2月25日 南フランスのリモージュの町で1841年、 4番目の子供は仕立て屋の家族で生まれました–ピエールオーギュストという名前の男の子。何年か後、 ルノワール一家全員がパリに引っ越しました。幼児期から、 オーギュストは優れた描画能力によって際立っていました、 壮大な声だけでなく。
ピエールオーギュストルノワールの絵画教会の聖歌隊の長、 若いルノワールが歌った場所、 彼の両親に息子の音楽的キャリアについて考えるようにさえアドバイスしました（ちなみに、 シャルル・グノーでした、 後に有名なオペラファウストを書いた人）。しかし、未来の芸術家の家族は金持ちではありませんでした、 そして彼の父は彼の息子のために別の未来を見ました-中国の芸術家の権威あるそして高給の仕事。
そう、 1854年、 13歳で、 オーギュストは磁器工場に入った。若い男はこの職業が好きだった、 彼はすぐに学び、カップとソーサーを描き始めました。 そしてサービス全体。同時に、 若い男はしばしばルーブル美術館に行きました、 彼が描いた場所、 ロココの芸術家フランソワ・ブーシェによるアンティークの彫刻と絵画に触発され、 軽い風俗画を書いた人。時間とともに、 ルノワールはそれらを磁器の絵画にコピーし始めました。
その青年は彼の年齢のためにかなりのお金を稼いだ。彼のキャリアを前進させるために、 彼は磁器工場に入った、 彼は磁器工場の彫刻家と同僚の指導の下で絵を描き始めました、 芸術の分野で彼の明るい未来を予測した人。
アーティストの若さ
若いルノワールにとって残念なことに、 しかし幸いなことに、他のすべての人にとっては、 19世紀の技術の進歩は、手作業による生産のほぼ完全な拒絶によって特徴づけられました。磁器の絵は印刷された図面に取って代わられました。購入者とワークショップの所有者は、印刷機器がまったく同じ製品の生産を保証したという事実に魅了されました。時間とともに、 手描きは評価されなくなりました。
若い男、 最初は必死で、 製品を高速でペイントしようとしましたが、 それは彼に成功をもたらさなかった。結果として、 彼は他の収入を探さなければなりませんでした。さまざまな技術を絶えず開発しながら、一時的な仕事をする時が来ました。ルノワールは最初にパリのカフェのファンと壁を描きました、 その後、誤ってカーテンマスターとしての仕事に就きました。ところで、 彼はこのテクニックを完璧に習得し、再び良いお金を稼ぎ始めました、 しかし、芸術家は彼の栄光に休むことを望んでいませんでした、 この職業は間違いなく彼の夢の限界ではなかったので。ルノワールは、芸術アカデミーの特別学校で絵を描くという新しい夢で稼いだお金をすべて取っておきました。
1862年の終わりに、 オーギュスト・ルノワールは彼の大切な願望を実現し、パリ美術学校に入学しました。そこで彼はアーティストのシャルル・グレイルのスタジオに行き着きました。 アカデミックなスタイルにこだわる。若い男はすでにかなりの経験を持っていました、 しかし、すべてのクラスに誠実に出席し、アカデミックドローイングを学びました。しかし、 グレアはすぐにルノワールが色を扱う方法を気に入らなかった：それでもアーティストはジューシーな明るい色を使用しました、 これは学術環境では歓迎されませんでした。一度、 教師は、彼の自由恋愛の学生が、フランスのロマン主義の代表である2番目のデラクロワにならないのではないかという恐れさえ表明しました。 色彩が美しく、ルノワールの真のアイドルである彼は、 しかし、誰が、 アカデミックアーティストの目には、 元「背教者」です。グルールの工房にいた若い芸術家はオーギュストだけではなかった。 学問的なやり方に反抗し、彼自身の新しい道を見つけようとした人。彼はすぐにクロードパグと友達になりました、 アルフレッド・シスレーとフレデリック・バジル、 絵を非常によく見て、その復活の可能性について熱心に話し合った人は、 それによって彼らはアカデミズムの束縛からの解放を理解した。しばらくして、 カミーユ・ピサロが加わりました。
訓練は長くは続かなかった、 わずか1年後、ルノワールは絵画学校を辞めることを余儀なくされました。 彼はもはやそれを支払うことができなかったので。彼はワークショップのクラスを野外での作業に置き換えました。 彼の新しい友達と一緒に、 ワークショップが閉鎖されたため、すぐに意外にも美術教育を修了した。ルノワールの仲間はすべて、芸術の世界を変えたいという願望だけでなく、似ていました。 しかし、彼らは仕事のための食料や材料の手段をほとんど見つけることができなかったという点でも。
