11月14日 1840年、パリで オスカー・クロード・モネという息子が食料品店のオーナーの家族に生まれました。ちょうど5年後、 未来の芸術家の家族全員がノルマンディーに引っ越しました、 ルアーブルへ。 14歳から。 モネは漫画を描くことでお金と名声を獲得し始めました。
クロード・モネの絵画ここ、 ルアーブルでは、 若い男が風景画家と元のウジェーヌ・ブーダンに会いました、 当時は非常に奇妙な方法で働いていました。彼はスタジオではなく自分の絵を作成しました。 しかし、直接戸外で。
モネはすぐにブーダン法の利点、つまりキャンバス上での自然の移り変わりの即時性と活気に気づきました。それ以来、 あれは、 1856年頃から、 アーティストはまた、野外で書き始めました。その時でさえ、 クロード・モネは自分の人生を絵画に捧げることを決心しました。 彼の父がこの問題について彼自身の意見を持っていたという事実にもかかわらず。
彼の使命を決定した後、 モネはパリに引っ越しました、 1859年に彼はスイスアカデミーに入学しました。そこで彼は現実主義者のギュスターヴ・クールベと出会い、 素晴らしいロマンチックなウジェーヌドラクロワと印象派のカミーユピサロ。 NS、 わずか1年のトレーニングの後、 アーティストは兵役のためにアルジェリアに送られました、 しかし、彼は健康上の理由から予定より早くルアーブルに戻った。 そしてそこから彼はすぐにパリに戻った。
創造的な実験と照明効果への情熱
モネにとって運命は、当時有名な画家チャールズ・グデアのスタジオへの参入でした。 1862年。彼が将来の友人であるオーギュスト・ルノワールと出会ったのはそこでのことでした。 アルフレッド・シスレーとフレデリック・バジル、 彼が印象派の運動を開始する相手。アートの新しい方法の探求は、会社全体の目標であり、主要な娯楽となっています。
3年後、 モネは「草の上の朝食」という絵を書きました、 そのインスピレーションは、同じ名前のエドゥアール・マネのスキャンダラスな作品でした。しかし、 モネは本物のヌードキャラクターのイメージで大衆に衝撃を与えるつもりはなかった、 マネットがしたように。若い芸術家はただ彼のスタイルを探していました。すでにこの時点で、 彼は線を無視し始め、カラースポットを使用してすべてのフォームをモデル化しました。絵描き、 まだノルマンディーで自然の中で書くことに夢中になっている、 自然光の影響に最も興味がありました。森の端での作業は、若い芸術家に、太陽光線がどのように葉を通過し、さまざまな表面に当たるかを観察する機会を与えました。 すぐに色が変わる、 葉のこれらの反射とまぶしさのおかげで。
モネは恋人のカミーユ・ドンシエを職場の女性キャラクターのモデルとして使用しました。 写真の男性キャラクターはフレデリックバジルから書かれました。この会社、 自然の中での朝食に設定されている、 会話に専念しているだけで、視聴者とは接触していません。アーティストがここに表示されます、 見過ごされているオブザーバーのように、 紳士と女性は彼のためにポーズをとりません。私たちは女性のドレスのひだを賞賛することしかできません、 彼らの背中は私たちに向けられました。写真の右下隅に座っている若い男の顔も、見る人から背を向けています。モネは彼自身の法律に従います、 彼は構成を明確に構成していません、 劇場のミザンセーヌのように。キャラクターの前景に背を向けて見る人に向けられたイメージを破ることは、単に不可能でした。 アーティストは彼自身ののんびりとした美学を作成します、 偏見がない。不幸にも、 写真は完全には保存されていませんでした、 しかし、そのスケッチは多くの若い芸術家の大きな関心を呼び起こしました。名前A.S.のモスクワ博物館でプーシキンは仕事の選択肢の1つです。 1886年に作成されました。
古典絵画からの逸脱の別の例は、「庭の女性」（1866年、 オルセー美術館、 パリ）、 そのレイアウト、 女性のドレスのカットで、 自分自身を学術的な方法で描くことは許されません。そして、モネは画像を自由にトリミングすることを恐れませんでした、 断片化の印象を与える、 写真の効果に似ています。
