1870年頃、 オルセー美術館、 パリ）。小さいサイズの帆布ですが、 写真の提示中に誤って撮影されたような構図。マスターは、オーケストラピットの横からステージを見るように視聴者を招待します。前景全体は、黒い燕尾服を着たミュージシャンによって占められています。その中の中心的な場所は、画家のデザイリー・ディオの友人のイメージに属しています。 ファゴットを演奏する人。舞台上で行われているパフォーマンスの下部のみが見えるようにキャンバスが配置されています。視聴者の注意を引く最初のことは、ダンサーの明るいピンクとブルーのチュチュです。 その後、ミュージシャンのシャツの白い斑点が写真の主人公に目を引きます。
アーティストは彼の次の作品の膨大な数をダンサーに捧げました。このシリーズの初期の絵画は、マスターがバレリーナを描いたとされる写真の無関心の大部分を占めています。
彼のキャンバス「ダンスクラス」（1871年） メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）、 アーティストは、重要なリハーサルの前に、若いダンサーの興奮を巧みに伝えます。若い女の子が鏡の背景に立って、 これにより、彼女の姿は中心からわずかにずれて、クラスのスペース全体を占めることができます。写真の左側にだけ、黒いピアノと彼の隣に座っている年配の伴奏者のための場所がありました、 ダンスのメロディーを弾き始める準備をしているところだった。写真は広々とした部屋に君臨する沈黙に満ちています。ダンサーはリハーサルの前にウォームアップします。すべての作品は、キャンバスの明確な色彩的思慮深さを通して色を通してアーティストによって伝えられた明確で調和のとれた音楽のリズムで浸透しています。
シリーズのいくつかの作品、 その中には、キャンバス「ダンスクラス」がありました。 Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. 「「
The painting “Dance Lesson” (1874, オルセー美術館、 パリ）、 striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. In this work, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, green, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist.しかし、 in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, 例えば、 in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, パリ）、 similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, 原則として、 were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
例えば、 in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, ニューヨーク）、 the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, パリ）、 created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant.例えば、 this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. 」
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons.例えば、 the painting “At the Fashionista” (circa 1882, 近代美術館、 ニューヨーク）、 depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
This work, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form.したがって、 to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill.それらの中で、 he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. The following year, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, パリ）。 In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, エルミタージュ美術館、 St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
時間とともに、 Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, プライベートコレクション）。 It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, したがって、 completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, しかし、 somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
September 27, 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