1866年、 ルノワールは彼の初期の静物画の1つを書いた、 「大きな花瓶のある静物」（Vogt Museum of Art、 ケンブリッジ）、 オランダの静物画のスタイルで書かれ、明るく繊細でありながら豊かな色彩で楽しい印象を与えます。同年、彼は「アンソニーの宿の宿」（1866年、 国立博物館、 ストックホルム）。開花静物とは異なり、 この作品の配色はかなり暗いですが、 支配的な黒色で。視覚的な表現力はコントラストに基づいています。居酒屋の訪問者の黒い衣装は、テーブルの真っ白なテーブルクロスを強調しています。 また、ホワイトカラー労働者の輝点とははっきりと対照的です。 付き添いの女性のエプロン、 英雄の一人の明るいつばの広い帽子と彼の足の下に横たわっている白い犬。
この作品は、色の助けを借りて構図を構築するルノワールのスキルと原則を鮮やかに示しています。真っ白なテーブルクロスは、黒い人物で構成されるリングで囲まれています。 白いアクセサリーを散在させることにより、一般的な塊に融合するのを防ぎます。文字通り「市松模様」の白い斑点を適用すると、色の分布に特別な調和がもたらされます。この絵は、芸術家を素晴らしい肖像画家であり、静物画の壮大な巨匠として特徴づけています。テーブルの設定全体が優れたスキルで作られました。 食べ物や道具の残骸は非常に現実的です。
一年後、 アーティストは彼の最愛のガールフレンドリサトレオの肖像画を描きます、 ルノワールが7年以上会った人、 しかし、結婚したことはありません。最終的には、 リサは彼らの関係を断ち切りましたそして、 ほんの数ヶ月後、 若い建築家と結婚した。
それにもかかわらず、 絵画「リサ」（1867年、 フォルクヴァング美術館、 エッセン）は1868年のサロンへの参加が認められました。 聴衆から前向きに評価された場所、 それはまだ知られていないアーティストにとって大成功でした。写真の中の、 女の子は完全に成長して描かれています、 彼女は白いドレスを着ています、 幅の広い黒帯と太陽からの黒い傘で覆われています。少女の薄手のドレスは明るい日差しにあふれているようですが、 ヒロインの肩や顔に光のまぶしさが響き、 傘で覆われています。この繊細な白黒のゲームは、白樺の幹で続きます、 リサの背中の後ろで、彼女の足元の芝生の上にあります。 暗い影が太陽に照らされた領域にはっきりと接しているところ。
1867年、 ルノワールは別の絵を作成しました、 リサ・トレオが「ダイアナ・ザ・ハントレス」（国立美術館、 ワシントン）。時代の道徳的原則のために、 アーティストは現代の女性を裸で描くことができませんでした、 それで彼は彼女の手に狩猟用の弓を置き、その絵に神話の名前を付けました。 それは彼の作品に公式の存在の権利を与えました、 1863年の絵画「草の上の朝食」によって引き起こされたスキャンダルを避けながら、エドゥアール・マネ。
その芸術家、 肖像画のジャンルに熱心に興味を持った人、 しばしば彼の印象派の友人を書いた、 日常の活動の中で身近な雰囲気の中でそれらを描いて、 したがって、肖像画と風俗画を組み合わせて、これらの人々の生活について私たちに伝えるドキュメンタリーソースを作成します。
絵画「フレデリックバジルの肖像」（1867年、 オルセー美術館、 パリ）は忙しい若いバジルを見せてくれます、 もちろん、 ペインティング。その芸術家、 プロフィールで視聴者の方を向いて、 彼の仕事に焦点を当てています。様式的には、 驚くほどシームレスに笑う仕事、 ほぼモノクロの配色も一因です。キアロスクーロを使用してボリュームをモデル化した、手の込んだ白黒写真に似ています。一年後、 ルノワールは、「妻とアルフレッド・シスレーの肖像」（1868年、 ヴァルラフ・リヒャルツ美術館、 ケルン）。キャンバスには、シスレーが若い妻にどれほど強調されているかがわかります。彼の全体的な姿勢は、奉仕する準備ができていることを表しています。 女性をサポートし、助け、 彼女への彼の愛と優しさだけでなく。キャンバスに描かれた若い夫婦、 まるで幸福と愛の光をしみ出させるかのように。