キャンバスには、典型的な風俗画があります。 その意味の中心は左端にシフトされます。ここでの伝統からの逸脱は、木陰で休む女性が開花風景の不可欠な部分になるという事実で表現されています、 その装飾として機能し、 美しい花のように。女性像が風景と融合しているようで、 彼らのドレスは、木の幹が投げかける影の背景に適応します。
画家は若い女性の個性を伝えることにあまり興味がなく、 彼らの衣装や活動、 しかし、自然と人間の関係における光と調和の遊びを伝えることにおいて。 4人の若い女性全員が同じモデル、つまりカミラ自身から書かれたという明らかな事実から、アーティストにとって女性自身がどれほど重要でなかったかを判断できます。アーティストは、草の上に座っている一人の女性の顔を見せて、これを覆い隠そうとしました。左の図はプロファイルに示されています。 隣の女性が花束で顔を覆っている そして4番目のヒロイン、 開花茂みに手を差し伸べる人、 視聴者から完全に離れています。
同じ年に、 1860年代のクロードモネの最も有名な絵画の1つ、「緑のドレスを着た女性」（1866年、 Kunsthayle、 ブレーメン、 ドイツ）。キャンバス上で、 カミラ・ドンシエが再び見えます。画家は現実的な方法で作業します、 彼は暗い背景を使用し、 その上に若い女の子の顔、 日光浴、 明るく目立ちます。
明るい部分と影の部分のシャープなコントラストは、カラヴァッジョのキアロスクーロに似ています。叙情的なイメージと同時に非常に親密な、 一般的な表示を目的としたものではありません。マスターは、ほとんど観察者に背を向けてカミラを展開します。 モデル自身は壮観なポーズを探していません、 彼女のドレスの裾とその上に投げられた毛皮のコートを調べる機会だけを残しました。この作品は批評家と観客の両方から好評を博しました。 それは若いモネの名声をもたらしました。
一年後、 モネは非常によく似たテーマで絵を描きました。 「庭の女」（1867年、 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）は、彼女に居住可能な状態を与えるために、自然のアニメーションを具体化するための口実としてのみアーティストによって必要とされます。女性は再びほとんど視聴者に背を向けました、 そしてアーティストは、明るい色と長い影のある真昼の風景の美しさにのみ興味があります。
構図の中心は赤い花が咲く丸い花壇で、 その上に木が立っています。描かれた女性、 誰、 理論的には、 仕事の意味の中心であり、 画像の端の隣に配置されます。女性は、作品の構図の対角線が始まる左端のポイントとして機能します。 さらに、花壇の木と右に描かれた別の木によって支えられています。作曲のリズムは、女性像と両方の木の垂直線によって設定されます、 草の緑に彼らが投げかける狭い影と同様に。
1867年、 カミーユ・ドンシエ、 アーティストの息子ジャンを出産し、 そして少し後に彼の妻になりました。同じ年に、 絵画「ゆりかごの中のジャン・モネ」（個人蔵）が描かれました。ここ、 著者による多くの絵画とは異なり、 構成の中心は明確にマークされています。それは、ベッドの頭の上に天蓋がぶら下がっている装飾された揺りかごです。ベビーベッドの近くに母親がいます。これにより、オランダの絵画で人気のある風俗画のように見えます。しかし、 カミラの右肩と背中は写真の端で切り取られていますが、 作品の別のキャラクター、つまり毛布で覆われた息子の重要性を示しています。
静物のジャンルはモネのお気に入りではありませんでした、 しかし、 それにもかかわらず、 彼は時々彼に話しかけた。絵画「果物とブドウのある静物」（1867年、 プライベートコレクション）は、マスターによる風景作品よりも滑らかな書き方が特徴です。モネのキャンバスでは、くすんだ暗い背景は非常にまれですが、 しかし、その上で、 熟した、 少し熟しすぎた果物でさえ、特に活気があり、信じられます。この仕事で、 その芸術家、 いつものように、 自然と光の影響に最も興味があります。
