フローリンステットハイマーが1944年に亡くなったとき、 72歳で、 ニューヨークのアーティスト、 詩人、 とsalonnière、 まだ最後の仕上げをしていました 芸術の大聖堂、 ニューヨークの文化に捧げられた一連の4つの記念碑的な絵画の最後、 ソーシャル、 と経済的な寺院。規模は同じですが、 各絵の高さは5フィート、幅は4フィート強です。
シリーズ、 これには ブロードウェイの大聖堂 （1929）、 に フィフスアベニューの大聖堂 （1931） 、 と ウォールストリートの大聖堂 （1939）、 彼女は大人の人生のすべてを故郷と呼んでいた街の礼拝所へのきらきらと気づいたオマージュでした。 に 芸術の大聖堂 間違いなく最も個人的な作品です。
彼女の生涯で批判的に崇拝されていませんが、 ステットハイマーは街の文化的環境に完全に溶け込み、マルセルデュシャンを数えました。 アルフレッド・スティーグリッツ、 そして、ジョージア・オキーフは彼女の最愛の友人と頻繁な家の客の間で。（デュシャンは、MoMAでのステットハイマーの仕事の死後の1946年の回顧展を組織しました。 博物館で最初に女性に捧げられました。）
ステットハイマーの典型的な絵で、 そして意図的に、 白のフェミニンなパレット、 ピンク、 と赤、 芸術の大聖堂 は、ニューヨーク近代美術館の3つの主要な美術館の幻想的な肖像画です。 メトロポリタン美術館、 ホイットニー美術館、そして実際の美術評論家の描写がたくさんあります。 ディーラー、 そしてアーティスト自身でさえ、 左下に、 壮観なシーンに視聴者を歓迎しているようです。ステットハイマーの帆布の中で最も有名なものの1つ、 芸術の大聖堂 気まぐれな、 フェイでさえ、 雰囲気は、アーティストの鋭い社会的解説と情報に基づいた現代的な視点のベニアです。
ここに3つの事実があります 芸術の大聖堂 それはあなたが全く新しい方法で絵を見るようにするかもしれません。
彼女の生涯で、 ステットハイマーの作品は、主に装飾用として理解されていました。 主題の島、 と、 最良の場合、 アメリカの象徴主義の伝統を育む。過去数十年で、 しかし、 歴史家は風刺を強調しました、 社会的にもインスピレーションを得て、 メッセージは彼女のフェイクナイフスタイルでコード化されました（ステットハイマーは後期の芸術的なブルマのようなものであり、40代のときに彼女の署名スタイルの絵画を見つける前に、学術的な伝統で働いていました）。
「大聖堂」の絵画は、主題が明らかに個人的なものではないという点で、ステットハイマーに固有のものです。通常、 彼女の主題は彼女の友人や家族の親密な世界に集中し、 彼女の姉妹のエティとキャリーを含みます。「これらの作品の社会的性格は非常にプライベートなものです。 美術史家のリンダ・ノックリンを書いた。「シッターは最も排他的な世界の特権的な住人であり、 ステットハイマーズのエンターテインメントの世界、 ソワレ、 とピクニック。」
芸術の大聖堂 ステットハイマーが実生活で知っていたアート界の人物を、メット（中央）の幻想的な集合体に配置するユニークな機会を提示しました。 MoMA（左、 ピカソとアンリ・ルソーの絵画を参照して）、 とホイットニー（右）、 一見連続したステージのような設定で提示されます。
作品には有名な人物がたくさんいます。美術評論家のヘンリーマクブライドは、「停止」と「移動」の旗を手に、絵画の正面に描かれています。これは、彼の重要な力を表しています。アルフレッドスティーグリッツは、キャンバスの中央に向かって威勢のいい姿で立っています。美学者としての彼の役割を示す黒い岬。写真家のジョージ・プラット・ラインズが赤ちゃんを撮影しているところが示されています。 ステットハイマーはこれを「ベイビーアート」と呼んでいます。美術館の館長が点在しています。MoMAのアルフレッドバーが左側のコルビジエスタイルの椅子に座っているように見え、メッツの当時の館長であったフランシスヘンリーテイラーが赤ちゃんと手をつないで有名な場所に向かって歩きます。美術館のコレクションからのオブジェクト、 まるでツアーのように。