ルノワールの作品「アルジェリアの女」（1870年、 国立美術館、 ワシントン）は、ウジェーヌドラクロワの喜びへのオマージュでした。初期化、 アーティストは彼のリサをオダリスクのイメージで描写しました、 明るいです、 豪華な東洋の女性、 枕にのんびりとリクライニング、 壮大なドレスに身を包み、自分を手招きします。このキャンバスでは、 ルノワールは色を楽しんでいるようです。リクライニングヒロインの姿が帆布のほぼ全空間を占め、 写真には空気が足りないようです。
印象派への取り組み
オーギュスト・ルノワールは、若い印象派の別の著名な代表者と頻繁に協力しました。 クロード・モネ。同じ性質から描かれたアーティスト、 自然界で観察された光と影、 そして、これらの効果を伝える際のパレットの可能性を研究しました。彼らの結合の例は、有名な絵画「カエル」です。これは、1つの自然からだけでなく、 同じ名前も付けました。絵の筋書きはシンプルです。乗客を待っている木製のボートを背景に、楽しい観客がいるフローティングカフェです。
ルノワール、 本質的に楽観主義者、 彼のすべての仕事を通して、人生の休日を表示することへの愛を運びました、 踊ったり休んだりする紳士淑女。アーティストは人生の暗い側面に注意を払わないように努めました、 彼は芸術が人々に素晴らしい喜びの瞬間を与えるべきだと心から信じていました、 啓蒙や退屈な教えの役割を果たさない。
ルノワール「カエル」（1869年、 国立博物館、 ストックホルム）一見スケッチのように見えますが、 しかし、完成した作品ではありません。 シーンのトリミングはランダムであるかのようです。ある程度まで、 そうだった、 シーンは、アーティストが見たとおりに正確に描かれています。 洗練された思慮深い構成なしで、 計画のバランスを取り、視点を構築します。
アーティストは、まったく異なる目標を追求しました。暖かい夏の日に、楽しくてのんきな雰囲気を捉えて伝えることです。 水に光のまぶしさをキャッチするには、 女性のドレスの太陽反射神経（これらの女性はストレッチと呼ぶことができますが、写真のヒロインのほとんどは簡単な指揮の乙女です、 評判が疑わしいカフェの住民）。生きている自然を扱うには、非常に短い時間で絵を描く必要がありました。 したがって、 ルノワールとモネは、特別な書き方で働きました。 クイックストローク、 人々の姿を示し、周囲の輪郭を描くだけで、 しかし、詳細を書くことに時間を無駄にすることはありません。この新しいスタイル、 いわば、 言われていない絵は大衆に好かれなかった、 そして、若い印象派の一見不注意な芸術的態度が批判されました。
しかし、絵画における新しい動きの本質があったのは、まさに自然の状態からのつかの間の感覚の伝達でした。印象派は野外で生まれました。照明の絶え間ない変化は、次のような人々にとって非常に重要でした。 将来、 最初は皮肉にも乱暴に印象派と呼ばれるでしょう。とらえどころのない印象を伝えたいというこの珍しい欲求、 現実の変化は、彼らの作品と「死んだ」アカデミック絵画との明確な区別を引き出しました。
古典的な学術絵画は、狭い範囲の神話の文脈でのみ存在しました。 宗教的および歴史的主題、 現代のイメージを認識せずに。それは理想化の芸術でした、 人工的な内部秩序と明確な構造をすべてに導入します。静物画の中の物や物、 風景や肖像画は理想化されたものとして描かれ、 実際に人間の目で見られるものではありません。印象派の夢は、絵画を現実の生活に戻すことでした。若いルノワール、 モネが野外で書き始めた後、 そのような方法だけが自然の太陽光の透過を達成することを可能にしたので、 記憶からワークショップで働くときに不可逆的に失われる自発性を写真に与えます。彼らの絵画の主な「主人公」となったのは光でした。しかし、 モネとは異なり、 オーギュスト・ルノワールは、自然そのものよりも、この魔法の光と空気の環境に置かれた人物に興味を持っていました。