しかし、花は、 彼らを情熱的に愛したアーティスト、 自然の中で描くことを好む。画像の切り花はまれな例外でしたが、 その一例が「花と果物」（1869年、 ポールゲッティ美術館、 ロサンゼルス、 カリフォルニア）。ここ、 マスターは最初は暗い背景を使用していましたが、 しかしその後それを放棄しました。静物を作って、 モネは籐のかごの半分を簡単に切ることができます。 テーブルの上の果物とヒマワリの花びら、 これもアカデミック絵画のすべての規範に違反していますが、 その召命は常にその最良の側面からの物体のイメージであると考えられていました。
彼のキャリアの初めに、 クロード・モネは財政難にひどく苦しみました、 それはほとんど彼を自殺させました。 1860年代には、 アーティストの貧しい財政状況により、彼は絶えずある場所から別の場所に移動することを余儀なくされました。 1869年から、 モネはパリ郊外のブージヴァルに定住しました。オーギュスト・ルノワールはよくここにやって来ました、 一緒に彼らは自然の中でたくさん働きました、 同じビューをキャプチャし、独自の絵画技法を開発します。
友達は自然の顔をのぞき込んだ、 彼らが最も興味を持った照明と空気の動きの小さな変化でさえ気づきました。刻々と変化する自然の瞬間的な状態を捉えたいという願望、 独自の法律に従って生活し、 団結した若いアーティスト。彼らは、同じ風景が時間帯に応じてどのように変化するかを注意深く観察しました。 大気条件と照明の性質：影が長くなり、厚くなります。 太陽のまぶしさは葉と水で再生されます、 まだ川の水面に波紋ができています。
1869年、 アーティストは、ブージヴァル近くのセーヌ川にあるカフェとその近くのプールを眺めながら、同じ名前の有名な絵画を描きました。絵画は「カエル」（メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）。彼のバージョンの作品では、 モネは、個別の書き方を考案しました。 ストロークを適用する新しい方法、 これにより、彼が見たものからの感覚をキャンバスにすばやく移すことができます。 批評家は非常に怠慢だと考えました。それはそう、 サロンペインターの観点から、 キャンバスは未完成の印象を与えます、 流暢に実行されたスケッチ、 オブジェクトがマークされるだけで、 そして非常に失礼です。アカデミックアートに特徴的な理想化はありません。しかし、モネはこれを完全に意識的に避けました。アーティストはいつも彼が今見たものを書きました、 一瞬凍った凍った現実を「捕まえ」ようとして、 そしてそのような仕事のために彼は速い装置を必要としていました。
ほとんどの印象派のように、 モネは純粋な色で書いた、 パレットで色を混ぜることに頼ることなく。彼は伝統的な絵画で採用されている色合いと中間調を避けました。その代わり、 アーティストは、キャンバスに特定の色のストロークを密に適用しました。 そして組み合わせて、 彼らは人間の目の知覚に異なる色合いを与えました。そのような絵のアイデアは、光学の分野でフランスの物理学者ユージーン・シェヴルルの発見に基づいていました。特に、 オブジェクトの色は特定の客観的な事実ではないことがわかりました、 むしろ、光線が反射する光に依存します。これは、印象派による黒の完全な拒絶と、キャンバスの明るい表面に「色付き」のハイライトとシャドウを作成することの正当化として役立ちました。
絵画「聖アンドレスのテラス」（1867年、 メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）は、ヨーロッパの芸術に共通の空間の有望な建設がないことで区別されます。このため、 日当たりの良いテラスに海がかかっているようです。モネの見通しをあきらめようとするアイデアは、ヨーロッパで人気を博した日本の伝統的な絵画によって提出されました。写真の前景には花の咲くテラスがあります。 暑い夏の太陽の下、天蓋や傘の下で散歩したり、ただリラックスしたりする紳士淑女たち。 籐の椅子に座っています。