女性、 通常、ステットハイマーの描かれた世界の中心であり、 主にこのシーンの周辺に存在します。ステットハイマーは自分自身を描いています、 彼女が当時70代だったことを考えると、かなり若々しく、 キャンバスに コメア 、 または名付け親、 しかし、彼女は外部の観察者として現れます、 天蓋付きのスペースに住んでいます。同様に、 ホイットニー監督のジュリアナ・フォースは孤立しているようだ、 ガートルードヴァンダービルトホイットニーの黄金の像の横にやや毅然とした表情で、 絵の右奥にあります。
ステットハイマーの典型的な作品のように、 手がかりとコードのパズルのような配置は、考えられる意味で解釈できます。彼女は美術館の壁の向こう側にピカソの名前を飾っていますが、 彼女も彼女を追加します、 でも逆に書かれています 彼女自身の曖昧さをほのめかすヒント、 そして、作品の見かけの軽薄さを裏切るような詳細。
ステットハイマーの「大聖堂」シリーズは、ニューヨーク市のいわゆる「礼拝所」、つまり芸術、 ファイナンス、 と社会。これらの作品を作成する際に、 ステットハイマーは、作曲のインスピレーションを得るために宗教芸術に目を向けました。 特に三連祭壇画の祭壇画。
「このシリーズは、マルチパートの祭壇画に似せて設計されています。 スケールと寸法（各作品の幅は50インチ、高さは60インチ以上）だけでなく、理想的なディスプレイでも、 」エッセイ「フローリン・ステットハイマーの再発見（再び）」に美術史家H.アレクサンダーリッチを書いた。この読書では、 それも、 ステットハイマーの彼女自身と彼女の友人のロバート・ロッチャーの描写は、次のように想像できます。 司会者 と コマール （ゴッドファーザーとゴッドマザー）、 聖人たちが私たちを現場に迎えてくれるように、 しかし、それ自体はその外に存在します。
「2人の人物は、芸術の世界とその聴衆の間の守護聖人または仲介者としての役割を果たします。 芸術の大聖堂 、 それから、 アートへのオマージュであるだけでなく、ニューヨークのアート機関とそれらを運営する人々へのオマージュでもあります。 「ノックリンを書いた。
これらの宗教的言及を念頭に置いて、 博物館の構造のアーチ型のフレームは、一種のマンドルラとして解釈することができます。 美術館の神聖な行事を取り巻く中央の「ベイビーアート」は、キリスト降誕のシーンでのキリストの子の代役です。 カメラのフラッシュで、 神の光の現代的な報復。
ステットハイマーの作品に関する批判的な議論は、しばしば劇場のデザインの影響を正しく指摘しています。 特にステージングとフレーミングの強い感覚で。彼女は若い頃の多くを姉妹や母親と一緒にヨーロッパで過ごしました。 セルゲイディアギレフの先駆的なバレエリュスへの訪問は、彼女の絵画に永続的な影響を与えました（ステットハイマーは、ガートルードスタインの1933年のオペラのセットも設計しました 三幕の四人の聖人。 ）。
ステットハイマーはまた、献身的な詩人でした、 彼女の著作は、フランスの哲学者アンリ・ベルクソンの哲学に影響を受けているとよく言われます。ベルクソンは、時間と記憶の固定された概念に反対し、同時性の概念を支持しました。 モーション、 変化—ステットハイマーの詩だけでなく、彼女の絵画にも影響が見られます。
「シーン内でフィギュアを複製し、数日を1つにまとめる場合、 ステットハイマーは、ベルクソンの時代についての彼女の理解を利用しました。 」美術史家のデイビッド・タサムを書いた。「ベルクソンの議論は、その異質な期間との間で区別され、 重複するイベントと線形、 測定可能な時間。人間の経験では、 持続時間は、記憶された過去と意識的な現在を包含し、 そして概念として、 それは絵画芸術の凍った瞬間には異質でした。」
の 芸術の大聖堂 彼女の気まぐれな空間と出来事の混同を通して、この同時性の採用を見ることができます。 彼女の「ベイビーアート、 」は、絵画の前景と背景の両方に表示されますが、 メトロポリタン美術館のフランシス・ヘンリー・テイラー監督が率いる。
絵画はニューヨークアートワールドの誰が誰であるか
絵画は世俗的な祭壇画として意図されていました
劇場は絵画への彼女のアプローチを深く知らせました