別の作品では、 新しい橋（1872年、 国立美術館、 ワシントン）、 ルノワールは、ヴェドゥータ（都市景観）の名手として私たちに見えます、 アーキテクチャの詳細を注意深く書き、入念に視点を構築する準備ができています。すでによりスムーズな文体があります、 ボリュームの構築は、ラインを使用して作成されます。 補助図面。それにもかかわらず、 広い橋と散歩する大衆のいる街並みは、もやのように見えます。 建築要素の輪郭とキャラクターの姿はすべて明確な輪郭を欠いています、 すべての線はとても柔らかいです。アーティストは、日光と光が浸透する空気に浸された街を捉えました。
彼の友人であり同僚であるモネ・リードの肖像（1872年、 マーモティン博物館、 パリ）はルノワールによって暗い色で作られました、 ほぼモノクロになります。それにもかかわらず、 アーティストの友人のイメージはとても活気があり、 彼はモネに彼自身が毎日彼を見たのとまったく同じように見せました：帽子をかぶって、 新鮮な新聞と喫煙パイプを口に入れて。
ルノワールは照明の効果を研究し、 モネの顔のハイライトとシェーディングされた領域と彼の手にある新聞を再生します。手に温かみのある色合いでキャンバスの全体的な暗い色を巧みに希釈し、 椅子の後ろにあるリュケイオン、 新聞の白い色と同様に。したがって、アーティストは調和のとれた構図を実現します。 ビルトインカラー。衣装の生地は暗い背景とほとんど混ざっています、 まるで周囲の夕暮れに吸収されたかのように。画家が遅い読書の雰囲気を伝えようとしたのはこの効果でした、 暗い場所で。
1872年の写真「ソファに座ったクロードモネの妻の肖像」（個人コレクション、 リスボン）は異常に鮮やかで印象的なものになりました。若いカミリア・モネ（旧姓ドンシエ）は美しい青いドレスを着てソファに座っています、 彼女はアーティストのために裸でポーズをとります、 まるで自分が好意的に描くことを許しているかのように。ここ、 ルノワールは周囲を注意深く説明しようとはしません、 彼は若い主婦の落ち着きと自由の感覚を伝えるだけです、 午後に休憩の時間を見つけた人。
女性の美しさの真の愛好家として、 アーティストは、キャンバスのヒロインの若さと新鮮さを公然と賞賛しています。スケッチのように、 ルノワールはソファのアームレストの概要のみを示しています。 そのうちの1つはカミーユで休んでいます、 端にカップがセットされたティーテーブル。それはソファの幾何学模様の欠如とそのデザインを区切る明確な線によるものです、 ソファは異常に柔らかいようです。オブジェクトの輪郭がぼやけている、 部屋の雰囲気に並外れた明るさと風通しの良さを与え、 まるでルノワールが部屋の中のすべての物体を結合する一種の無形の日光の環境を示しているかのように。そしてカミラの黒い髪だけ、 眉毛と目は、一般的な明るい背景に対して際立っています、 視聴者の目を引き付けます。
70年代初頭、 ルノワールはパリの近くで多くの時間を過ごしました、 アルジャントゥイユでは、 この時期にモネが住んでいた場所、 友達はよく一緒に働きました、 彼らのお気に入りの主題の1つは、セーヌ川での帆船でした。この作品は「アルジャントゥイユ近くのレガッタ」（1874年、 国立美術館、 ワシントン）。絵の中では、 アーティストは、クイックの助けを借りて、再びアウトラインスタイルの文章を使用しました。 広いストローク。そのようなスタイルだけが私たちに風景を捉えることを可能にしました、 変化する性質の瞬間的な状態をキャプチャします。
写真の空は異常にダイナミックに描かれていますが、 引き裂かれたピンクの雲で、 まるですべての日光を吸収するかのように。まるでセーヌ川に転覆しているようですが、 雲の模様とボートの白い帆を反映して、 天のイルミネーションの反射を吸収し、ピンクがかった色に変わります。ルノワールは線ではなく絵を描きます、 しかし、カラースポットがあります。
絵画「背の高い草の中の小道」（1874年、 オルセー美術館、 パリ）は、風景「アルジェントゥイユのポピーフィールド」（1873年、 オルセー美術館、 パリ）クロード・モネ作。オーギュスト・ルノワールは、高原の草に溺れる小道を歩いている人々を描いています。モネのように、 動きの感覚を作り出すために、 アーティストは丘の頂上とその麓で人々の姿を繰り返します。
劇場とヌード
多くのアーティストのように、 ルノワールは劇場に魅了されました。ここでは、絵画のさまざまなシーンを見つけることができます、 彼らの性格と運命で何千人もの人々を見てください、 不思議なことや変わったシーンに注目してください。画家は両方の聴衆に興味を持っています、 講堂にあり、 と俳優、 その活気に満ちた生活はランプの反対側を通過します。