明るい花がモネのキャンバスに繰り返し表示されますが、 になる、 最終的には、 彼の後の仕事における独立した動機。背景には海があり、 地平線を強調する多数のヨット。テラスの近くに描かれている帆船は、目の重要なガイドとして機能します。それがなければ、 写真の最初と2番目の計画は断片化しすぎているように見えますが、 これは、組成物を2つの独立した無関係な部分に分解することにつながります。明確な垂直柱、 構図の水平構造について議論し、 少し異質に見えます。しかし、これは表面的な印象にすぎません。 実際には、 すべての作業を「収集」するのは彼らです。 視聴者の注意をその中心部分に集中させます。
1870年の普仏戦争の開始とともに、 モネはロンドンに行きました、 彼はその同じ年にカミーユと結婚した。ロンドンで、 アーティストは友人や志を同じくする人々と会い続け、カミーユ・ピサロと一緒に都会の景色を書きます。
スタイルの個性
二年後、 アーティストは彼の有名な作品「印象」を作成します。日の出」（1872年、 マルモッタンモネ美術館、 パリ）。初期化、 画家は現実を再現しようとしませんでした、 自然を真似ようとはしなかった、 しかし、その美しさについての彼の個人的な印象を伝えるだけでした。
写真に写っている人物の姿は、やはりかろうじて輪郭が描かれていますが、 視聴者にとっては珍しいことでしたが、 アカデミックな書き方に慣れている。しかし、純粋な放射水と日の出の色彩関係は、 海面の明るい反射に現れる、 美しく伝わります。
アーティストは最初の印象派展でこの作品を発表しました、 1874年に開催されました。その後、 モネと彼の仲間たちは今でも自分たちを「匿名の芸術家協会」と呼んでいます。 画家と彫刻家。」この絵は批評家や観客から鋭く否定的な評価を受けました。 そしてその名前（「印象派」）は、絵画の新しい方向性である印象派の時代に皮肉な定義を生み出しました。展示会は、耳をつんざくような失敗だけで有名になりました。
私たちは1872年に戻ります、 モネと彼の家族がアルジャントゥイユの町に引っ越したとき、 パリの近く。友達がまたここに来ました–シスレー、 エドゥアールマネとルノワール。アーティストの絵画はまだ販売されていませんでしたが、 しかし、彼の父から受け継いだ遺産は、彼の家族の物質的な幸福をわずかに高めることができました。ここ、 アルジャントゥイユでは、 モネは自分のために「フローティングワークショップ」を立ち上げました。彼はセーヌ川をボートで旅しました、 彼が好きな景色を自由に捉え、日光の反射による水への照明の影響を研究し続けています。
1873年、 モネは「アルジャントゥイユのポピーの野原」（オルセー美術館、 パリ）、 カミーユと小さなジャン・モネが野草に溺れている様子を描いています。構図の斜めの構造は、動きの感覚を作成します。前景と背景には、母と子からなる2つのペアがあります。 対角線上にあります かろうじて目立つパスによってサポートされ、 ポピーのストリップだけで下線が引かれています。両方のペアは同じモデルから書かれています。この作品は、色を使った構図の巧みな構図を完璧に示しています。
同じ年に、 絵画「カプチン大通り」（1873年、 プーシキン美術館、 モスクワ）も描かれました、 写真の芸術の影響がはっきりと感じられる。絵、 街の大通りの通行人や乗組員でいっぱいの人生から一瞬を伝え、 スナップショットに似ています。その中の人々は二次的な役割しか果たしていません、 そしてメインは、街の現代アーティストの雰囲気に割り当てられています。
写真の明らかな影響は、「建国記念日のサンドニ通り」（1878年、 美術館、 ルーアン）。作曲のリズムは、多くの国の旗の青白赤のストロークによって設定されます、 出品済み、 銃剣のように、 家のバルコニーや窓の開口部から。作品、 ルポルタージュショットのように、 休暇中の街の生活を捉えました。