劇場シーンでのルノワールの作品の1つ、ロッジ（1874、 Curto Instituteのギャラリー、 ロンドン）は、最初の印象派展でアーティストによって発表されました、 センセーショナルで失敗した、 同じ84年に写真家ナダールのスタジオで開催されました。写真は箱の中に座っていた女性と紳士の二重の肖像画でした、 公演開始を待っています。女性が直接静かに視聴者を見て、 彼女の仲間、 それどころか、 後ろに寄りかかって座って、群衆の中の双眼鏡を通して誰かを探します。女性は少し悲しいです、 そして紳士、 そうみたいです、 彼女の存在を完全に忘れてしまいました。ヒロインの姿が写真の前景近くに表示され、 彼女の顔は明るく照らされており、まるで視聴者との対話を求めているかのように、 主人公は、箱の薄明かりの中で視聴者と彼の仲間の両方から削除されます。アーティストは、驚くべきことに、光と影の遊びを使用して、構成に意味的なアクセントを簡単に入れることができました。
同じ印象派展の展示会には、アーティストによるさらに2つの作品「ダンサー」（1874年、 国立美術館、 ワシントン）と「パリジャン」（1874年、 国立ウェルズ博物館、 カーディフ）。
絵「ダンサー」は、エアブルーのドレスを着た若いバレリーナを見せてくれます。彼女は自由な4番目の位置に立っています、 エドガー・ドガの仕事を少し思い出させてくれます。 劇場の好きなテーマで多くの絵を描いた人。しかし、 すべてのドガのヒロインはダンスまたは弓で捕らえられます、 彼らは決して彼のためにポーズをとったことはありません。ドガはそれらを描いた-パパラッチが今撮影しているように-一見ランダムな視点で予期しない瞬間にキャプチャされた、 心理学に焦点を当てることなく。
オーギュスト・ルノワールは異なった働きをしました。彼のキャンバス上で、 ダンサーはダンスでもステージイメージでも描かれていません。 しかし、まるで自分の役割を果たしているかのように。肖像画で重要な役割を果たしているのは、少し悲しい目と若い女の子の魅力です。 彼女の不安と優しさ。この絵は、パステルトーンと柔らかな輪郭によって区別されます。これは、ドガのはっきりと定義された作品とは対照的です。 常にラインを主な表現ツールとして使用していた人。
マスターによる次の絵「パリジャン」となると、 多くの美術史家は、アレクサンドル・ブロークの言葉を引用しています。 キャンバスの作成から30年以上後に彼が書いたもの：
「そして毎晩、 決められた時間に、
（それとも私だけが夢を見ているのですか？）
少女のキャンプ、 シルクに捕らえられ、
霧の窓の中で動きます。
そしてゆっくりと、 酔っぱらいの間を通り過ぎる、
常に衛星なしで、 1人、
香水や霧の中での呼吸
彼女は窓際に座っている…」若い女性の上半身は非常にはっきりと輪郭が描かれています、 彼女のドレスの軽いスカートは風通しの良い生地から縫い付けられているようです。それで、アーティストは特別な光-空気環境でフィギュアの存在の好きな効果を達成します、 そのおかげでヒロインは霞から出てきたようです。このとらえどころのない霧のマドモアゼルが視聴者との対話のために完全に開かれているという事実によって、画像の楽しい魅力が達成されます。
翌年、 ルノワールは彼の有名な絵画「日光の下で裸」（1875年、 オルセー美術館、 パリ）。アーティストの革新的なアイデアは、自然の中でヌードを書くことでした。 木の葉からの太陽のまぶしさと反射神経が彼女の繊細な肌にどのように作用するかを示しています。アイデアは悪くなかったし、 さらに、 本当に印象的です。しかし、 その結果、批評家と一般市民の両方から急激な拒絶が引き起こされました。伝統的な絵画の規範によると、 裸の女性の体は理想的に書かれなければなりませんでした、 モデルの壮大な「ステージングされた」ポーズを思いついたので、 そして彼女の肌は完全に滑らかで、もっぱら暖かい色合いでなければなりません。ルノワール、 滑らかな肌の代わりに、 まぶしさと反射神経を示した、 どのレビュアーが腐敗した体の死体の斑点と呼んだか。