さらに、 画家は人々を祝うことに全く興味がありません。ドラクロワと彼の作品「バリケードの自由」とは異なり、 モネは壮観な環境でグループを描写しませんでした。アーティストは都市自体を必要としていました、 その顔と雰囲気は休日に君臨します。通りにはスタッフの姿だけが住んでいます–石の壁によって抑制されたスケッチされた暗いシルエット。
しかし、アーティストにとって最も愛されているモデルは、彼の愛する妻と幼い息子のままでした。 Brushes Monetは、素晴らしい作品「Camille Monet with her son Jean」（別名「Lady with a Umbrella」）を所有しています。 1875年、 国立美術館、 ワシントン）。ヒーローの静的なポーズにもかかわらず、 写真は動きに満ちています。雲が空を横切って広がっています。 そして、若い女性の帽子の軽いドレスとベールが風の中で発達しています。
東洋美術が芸術家の作品に与えた影響の顕著な例は、彼の世界的に有名な絵画「日本の少女」（1876年、 ボストン美術館、 ボストン）。その上で、 カミラ、 真っ赤な着物を着て、 日本の扇子で飾られた灰色の壁に立っています。作品は非常に装飾的です、 日本の伝統的な服装は、女性の体型を完全に隠します。 構図は完全に奥行きがなく、平らな絵に近づいています。いつものように、 モネはオブジェクトの明確な輪郭を避けます：彼の妻の姿、 日本人、 女性の背中の後ろの壁にある着物と扇風機の生地に描かれています。 行よりも色で書かれている、 これは、作業の平坦さの追加の印象を作成します。構図ソリューションの興味深い点は、着物を着た日本人の姿と絵のヒロインが正反対の方向に配置されていることです。 お互いのバランスを取ります。
パリの現代アーティストにとって最も重要な場所は、サンラザール駅でした。マスターは彼にいくつかの絵を捧げました、 1877年に書かれました。駅は人々の運命を作り出しました、 フランスの首都を他の都市や国とつなぐ。ここでの生活は常に本格的でした。乗客が到着し、車で走り去りました。 機関車は賑やかでした、 列車はスピードを上げて遠くへと運ばれていました。
アーティストがキャンバスに見せようとしたのは、この新しい産業生活のエキサイティングな雰囲気でした。 「サンラザール駅。電車の到着」（1877年、 フォッグ美術館、 ハーバード）は、駅の日常生活を完全に反映しています。作品はほぼモノクロームの絵画を使用していますが、 選択された異常な角度、 駅の建築金庫のソリューションの特徴を完全に伝えます。
後で、 アーティストにとって最も重要な2つのイベントは、彼の家族で行われました。1878年、 彼の最愛の妻は彼の次男を出産しました、 ミシェル、 その後、カミラ自身が重病になりました。モネは再び深刻な財政難を経験しています。一般の人々も批評家も、彼の芸術スタイルの正しい認識にまだ「成熟」していません。画家はアルジャントゥイユを離れ、ヴェテジに定住することを余儀なくされました。 彼の隣人はビジネスマンのアーネスト・ゴシェデと彼の妻のアリスでした。 後に画家の二番目の妻になる運命にあった。
アーティストは、「冬のヴェシーへの道」（1879年、 美術館、 ヨーテボリ）、 彼がフランスの典型的な冬の風景を描いた場所：雪に覆われた未舗装の道路、 緩い雪と凍った緑の草を通して見える褐色がかった茶色の土壌の丘、 教会、 道路の両側の丘のなだらかな斜面に建てられた2階建ての家。二人の旅人の姿だけが風景を少し活気づけます。
絵画「ヴェテヤ近くのセーヌ河岸」（1880年、 国立美術館、 ワシントン）、 来年の夏に描かれた、 シンプルで叙情的です。写真の前景全体が開花する牧草地の草で占められています、 その後ろに川の鏡面が見えます。雲が浮かび、対岸に木々が立ち、川に映る空を巧みに伝えました。写真の背景にある海岸の茂みと別々に成長している木々は、それらを覆っている灰色の雲から青みがかった灰色がかった霞に覆われているかのようです。
キャンバス「BlossomingAppleTrees」（1879年、 ボストン美術館、 ブダペスト）は、ワークショップの光の透過率に感銘を受けました。描かれた風景は、周囲の空間全体に降り注ぐ太陽の光を浴びているようです。
写真の構成も非常にシンプルですが、 手前にはリンゴ園の開花木とその下の草があり、 第二に、木の枝の後ろに半分隠された赤い屋根の家が見えます。 そして背景は上昇する丘によって占められています。いくつかのリンゴの木、 作品の下端近くに押し込まれ、 右側のシーンとして機能し、水平方向の構図で唯一の垂直方向のシーンとして機能します。 すべての作業を「収集」するかのように。
同じ1879年に、 たった32歳で、 モネの最愛の妻は深刻な病気で亡くなりました。悲しみに打ちひしがれた芸術家、 彼女は死の床にカミーユの肖像画を描き、 彼は彼の妻を彼自身の方法で描写しました、 彼女の顔がその重要な色を失う方法を色で強調します。
待望の成功
逆説的に、 彼の個人的な生活の中での死別の年に、プロとしての成功がアーティストにもたらされます。彼の作品の展示について、パリのマスコミに肯定的なコメントやコメントが掲載されました。 すぐに売り始めました。これは画家の財政状況を改善しました。
1883年、 彼はパリ近郊のジヴェルニーにある小さいながらもとても居心地の良い家を借ります。 その隣に壮大な庭園があり、 絵画として検証され、 各植物の個々の色と開花時期を考慮に入れます。後で、 モネは家の近くに追加の領土を買い取り、その上に別の見事な庭を作ります。 睡蓮の池と曲がりくねった小道のある日本の橋がありました。この場所は彼の死まで彼の絵画の主題になるでしょう、 アーティストがさまざまな照明の透過における色の視覚的可能性の彼の長年の研究を具体化した多くの別々のシリーズの作品を作成するというアイデアとともに。これらの作業サイクルでは、 画家は、同じ動機がどのように照らされるかによってどのように変化するかを明確に描写しました。言う必要があります、 すべてのシリーズは、大衆との大きな成功を楽しんだ。
絵画「ジヴェルニーのヘイスタック」（1886年、 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）は、アーティストのお気に入りのモチーフの1つになっています。風景、 その構成の中心は前景に立っている干し草の山でした、 遠くの野原に見える家や木々によって補完されます。
1888年、 モネはこの種に捧げられた一連の25の作品を作成します。さらに、 キャンバス上の周囲の風景はますます恣意的になり、 構成計画への分割は事実上なくなります、 そして干し草の山は独立した役割を獲得します、 まるでそれ自体がそのような概念的な存在の中心に集中しているかのように。すべての絵画の主な役割は色に与えられています、 これは、可変光のスペクトル全体を伝達しようとします。日中、 アーティストは、さまざまな照明条件を伝えるいくつかのキャンバスに取り組みました：朝、 午後と夕方–これは画家の方法の独創性でした。 これが別のシリーズ「ポプラ」の基礎を築きました。ミラー対称性、 その原理に基づいて、作品「Poplars atEpt」（1891年）の構成 スコットランド国立美術館、 エジンバラ）は、視聴者に2つの現実を提示します。川のほとりにある本物のポプラの木立と、水面の鏡面での反射です。 波紋によってわずかに波打つだけです。川は木々がいっぱいになるすべての色を完全に取り入れています、 ピンクがかった雲が浮かぶ空。水面の恐怖は、画家のストロークの性質によって強調されています。
ルーアン大聖堂に捧げられた最大のサイクルは、1892年にクロードモネによって開始されました。2年間、 アーティストは50枚の絵を完成させました。 これは、1日のさまざまな時間（早朝から深夜まで）に大聖堂のゴシック様式のファサードを一貫して描写していました。日光は、大聖堂の色だけでなく、見事な変容を生み出します。 石のエッセンスもあります。数世紀にわたって立ってきた壁、 そこに降り注ぐ光と透かし彫りのゴシック建築のおかげで、 ほとんど無重力で奇跡的なようです。太陽の光が大聖堂の石の力を溶かしているようです、 さまざまな強度でそれに浸透します。