1876年、 画家はこの主題について別のキャンバスを作成します。絵画「ヌード」（プーシキン美術館、 モスクワ）、 ルノワールは、女性の美しさの真の愛好家としての地位を示しました。彼は文字通り彼のモデルを賞賛し、 まるでブラシで体を撫でるように。今回、 彼は彼女の若い薄い肌を完璧に滑らかにそしてもっぱらピンクの色合いで塗ります。構成的に、 この作品は、ジャン・オーギュスト・ドミニク・アングル（1807）の絵画「ザ・バザー」に似ています。アーティストは後でイングレスに戻ります（誰が、 ちなみに、 エドガー・ドガの例でした）彼自身の創造的な道を再考している間。
マスターは定期的に印象派のその後の展覧会に参加しました。それらの3番目で、 1877年、 他の作品の中で、 彼はムーラン・ド・ラ・ガレットとスイングでザ・ボールを発表しました。
スイングの動機は、18世紀のフランス絵画では珍しいものでした。実際には、 それはありませんでした。何がルノワールをこのプロットに正確に促したのかは不明ですが、 しかし、彼がフラゴナールによる同じ名前の絵に精通していたという証拠があります、 それを「勇敢なシーン」として書いたのは誰ですか？ 隠された意味を持っている、 風に揺れるスカートの下の地面に座っているキャバリアーに開かれた魅力的な展望に囲まれ、 風に揺れる若い女性。 「ブランコ」（オルセー美術館、 パリ）ルノワールの、 1876年に書かれた、 本質的に同じ「勇敢なシーン」であり、 ロココ時代から借りた、 しかし、現代のプロットに書かれていて、軽薄な意味合いはありません。
キャンバスには、見る人に背を向けて立っている若い男性が見えます（これは伝統的な芸術自体では受け入れられません）。 彼は木のブランコに立っている物思いにふける少女を少し振る。近くには男と少女がいます、 愛情を込めて信頼して女性を見ています。ところで、 子供の画像は、アーティストの作品全体の別のページを占めています。 しかし、それについては後で詳しく説明します。
全体的な絵画「ムーラン・ド・ラ・ガレットのボール」（1876年、 オルセー美術館、 パリ）は、パリのモンマルトルの丘に描かれました。 当時はまだ3つの保存された木造工場がありました。そのうちの1つにレストラン「ムーラン・デ・ラ・ガレット」がありました。 おいしいコートレットで有名（ムーラン–ミル、 ガレット–カトレット）。レストランでは定期的にダンスを開催し、 最も多様なパリの聴衆を集めた、 その中には若い芸術家がいました。
そのような場所はルノワールにとって理想的でした、 ジューシーな文章を書くのが大好きな人、 光の明るいまぶしさ、 紳士の婦人服やスーツを着て踊る。アーティストは、そのような人生とのんきな若者の祭りのキャンバスシーンに移行するのが大好きでした、 非常に楽しく明るい雰囲気が特徴です。地元の聴衆を描いた彼の帆布は、その時代の一種の文書です。彼らは永遠にパリのこの一角を捉えました。 当時の中産階級が楽しまれていました。アーティストは、当時は非常に珍しいような日常のプロットに大きな帆布を捧げました。
長い間、 アーティストの絵画は販売されていませんでした、 国民が印象派を芸術として認めることを拒否したため。それにもかかわらず、 展示会は有益な接触をすることを可能にしました。それらを通して、 ルノワールは、画家がどういうわけか目的を達成するのに役立つ肖像画のいくつかの良い注文を受けました。アーティストにとって楽しくて有益なのは、シャルパンティエの配偶者との出会いでした。事実、シャルパンティエ夫人はパリに自分のサロンを持っていました。 興味深い聴衆が集まった：作家、 アーティスト、 詩人や芸術家。ルノワールが女優のジャンヌサマリと出会ったのはここでした。 彼は3つの肖像画を捧げた。
肖像画家の才能
驚くほど書かれた、 活気に満ちた叙情的な「ジャンヌ・サマリの肖像」（1877年、 プーシキン美術館、 モスクワ）は、作曲を構築するためのアーティストの型破りなアプローチを示しています。若い女優は彼女の手で彼女のあごに寄りかかって、 秘密の会話のように、 彼女の開いた直接の表情は、観察者の目に直接変わりました、 エッジへの図の最大近似と同様に、 ヒロインと視聴者の緊密な接触の効果を作成します。このポーズのおかげで、 肖像画には表現できない魅力があり、多くの前向きな感情を引き起こします。
一年後、 アーティストは同じ名前の別のキャンバスを作成します（1878、 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）。初期化、 ルノワールは再びサマリアのジャンヌに手紙を書きます、 しかし、今は完全に成長しています。女性は電車で見事な真っ白なドレスを着ています、 彼女のスリムな体型に非常にフィットします。しかし、ここでも、 儀式の肖像画で、 ヒロインは視聴者との対話に入ります–彼女のポーズは再び前方に向けられます、 彼女は少し曲がって立っています、 誇らしげな姿勢とまっすぐな肩を犠牲にして、 この連絡のために。彼女の直接の開いた視線は観察者を手放さない、 しかし、彼女のわずかに別れた唇は彼を引き付けます。
同じ年に、 ルノワールは「子供を持つシャルパンティエ夫人の肖像」（メトロポリタン美術館、 ニューヨーク）。写真は標準的な「サロン」方式で作成されました。 明らかにホステス自身を喜ばせるために。 2人のかわいい子供たちの姿、 直接ポーズで描かれ、 ユニークな子供用プラスチックを完璧に伝え、 天使の属性によって補完されます-腕と脚の腫れ、 繊細な髪のカール、 キャンバスに特別な魅力を与えます。作品の一般的な構成も色を使用して構築されています。装飾は赤茶色の色合いで描かれています。 シャルパンティエ夫人の姿は彼女の背景に対して際立っています。ホステスは黒いドレスを着ており、胸には白い対照的なはめ込みがあります。 裾の下から白いペチコートがのぞく、 彼女の足元には、白黒の巨大なセントバーナードがあります。そして、この白黒のフレームには、淡いブルーのショートドレスを着た子供たちが描かれています。
ルノワールは生涯、肖像画の傑出した巨匠と見なされていました。彼はなんとかキャンバスの英雄のつかの間の気分を捕らえて伝えました。このジャンルでの彼の作品の注目すべき例は、「ファンのいる少女」（1881年）です。 エルミタージュ美術館、 サンクトペテルブルク）。額に黒い髪の毛が落ちている少女の優しい物思いにふける顔は、注意深くスムーズに書き出されます。 とトイレの詳細、 ファン、 手と背景がより柔らかく、 輪郭がぼやけています。写真の背景、 精緻化せずに残し、 女の子の美しい外観を組み立てるだけです、 光沢のある暗い目から視聴者の注意をそらすことなく、 デリケートなお肌と別れた唇。キャンバスには、コントラストのお気に入りの効果があります。 黒と白のスポットを交互に、 マスターが頻繁に使用したもの：ファンの白い部分–ドレスの暗い生地、 ホワイトカラー–モデルの黒髪。このチェスの順序は、モデルの繊細な顔色に視聴者の注意を完全に集中させます。
彼の印象派の友人の意見に反して、 ルノワールは毎年恒例のサロンに参加することを決めました。それは彼が名声と有用な接触を得る唯一の方法でした。シャルパンティエ夫人の努力のおかげで、 1879年のサロンでは、アーティストによる2つの絵画、「サマリの肖像」と「子供を持つシャルパンティエ夫人の肖像」を受け入れました。それでルノワールはついに自分自身を宣言しました。聴衆は画家に好意的に会いました、 そして彼は定期的に新しい注文を受け始めました。それから1882年まで、 アーティストは印象派の展覧会に参加しませんでした。ルノワールの財政状況は非常に改善されたため、1881年に彼はアルジェリアへの長い旅行をする余裕がありました。 ヴェネツィア、 ローマとポンペイ。
同じ肥沃な時期に、 ルノワールはアリナシェリーゴと出会い、 画家の女性の美しさの理想の生きた具現化でした。アリーナは画家の多くの絵画に登場し始めました、 「漕ぎ手の朝食」（1881年）から フィリップスコレクション、 国立美術館、 ワシントン）。今度いつか、 彼女は彼の妻にさえなりました。
キャンバス「ローイングブレックファースト」の光の構成は、ルノワールによって自然光で描かれました。写真の筋書きは、アーティストにとても愛されているもう1つの人生の休日です。 紳士の求愛で、 のんきな若者、 女性の笑顔と人間関係の複雑さ。この作品は1882年の印象派の第7回展に参加しました。 イタリアへの旅行中にアーティストによって作成されたいくつかのベネチアの風景と一緒に。そしてちょうど一年後、 1883年、 ルノワールの最初の個展が開催されました。