モネのブラシの習得のおかげで、 大聖堂は物質的な物質ではなくなったようで、風通しが良く、はかないものになります。それはまるでそれが地上の創造物ではなくなり、天国と融合するかのようです。これは遠い中世の建築家の影響でしたか？ 教会の壁の石のレースを天国に上げますか？おそらく、モネはゴシックアートの概念的なアイデアの中心に浸透しました。サイクル「ルーアン大聖堂」は1895年に芸術家によって展示され、大成功を収めました。
サイクルの作業開始と同時に、 クロード・モネはアリス・ゴシェドと結婚します。画家はたくさん旅行を始めます、 彼はイタリアで働いています、 彼が信じられないほど印象的だと思うゴシック様式の大聖堂、 ノルマンディー、 スイスとオランダ。
ノルマンディーでは、 マスターは壮大な海の景色を生み出しました、 マンポートの絵画（1883年、 メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）、 まるで水の要素の壮大さを称賛するかのように。また、 アーティストはしばしば白鷺の町の近くの絵のように美しい岩のイメージに取り組みました、 このエリアの主な魅力は、 波の気まぐれによって作成されたその独特の形のため。
マンポートはおそらく最も有名な岩のアーチです。岩石形成の規模を伝えるために、 画家は、石のアーチのアーチの下にある数人の人物を数回のストロークですばやく輪郭を描きます。 その大部分は、 写真の左端から力強く突き出て、 文字通りそれらを粉砕する準備ができています。作品の構成は、そのような印象の作成に貢献しています。石の表面の無限の効果は、岩全体が絵のフレームに収まらないという点で、アーティストによって強調されています。
色と無意味の暴動
色の表現力、 アーティストのキャリアを通じて、 彼の芸術言語の主な手段でした。クロード・モネは最後まで忠実であり続けました、 選ばれた道を決して断ち切ることはなく、彼の個々のスタイルのテクニックの表現力を向上させ、磨くだけです。彼の仕事の後期の唯一の違いは無意味への渇望でした、 特定のプロットとフォームの概念を曖昧にします。アーティストは、彼の最高の作品の1つを絵画とはまったく考えていませんでした。 しかし、彼がジヴェルニーの家に作った庭は、 庭が絶えず咲くように、彼はさまざまな種類や種類の花を手に取って植えました。 さまざまな色合いで画家の目を楽しませてくれます。壮大な庭園、 実際には、 また、芸術作品、 マスターの絵のお気に入りのオブジェクトになりました、 キャンバス上でその無数の反射を見つけます。
帆布「ジヴェルニーの菖蒲の庭」（1899年、 イェール大学美術館）もまた、非常にシンプルな構成を示しています。正方形の帆布は、庭の奥まで続く小道を描いています。 生い茂った菖蒲の茂みに半分隠れて、 その上には、長期的な視点を生み出す庭の木の幹が見えます。
アーティストは、まるで歓喜のように帆布を置きます。 ピュア、 明るい色、 視聴者に彼の幸福感と人生の豊かさを伝え、 自然との触れ合いから生まれました。手前の美しく繊細な菖蒲の花が私たちの目を覗き込んでいるようです。マスターの巧みな手は彼らに魂を吹き込んでいるようです、 そして周囲の自然の美しさが最大の奇跡になり、 神の創造物の王冠の擬人化。自然に対するこの態度です、 クロード・モネの作品の絵画の十分な対象である、 アーティストとアカデミックスタイルの支持者を区別し、 人間だけが常に「創造の王冠」でした。
モネの最も有名なシリーズの1つである「睡蓮」は、1899年に発売されました。 画家は、ジヴェルニーの庭の池に浮かぶ睡蓮（ネヌファラ）を描いています。アーティスト自身が池でこれらの繊細な花を育て、長い間それらを賞賛しました、 壊れやすい花びらに太陽のまぶしさを感じ、水中の雲の反射を楽しんでいます。信じられないようです、 しかし、睡蓮は彼の死まで才能のある芸術家の心を所有していました、 約20年。作品の連続性は、さまざまな照明条件下でのこの動機の変化に基づいています。
1903年に作成され、 作品「睡蓮。雲」（個人蔵）は、驚くほど楽しい印象を与えます。キャンバスは日光で飽和しています、 空は水面での反射にのみ存在するという事実にもかかわらず。睡蓮と雲がゆっくりと同じ表面に浮かんでいるように見えますが、 まるで空気の軽い息によって動かされているかのように。