独自のスタイル認識と欲求不満
1880年代の芸術家の名声は、すでにフランスを超えています。尊敬され、立派なオーギュスト・ルノワールは頻繁に旅行を始めました。 1885年、 彼らの最初の子供、 ピエールの息子、 マスターとアリナに生まれました。すぐに家族はシャンパンにあるアリナの故郷に引っ越しました。 1886年、 ルノワールは彼の妻と彼の幼い息子の肖像画を作成します。
帆布「母性」（美術館、 サンクトペテルブルク、 フロリダ）はすでに他の喜びを祝っています。パリの大衆ののんきな娯楽は背景に後退しました、 そして、すべての芸術家の注意は、家族生活の喜びと母性の幸福に向けられました。写真は感傷的です：田舎の牧歌に対してぽっちゃりした赤ちゃんを母乳で育てている太った若いアリナ。椅子に座っている女性の比率は、アーティストが立っている間に彼女を描いたという事実のために少し短く見えます、 そして彼の視点はモデルよりも高かった。
時間とともに、 オーギュスト・ルノワール、 以前に認められた印象派の巨匠、 彼が開発した書き方に幻滅した。作品に対する彼の不満は、いくつかの作成された帆布の破壊にさえマスターをもたらしました。彼の創造的なキャリアの最初から、画家がインスピレーションを求め、ユージン・ドラクロワの絵画で彼を苦しめた質問への答えを求めた場合、 ジャン・オノレ・フラゴナールとフランソワ・ブーシェ、 彼の創造的な個性の形成に貢献した、 今、彼は、優秀な学者で新古典主義者であるジャン・オーギュスト・ドミニク・イングレスの作品に目を向けました。 マスターライン、 魅惑的なヌード美女と異常に優しい女性の肖像画を書く。また、 ルノワールはルネッサンスの巨匠の経験を生かし始めました。 その作品はイタリアで彼を征服しました。
スタイルの変更にもかかわらず、 アーティストは喜びの世界に忠実であり続けました、 美しさと明るい幸福。彼は決して悲しみを生み出しませんでした、 哲学的、 または啓発作品。ペア作品「Danceinthe Village（1882、 オルセー美術館、 パリ）、 「ブージヴァルのダンス」（1883年、 美術館、 ボストン）、 「都会のダンス」（1883年、 オルセー美術館、 パリ）は、前の年の作品で画家によって提起されたトピックの論理的な続きになりました。 3つの絵はすべて、動きを楽しんでいる踊っているカップルを示しています。 音楽と、雲ひとつない幸福とキャンバスの若さをテーマにした「ムーラン・ド・ラ・ガレットのボール」の続きのように。
絵画「Danceinthe Village」は、初期の絵画「Portrait of Alfred Sisley withHisWife」の思い出を呼び起こします。新作でも同じ優しさが見られますが、 ケアし、彼の女性を抱き締める紳士の礼儀を強調しました。踊っているカップルのポーズは、直接の可塑性に魅了され、彼らの関係の本質を明確に示しています。男性は、パートナーに優しく恋をしています。 he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, 国立美術館、 London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
NS、 in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
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The artist still traveled a lot. 1894年、 a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, しかし、 after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. 1901年に his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, しかし、 not having endured the emotions, 彼女が死んだ。 Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919年。
Zhuravleva Tatyana