作品「睡蓮の池」（1908年、 プライベートコレクション、 ザンクトガレン、 スイス）空間内の画像を視覚的に拡大し、 無限の印象を与えます。モネは写真の効果を利用しました、 まるで池の水面から別の断片を彫り、それをクローズアップで書いているかのように。葉っぱのある水の広がりだけ、 睡蓮の花と反射した雲、 その表面に絵のように散らばっている、 フレームに落ちました。
ここ、 マスターは再び絵画の遠近法の構築から出発しました、 そのため、構図の右上隅にある睡蓮は、絵画の前景の植物よりも見る人に近くなっています。このテクニックのおかげで、 絵はその深さを失い、そして、 いわば、 飛行機で展開し、 より装飾的になります。
1870年代以降、 クロード・モネは繰り返しイギリスを訪れましたが、 彼は独特の霧の雰囲気でロンドンを愛していました。そして1900年頃から 画家はもっと頻繁にここに来るようになりました。彼はここで国会議事堂に捧げられた一連の作品を作成します。
絵画「ロンドンの国会議事堂」（1904年、 オルセー美術館、 パリ）は、濃い霧に包まれているかのように建築物を描いています。いくつかの場所でのみ、黄赤色の太陽が小さな考えを打ち破ります、 ネオゴシック建築の雄大な輪郭の断片を強調し、赤紫色のフレアで広いテムズ川を染色します。絵のスタイルは非常に恣意的です、 アーティストは特定の要素を描写していません、 しかし、街自体の瞬間的なイメージ、 彼がちょうどそれを見たような。
モネの印象派は、客観的な現実を伝えることを意図したものではありません。彼はオブジェクトの品質の不変性を認識していません。それらの全体的な外観、 色と形は光だけに依存します、 かろうじて突破している、 その後、近所全体に洪水が発生します。 または外出する、 トワイライトに変わります。 1908年の春、 クロード・モネと彼の家族はヴェネツィアに行きました。この街の楽しい雰囲気、 その水は広がり、 驚くべきことに、ベネチアの建築家に殴打されました。 水とそれに反射するモニュメントの光の反射、 画家を魅了した。このようにして、一連のベネチアの風景が生まれました。 旅行中に直接書かれました。
作品「ヴェネツィアのパラッツォ・ダ・ムラ」（1908年、 国立美術館、 ワシントン）、 そこに書かれ、 can hardly be called a guided or architectural landscape. Rather, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it.さらに、 this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. 1911年、 Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, ジャン、 dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature.しかし、 Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." At first glance, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically.しかし、 the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets.作品、 もちろん、 is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, しかし、 my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, 個性的、 subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
